피아노 협주곡 제23번 A장조

작곡과 역사적 맥락

모차르트는 빈에서 놀라울 만큼 생산적이던 시기인 1786년 3월 2일, 피아노 협주곡 제23번 A장조(K. 488)를 완성했다[1]. 당시 그는 오페라 Le Nozze di Figaro의 초연(1786년 5월)을 준비하고 있었고, 최근에는 1막 희극 오페라(Der Schauspieldirektor)도 작곡한 참이었다[2]. 쉬지 못하는 성격답게 모차르트는 1786년 초에 피아노 협주곡 세 곡(제22~24번)을 연달아 작곡했는데, 이는 그해 봄 사순절 시즌에 열렸을 가능성이 큰 정기 구독 연주회를 염두에 둔 것으로 보이며, 이 무대에서 그는 직접 독주자로 나설 예정이었을 것이다[3][4]. 변덕스러운 빈의 음악계에서 대중의 취향은 이미 피아노 협주곡에서 멀어지기 시작했는데, 몇 해 전 모차르트의 협주곡에 찬사를 퍼부었던 바로 그 청중이 이제는 “더는 크게 원하지 않는” 분위기였다는 것이다[5]. 그럼에도 모차르트는 새롭고 매혹적인 음악으로 “대중을 유혹할 수 있다”는 믿음 아래 계속 전진했다[6]. 실제로 당시 그의 공연 수입은 궁정의 위촉보다 더 수익성이 있었기에, 그는 이 연주회 수입에 기대고 있었다[3].

모차르트는 30세로 빈에서의 경력 정점에 있었지만, 경쟁은 치열해지고 취향은 빠르게 바뀌고 있었다. 1786년에 나온 이 세 협주곡은 각각 새로운 음악적 영역을 탐색한다. 축제적이면서도 심오하다고 평가받는 E♭장조 협주곡 제22번(K. 482), 어둡고 극적인 c단조 협주곡 제24번(K. 491), 그리고 그 사이에 놓인 이 A장조 협주곡 제23번은 날렵하고 우아한 작품으로, 친밀한 서정성으로 특히 주목받는다[7]. 세 곡 모두 모차르트가 직접 연주하기 위해 염두에 둔 작품이었고, 의미심장하게도 생전에는 출판되지 않았다[8]. (K. 488은 모차르트가 사망한 뒤 거의 10년이 지난 1800년에야 출판되었다[9].) 그러나 시간이 흐르며 피아노 협주곡 제23번은 레퍼토리의 사랑받는 ‘단골’ 작품으로 자리 잡았고, 오늘날 비평가와 연주자들은 이를 모차르트 협주곡 가운데 가장 표현력이 풍부하고 정교하게 빚어진 작품 중 하나로 자주 꼽는다[10][11].

편성과 오케스트레이션

K. 488의 두드러진 특징 가운데 하나는 부드럽고 실내악적인 관현악법이다. 모차르트는 이 협주곡을 독주 피아노와 다음으로 구성된 관현악을 위해 썼다.

플루트(1)

클라리넷(2)

바순(2)

호른(2)

현악기(바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스)

특기할 점은, 고전시대 협주곡에서 흔히 쓰이던 오보에, 트럼펫, 팀파니가 빠져 있다는 것이다. 밝은 음색의 오보에를 클라리넷으로 대체하고 트럼펫과 타악기를 생략함으로써, 모차르트는 통상보다 더 어둡고 따뜻한 음색 팔레트를 얻었다[12][13]. 실제로 1786년에 쓰인 22~24번 협주곡은 모차르트의 피아노 협주곡 가운데 클라리넷을 처음으로 포함한 작품들이었다[12]. 당시 빈의 오케스트라에서 클라리넷은 여전히 어느 정도 ‘신기한’ 악기였다. 모차르트는 클라리넷이 구해지지 않을 경우, 해당 성부를 바이올린이나 비올라로 연주해도 된다는 메모를 악보에 덧붙이기까지 했다[12]. 목관악기(플루트, 클라리넷, 바순)는 두드러진 독주적 패시지를 맡고 피아노와 자주 ‘대화’를 나누며, 이 협주곡의 친밀한 실내악적 감각을 한층 강화한다[14]. 이러한 온화한 음향은 특히 1·2악장에서 두드러지는데, 미묘한 음색의 그라데이션이 따스하고 섬세한 분위기를 빚어낸다[13].

형식과 음악적 성격

모차르트의 다른 협주곡들과 마찬가지로, 제23번은 빠름–느림–빠름의 3악장 고전적 형식을 따르며, 전체 연주 시간은 약 25~26분이다[15]. 각 악장은 고유한 성격을 지니며, 우아함·표현력·재치가 어우러진 모차르트 특유의 미덕을 보여 준다.

I. Allegro (A장조): 1악장은 A장조의 Allegro로, 전형적인 이중 제시부 구조를 지닌 소나타 형식으로 쓰였다[16]. 먼저 오케스트라가 주요 주제를 제시하고, 이어 피아노가 등장해 장식과 전조를 더하며 주제들을 다시 들려준다. 음악은 우아하고 서정적이며, 모차르트가 A장조에 자주 연관지었던 “진정시키는” 성격을 반영한다(그가 따뜻한 선율미로 유명한 클라리넷 협주곡과 5중주에도 선택했던 조성이다)[17]. 전반적으로 밝고 기사도적인 분위기이지만, 주제 전개는 매우 풍부하다. 모차르트는 세 번째의 새로운 주제를 피아노 독주 제시부를 위해 아껴 두기까지 하며, 반음계적 화성을 사용해 고전적 우아함 속에 긴장과 색채의 순간을 불어넣는다[18]. 전체적으로 1악장은 단정함과 유희성을 균형 있게 맞추며, 절제되면서도 기쁜 정조를 펼쳐 보인다.

