As grandes óperas de Mozart (1781–1791)

Introdução

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) compôs 22 óperas numa variedade espantosa de estilos — dos dramas sagrados e mitológicos da infância às deslumbrantes obras-primas de sua década final. Embora as obras iniciais revelem uma fascinação precoce pela expressão teatral, foi nas óperas da maturidade que Mozart transformou plenamente o gênero.

Entre 1781 e sua morte, em 1791, ele criou uma série de obras cênicas de fôlego que redefiniram o drama musical por meio de profundidade psicológica, riqueza melódica e uma fusão orgânica entre música e texto.

Essas “grandes óperas”, escritas durante seus anos em Viena e além, incluem tragédias heroicas como Idomeneo, comédias sociais mordazes como Le nozze di Figaro e Don Giovanni, e a fusão atemporal de fantasia e filosofia em Die Zauberflöte. Nelas, Mozart elevou a ópera de entretenimento cortesão a narrativa humana universal — com personagens desenhados com empatia, sagacidade e verdade emocional.

Este artigo percorre as grandes óperas de Mozart de Idomeneo (1781) a Die Zauberflöte (1791), acompanhando como a última década do compositor moldou a tradição operística moderna. Exploramos quando e por que cada obra foi escrita e seus contextos dramáticos.

Idomeneo, re di Creta (1781)

Em 1781, a carreira de Mozart entrou numa nova fase. Incomodado com o sistema de patronato em Salzburgo, o compositor de 25 anos rompeu com sua posição provinciana e mudou-se para Viena em busca de oportunidades maiores. Pouco antes dessa mudança, ele concluiu Idomeneo, re di Creta (“Idomeneu, Rei de Creta”), que estreou em Munique, em janeiro de 1781.

Idomeneo foi uma encomenda da corte bávara e se impõe como a primeira grande ópera madura de Mozart.

Uma dramática opera seria em três atos, narra a história do rei Idomeneo que, após sobreviver a uma tempestade no mar, promete sacrificar a primeira pessoa que encontrar — tragicamente, trata-se de seu próprio filho, Idamante.

Os temas de sacrifício, destino e clemência se desenrolam numa partitura de grande densidade emocional; no desfecho, Idomeneo não consegue cumprir o sacrifício e, por intervenção divina e por sua própria abdicação, Idamante é poupado e reunido à amada Ilia.

Mozart dedicou enorme cuidado a Idomeneo, ampliando coro e orquestra e criando recitativos acompanhados e conjuntos de grande vividez.

Ele encontrou, porém, dificuldades com o elenco: o tenor já envelhecido que interpretava Idomeneo (Anton Raaff) era rígido e pouco expressivo, o que frustrou Mozart (ele reclamou que Raaff era “como uma estátua” em cena[14]).

Apesar desses obstáculos, Mozart tinha orgulho da ópera.

Idomeneo foi inovador ao mesclar estilos francês e italiano e ao explorar com riqueza os conjuntos[15][16].

Foi bem recebido na corte de Munique — uma obra de virada que mostrou Mozart indo além das fórmulas antigas da opera seria, rumo a um terreno mais humano e expressivo. Críticos modernos frequentemente incluem Idomeneo entre as melhores óperas de Mozart, pela nobreza musical e profundidade dramática[17][18].

Die Entführung aus dem Serail (1782)

Instalado em Viena em 1781–82, Mozart voltou sua atenção ao Singspiel alemão. O imperador José II promovia a ópera em língua alemã, e Mozart respondeu com Die Entführung aus dem Serail(“O rapto do serralho”), estreada no Burgtheater de Viena, em julho de 1782.

Este Singspiel cômico — com diálogos falados ao lado de árias — se passa num harém turco, aproveitando a moda contemporânea do exotismo “turco”. O enredo acompanha o nobre espanhol Belmonte e seu criado Pedrillo, que tentam resgatar Konstanze (noiva de Belmonte) e Blonde (sua criada) do palácio do pachá Selim.

Mozart impregnou a partitura com percussão “janízara” e cores orientais para evocar o cenário turco, mas também com árias de sentimento profundo: a ária virtuosa de Konstanze, “Martern aller Arten”, é de dificuldade diabólica, e a ópera equilibra momentos farsescos (o bufão Osmin, guardião do harém) com temas de amor e perdão.

No final, o esclarecido pachá Selim, em vez de se vingar dos europeus capturados, os perdoa e liberta com magnanimidade — uma resolução dramática que surpreendeu o público por sua seriedade moral dentro de um quadro cômico.

Die Entführung foi um triunfo desde a noite de estreia, tornando-se rapidamente a ópera mais popular de Mozart em vida[19]. O público vienense se encantou com a mistura de fogos de artifício vocais e romance cômico, e até o imperador (que, segundo a anedota, teria comentado “Notas demais, meu caro Mozart!” após a estreia) reconheceu o brilhantismo da ópera[20].

O rapto do serralho teve temporada prolongada em Viena e foi encenado em cidades por toda a Europa; consolidou de vez a reputação de Mozart como mestre da ópera alemã[19][21]. O próprio Mozart se orgulhava desse êxito — ele demonstrara que a ópera alemã podia rivalizar com a italiana e, com isso, conquistara o reconhecimento do público.

L’oca del Cairo (1783)

Embalado pelo sucesso de Entführung, Mozart estava ansioso para escrever mais óperas, mas os anos seguintes foram turbulentos.

Em 1783, Mozart começou L’oca del Cairo (“O ganso do Cairo”), uma ópera cômica italiana, voltando a trabalhar com Giambattista Varesco, o libretista de Idomeneo. [Mozarteum]

O enredo farsesco — que envolve um ganso mecânico gigante usado para ajudar amantes a escapar de uma torre — pareceu tolo demais para o gosto de Mozart. A princípio, ele gostou “bastante” de parte do rascunho de Varesco[22] e compôs vários números (até o fim de 1783, já havia escrito a maior parte do Ato I[23]). No entanto, conforme o trabalho avançava, Mozart ficou insatisfeito com as fraquezas do libreto. Percebeu, por exemplo, que as duas heroínas principais não apareciam em cena até o finale, um problema estrutural que ele temia condenar a ópera[24]. Mozart pediu revisões, escrevendo ao pai, com frustração crescente, que a história precisava de “alterações drásticas” e que ele não queria ver sua boa música “estragada” por um enredo ruim[24][25].

Apesar da correspondência intensa e das tentativas de consertar o libreto, Mozart acabou abandonando L’oca del Cairo como um projeto sem esperança[26][25]. Numa carta, ele chegou a sugerir que o abade Varesco não tinha “o menor conhecimento de teatro”[26].

Lo sposo deluso (1784)

De modo semelhante, em 1784 Mozart iniciou outra ópera cômica italiana, Lo sposo deluso (“O noivo iludido”), mas também a deixou incompleta após apenas alguns números. Ao que tudo indica, ele não encontrou um libreto satisfatório ou talvez tenha perdido os cantores; de todo modo, nenhuma produção se concretizou e Mozart arquivou o projeto.

Essas tentativas frustradas revelam o alto padrão de Mozart — ele não despejaria seus esforços num libreto de opera buffa que considerasse bobo ou inviável. Ele disse ter “trabalhado bastante nesse curto espaço de tempo” nessas óperas, para depois perceber que o esforço talvez fosse em vão[27]. Dá para sentir sua irritação com o trabalho desperdiçado em L’oca e Lo sposo, que ele provavelmente achou mais tedioso do que divertido.

Le nozze di Figaro (1786)

A sorte de Mozart deu uma guinada em 1786. Nesse ano, ele recebeu uma encomenda que resultaria numa de suas maiores realizações: Le nozze di Figaro (“As bodas de Fígaro”).

Esta opera buffa italiana em quatro atos marcou a primeira colaboração de Mozart com o poeta e libretista Lorenzo Da Ponte. O próprio Mozart havia sugerido a peça polêmica de Beaumarchais, The Marriage of Figaro, como tema operístico[28], e Da Ponte moldou um libreto (suavizando cuidadosamente o subtexto político da peça para satisfazer a censura). A ópera, estreada em 1º de maio de 1786 em Viena, é um prodígio de comédia construída com números de conjunto e sátira social.

Ela retoma, alguns anos depois, os personagens de O barbeiro de Sevilha, acompanhando um “dia de loucura” na casa do conde Almaviva. Os criados Fígaro e Susanna tramam para frustrar a tentativa do conde de seduzir Susanna no dia do casamento, envolvendo a condessa, o pajem Cherubino e outros numa cascata de disfarces, identidades trocadas e intrigas espirituosas. No fim, o conde, humilhado, pede perdão e marido e mulher se reconciliam, encerrando o turbilhão de “seduções fracassadas, disfarces, mal-entendidos e revelações” num gesto de perdão[29][30].

Musicalmente, Figaro é um tour de force: a partitura de Mozart transborda de árias memoráveis e conjuntos magníficos que aprofundam cada personagem e impulsionam a trama complexa. Da abertura frenética ao luminoso finale do Ato II e às árias pungentes (como “Dove sono”, da Condessa, ou “Se vuol ballare”, de Fígaro), Mozart alcançou uma fusão perfeita de energia cômica e calor humano.

Mozart apreciou imensamente compor Figaro — inspirou-se no engenhoso libreto de Da Ponte e na oportunidade de criar um novo tipo de ópera cômica movida por conjuntos. Ele “pressionou” e persuadiu Da Ponte quando necessário para moldar o drama às suas necessidades musicais (Mozart era conhecido por insistir em conjuntos com estrutura dramática)[31]. O resultado foi tão satisfatório que Figaro passaria a ser visto como a obra-prima cômica de Mozart, frequentemente citado como o ápice da opera buffa[30].

Na estreia vienense, As bodas de Fígaro teve uma recepção positiva, embora não avassaladora. O imperador a admirou a ponto de ordenar apresentações extras especiais em seu palácio[32], mas, em Viena, a temporada foi limitada (nove apresentações em 1786), em parte por intrigas de facções e talvez pela complexidade da partitura[33][34].

No entanto, quando Figaro chegou a Praga, no fim de 1786, causou sensação. O público de Praga adorou a ópera — um jornal local a saudou como “uma obra-prima” e relatou que “nenhuma peça jamais provocou tamanha sensação”[35]. Mozart ficou entusiasmado; escreveu de Praga que “aqui não se fala de outra coisa senão de Figaro”, e essa resposta calorosa levou diretamente a uma encomenda para uma nova ópera na cidade.

Hoje, ela é frequentemente considerada a maior ópera de Mozart, celebrada por sua mistura perfeita de comédie e humanidade profunda[30]. Mozart, de sua parte, provavelmente achou a composição de Figaro profundamente recompensadora — um projeto em que seu talento encontrou um libreto ideal, e que consolidaria seu legado.

Don Giovanni (1787)

A ópera seguinte de Mozart foi escrita para capitalizar o sucesso de Figaro em Praga. Don Giovanni, um dramma giocoso (mistura de cômico e sério) em dois atos, estreou em Praga em 29 de outubro de 1787. Novamente em parceria com Da Ponte, Mozart abordou a lendária história de Dom Juan — o nobre carismático que seduz e abandona mulheres e que, no fim, encontra uma punição sobrenatural.

Don Giovanni é frequentemente visto como a ópera mais ousada de Mozart, oscilando entre comédia, melodrama e o aterrorizante. Na obra, as façanhas escandalosas de Don Giovanni (de serenatas a camponesas ao assassinato do Comendador, pai de uma de suas conquistas) são, alternadamente, engraçadas e chocantes. Seu criado Leporello fornece alívio cômico com a famosa Ária do Catálogo (listando os milhares de amantes de Giovanni), mas o tom se obscurece quando o fantasma vingativo do Comendador — na forma de uma estátua de pedra — ganha vida. Na cena culminante do jantar, a estátua do Comendador confronta Don Giovanni e o arrasta ao inferno quando ele se recusa a se arrepender.

A partitura rica e pulsante de Mozart acompanha a intensidade do drama[36]. A variedade é espantosa: duetos amorosos radiantes, conjuntos cômicos cintilantes e a cena final de arrepio, com trombones anunciando a chegada do Comendador. Mozart alcança um equilíbrio milagroso entre comédia e tragédia, como comentaristas posteriores observaram[37][38]. Em Don Giovanni, a escrita espirituosa de conjuntos de Figaro se combina a um novo peso e uma nova escuridão — a obra pode ser lida como peça moral ou como “travessura inofensiva”, e o público até hoje debate seu tom[39][40].

Mozart achou Don Giovanni desafiadora, mas estimulante. Trabalhou sob pressão (a lenda diz que ele ainda orquestrava a abertura poucas horas antes da estreia), mas esteve à altura do momento. A estreia em Praga foi um triunfo — a cidade que amava Figaro também acolheu Don Giovanni, e a ópera foi aclamada calorosamente.

No entanto, quando Mozart levou Don Giovanni a Viena, em 1788, a recepção foi mais ambígua. O público vienense, ao que parece, achou inusitados os temas sombrios e a falta de uma resolução moral nítida. Diz-se que o imperador José II comentou que Don Giovanni era talvez música “divina”, mas “não era um prato para os vienenses”.

De todo modo, o prestígio de Don Giovanni cresceu rapidamente após a morte de Mozart; em poucas décadas, foi reconhecida como uma das realizações supremas da ópera. Beethoven e outros compositores admiraram sua profundidade, e E.T.A. Hoffmann comparou célebremente o gênio de Mozart em Don Giovanni ao de Shakespeare[41].

Do ponto de vista de Mozart, Don Giovanni provavelmente foi uma composição gratificante — ele pôde se expandir dramaticamente e musicalmente, escrevendo uma ópera que funde seu instinto de entretenimento a uma camada mais profunda, quase filosófica. Muitos estudiosos consideram Don Giovanni a melhor ópera de Mozart, e ela figura de modo consistente entre as maiores óperas já escritas, por suas “proporções perfeitas” e pela mescla do cômico com o sublime[37][42].

Così fan tutte (1790)

A última colaboração de Mozart com Da Ponte foi Così fan tutte (“Assim fazem todas”), estreada em janeiro de 1790 no Burgtheater.

Esta opera buffa é uma comédia romântica cínica sobre dois oficiais, Ferrando e Guglielmo, que apostam que suas noivas (as irmãs Dorabella e Fiordiligi) permanecerão fiéis. Os homens se disfarçam, e cada um tenta seduzir a amada do outro, guiados pelo filósofo astuto Don Alfonso e ajudados pelas trapaças cômicas da criada Despina. Ao longo da farsa, ambas as mulheres de fato vacilam e se encantam pelo homem “errado”, comprovando a premissa de Alfonso de que todas as mulheres são volúveis — mas o tratamento de Mozart é mais humano do que misógino, já que os homens também são mostrados como inconstantes. No final, a encenação é revelada e os casais supostamente se reconciliam, embora a ópera deixe um gosto agridoce sobre a fragilidade da confiança.

Così fan tutte foi ousada para sua época, com uma premissa um tanto picante e um desfecho irônico, carregado de ambiguidades. Mozart, porém, derramou algumas de suas músicas mais requintadas sobre esse enredo aparentemente leve. A ópera traz uma profusão de conjuntos espirituosos e intrincados e árias que exploram as nuances emocionais do amor e do engano[43][44]. Destacam-se a ária virtuosa de Fiordiligi, “Come scoglio” (em defesa da fidelidade), e o trio “Soave sia il vento”, uma das peças de conjunto mais sublimes de Mozart.

Na época da estreia de Così, as circunstâncias de Mozart eram difíceis — a guerra e a instabilidade econômica em Viena reduziram o interesse do público por óperas novas. Così fan tutte estreou em 26 de janeiro de 1790 e foi inicialmente bem recebida por quem a viu, mas sua temporada foi abreviada: após apenas cinco apresentações, a morte do imperador José II, em fevereiro de 1790, mergulhou a corte no luto e fechou os teatros por um período[45][46]. Como resultado, Così não teve chance de florescer durante a vida de Mozart, e as retomadas posteriores foram raras (moralistas do século XIX acharam a história frívola ou indecente).

Somente no século XX Così fan tutte recebeu pleno reconhecimento como obra-prima da ópera cômica, apreciada por sua música sofisticada e por sua percepção psicológica. Hoje, é celebrada como a “colaboração final” de Mozart e Da Ponte par excellence, fechando a trilogia com uma obra tão rica musicalmente quanto maliciosamente bem-humorada[43][44].

La clemenza di Tito (1791)

O último ano de Mozart (1791) foi espantosamente produtivo no campo da ópera. No verão de 1791, ele recebeu a encomenda de escrever uma nova opera seria para a coroação do imperador Leopoldo II em Praga. O resultado foi La clemenza di Tito (“A clemência de Tito”), estreada em 6 de setembro de 1791 no Teatro dos Estados de Praga.

Adaptando um libreto antigo de Metastasio (fortemente abreviado pelo poeta da corte Caterino Mazzolà), Tito narra a história do imperador romano Tito, célebre por sua misericórdia, que enfrenta uma conspiração contra si. Na ópera, Vitellia — furiosa por ter sido rejeitada por Tito — persuade seu admirador Sesto (amigo íntimo do imperador) a atear fogo a Roma e tentar assassinar Tito. Quando o plano falha e Sesto é capturado, Tito acaba perdoando tanto Sesto quanto Vitellia, escolhendo a clemência em vez da vingança.

Mozart precisou escrever esta ópera com grande pressa (diz-se, em apenas 18 dias), enquanto trabalhava ao mesmo tempo em A flauta mágica. Ele chegou a delegar as seções mais simples de recitativo a seu aluno Süssmayr, concentrando-se ele próprio nas árias e nos conjuntos. Apesar da correria, La clemenza di Tito contém momentos de beleza transcendente — como a ária comovida de Sesto, “Parto, parto”, com seu famoso clarinete obbligato, e o impressionante finale do Ato I, em que Tito reage, indignado, ao incêndio no Capitólio. A ênfase serena da ópera nas virtudes do Iluminismo (perdão e benevolência) era apropriada para a ocasião de uma coroação.

A recepção inicial de La clemenza di Tito em Praga foi respeitosa, porém morna — o estilo neoclássico da seria soava antiquado logo depois das ágeis obras cômicas de Mozart.

Uma condessa na plateia, notoriamente, a desprezou como “porcheria tedesca” (“lixo alemão”), embora outros admirassem sua simplicidade digna. Ainda assim, Tito encontrou público na década de 1790: foi encenada em várias cidades e permaneceu em repertório por algumas décadas[47]. De fato, foi a primeira ópera de Mozart a chegar a Londres (montada ali em 1806)[48][49].

Em meados do século XIX, Tito caiu no esquecimento, mas retomadas modernas reabilitaram sua reputação[47]. Hoje, La clemenza di Tito é valorizada por sua elegância clássica e pelos sentimentos nobres em seu centro — um exemplo tardio da capacidade de Mozart de elevar até materiais convencionais com música inspirada.

Die Zauberflöte (1791)

Apenas semanas depois de Tito, Mozart alcançou um de seus maiores sucessos populares com Die Zauberflöte (“A flauta mágica”), estreada em 30 de setembro de 1791 num teatro suburbano de Viena (Freihaus-Theater auf der Wieden).

Ao contrário da Tito, voltada para a corte, A flauta mágica era um Singspiel alemão destinado a um público amplo. Mozart fez parceria com seu amigo Emanuel Schikaneder, que escreveu o libreto e também interpretou Papageno na estreia.

A ópera é uma alegoria fantástica que encanta plateias de todas as idades há mais de dois séculos.

Ambientada numa terra mítica, a história acompanha o príncipe Tamino e o passarinheiro Papageno numa missão para resgatar Pamina (filha da temível Rainha da Noite) do supostamente maligno sumo sacerdote Sarastro. Eles passam por uma série de provas de virtude e firmeza. Numa reviravolta, descobre-se que Sarastro é benevolente e que a Rainha da Noite representa as trevas e a vingança. Com a ajuda de uma flauta mágica e de sinos mágicos — e guiados por sabedoria e amor — Tamino e Pamina superam as provas, a Rainha vilanesca é derrotada e a luz triunfa sobre a escuridão. Entrelaça-se a isso a trama cômica de Papageno, que procura (e enfim encontra) uma Papagena para amar, oferecendo humor terreno ao lado do simbolismo maçônico espiritual da ópera.

Mozart escreveu A flauta mágica num momento em que recebia poucas encomendas da corte, e existe o equívoco de que ele teria aceitado este projeto a contragosto ou como algo “menor”. Na verdade, Mozart era amigo de Schikaneder havia muito tempo e fazia parte da mesma loja maçônica; ele abraçou a oportunidade de contribuir para a vibrante cena de teatro popular de Viena[50][51]. Longe de estar abaixo de suas capacidades, A flauta mágica foi um trabalho feito por amor — Mozart colocou o coração na mistura de aventura mágica, ideias filosóficas do Iluminismo e comédia popular.

O resultado foi sem dúvida uma de suas melhores óperas[52], combinando elementos que agradam ao público (canções de sabor popular, como as árias saltitantes de Papageno, e as coloraturas espetaculares da Rainha da Noite) com música sublime de significado profundo (o coral solene dos sacerdotes, o dueto dos dois homens armados).

Die Zauberflöte foi um sucesso instantâneo. A estreia foi um êxito imediato com o público, e a obra “conquistou Viena”, agradando tanto nobres quanto plebeus[53].

O próprio Mozart regeu as primeiras apresentações e, segundo relatos, compareceu com frequência, deliciando-se com a reação do público — anotava quais árias arrancavam risos ou aplausos.

A ópera teve muitas récitas no fim de 1791; até Salieri (rival de outros tempos) assistiu e teria elogiado A flauta mágica como um “operone” — uma grande ópera.

Tragicamente, Mozart não viveu para ver até onde esse sucesso chegaria: morreu em 5 de dezembro de 1791, apenas dois meses após a estreia. Mas a popularidade de A flauta mágica só cresceu — em poucas semanas e meses, passou a ser encenada em outros lugares e logo se espalhou pela Europa[53].

Ela permanece uma das óperas mais frequentemente apresentadas no mundo[53], prova de seu apelo universal. Para Mozart, A flauta mágica foi um triunfo final e, ao que tudo indica, uma fonte de alegria. Ele conseguiu criar uma ópera que é, ao mesmo tempo, um conto de fadas brincalhão e uma declaração profunda de valores iluministas (o poder do amor, da razão e da fraternidade triunfando sobre a ignorância). Seu êxito contínuo é talvez o maior monumento ao legado operístico de Mozart — uma obra que, como tantas de suas óperas, fala ao coração e à mente ao longo dos séculos.

Fontes