II. Adagio (F♯단조): 2악장은 극적인 대비를 이룬다. 느린 Adagio이며, F♯단조라는 18세기에 매우 드문 조성으로 쓰였고, 모차르트가 F♯단조로 쓴 유일한 악장이기도 하다[19]. 더 나아가 모차르트가 어떤 기악 작품에서든 느린 악장에 단조를 사용한 마지막 사례이기도 하다[19]. 피아노는 홀로 시작해, 유난히 큰 도약이 특징인 부드러운 Siciliano 리듬 위로 애잔한 선율을 자아낸다[20]. 분위기는 숨죽인 듯 고요하고 오페라적인 색조를 띠어, 피아노가 슬픔의 아리아를 노래하는 듯하다. A–B–A의 3부 형식으로 진행되는 이 악장 전체에서 다이내믹은 대체로 여리게 유지되며, 피아노와 절제된 오케스트라 반주(특히 클라리넷과 바순) 사이의 호흡은 더없이 친밀하다[21]. 해설자들은 이 Adagio를 모차르트 작품 중에서도 가장 가슴 저리고 표현력이 뛰어난 창조물 가운데 하나로 자주 묘사하며, “절절하고 사색적인” 구절들이 거의 심장을 쥐어짜는 아름다움을 전한다고 말한다[22]. 중간부에서는 음악이 A장조로 옮겨 가며, 플루트와 클라리넷의 이중주가 한 줄기 밝은 희망처럼 제시된다[20]. (흥미롭게도 모차르트는 훗날 1787년 오페라 Don Giovanni의 트리오 “Ah! taci ingiusto core!” 도입부에 이 A장조 삽화의 주제를 재사용했다[20].) 잠시의 휴식 뒤, 침울한 F♯단조 주제가 돌아오고 Adagio는 조용히 마무리된다. 이 악장이 길게 유지하는 우울한 서정성과 감정의 농밀함은 당시로서는 이례적이었으며, 낭만주의 시대의 표현적 심도를 예고한다. 한 저자는 이 대목에서의 오케스트라 진입을 “고전 양식이 가장 낭만적으로 변모한 순간”이라고 부르기도 했다[23].

엘렌 그리모는 모차르트의 이 A장조 협주곡을 “모차르트가 쓴 협주곡 중 아마도 가장 숭고한 작품”이라 부르며, Adagio를 “그리움의 극도로 깊고 고통스러운 표현, 그곳에서 진짜 모차르트를 만난다”라고 말한다. 이러한 관점은 이 협주곡을 그녀의 대표 레퍼토리 가운데 하나로 만들었다. 아래 영상에서 그리모는 바로 이 Adagio를 연주하는데, 그녀의 첫 모차르트 앨범을 위해 녹음된 해석으로서, 이 악장이 전 세계적으로 사랑받게 된 친밀하고도 상처받기 쉬운 성격을 부각한다.

III. Allegro assai (A장조): 피날레는 A장조의 활기찬 Allegro assai로, 생기 넘치는 론도(정확히는 소나타-론도 형식)로 구성된다[24]. 주요 주제는 경쾌하고 귀에 착 달라붙으며 반복해서 돌아오는데, 그 사이사이에 대비되는 에피소드들이 예상 밖의 조성으로 재빠르게 튀어 오른다(한 지점에서는 F♯단조가 잠깐 얼굴을 내밀지만, 곧 D장조의 장난스러운 클라리넷 선율이 이를 환히 밝힌다[25]). 모차르트의 변화무쌍한 재치는 여기서 유감없이 발휘된다. 피아노와 오케스트라는 술래잡기처럼 주제를 주고받으며, 빠른 기분 전환과 조성의 변화를 따라 서로를 추격한다[26]. 이 악장의 유쾌한, “웃으며 집으로 돌려보내는” 에너지에도 불구하고, 모차르트는 흥겨움 속에 비애의 한 자락을 슬쩍 끼워 넣는다[27]. 이런 찰나의 달콤쌉싸름함이 정서적 균형을 잡아 주며, 한 분석가의 말처럼 “이것이 없으면 모차르트는 모차르트가 아니다”라는 사실을 상기시킨다[27]. 마지막에는 A장조로 돌아와 론도가 기쁜 결말을 향해 질주하며, 찬란하고 경쾌한 마무리로 청자를 즐겁게 한다[26].

수용과 유산

당대의 반응: 모차르트는 1786년 빈에서 열린 자신의 연주회에서 이 A장조 협주곡을 직접 초연했을 가능성이 크지만, 구체적인 목격 기록은 많지 않다[28]. 즉각적인 평단 반응에 대한 기록은 없으나, 생전 출판이 이루어지지 않았다는 사실은 이 후기 협주곡들이 그의 개인적 연주 용도를 위해 쓰였고, 처음에는 널리 유통되지 않았을 수 있음을 시사한다[8]. 1780년대 중반 무렵, 빈의 귀족 청중은 오페라와 각종 ‘새로운 오락’에 더 큰 관심을 보이기 시작했고, 그 결과 (1784년에 사실상 새롭게 재창조했다고 할 만한) 모차르트의 피아노 협주곡은 다소 식은 대중적 수요와 마주했다[5]. 그럼에도 A장조 제23번은, 곧바로 대중적 환호를 얻지는 못했더라도, 위안과 미묘한 뉘앙스가 가득한 뛰어난 아름다움의 작품으로서 애호가들에게는 높이 평가되었다.

출판과 19세기 부흥: 이 협주곡은 마침내 1800년에 출판되었고[9], 19세기를 거치며 모차르트의 피아노 협주곡들은 레퍼토리의 근간을 이루는 걸작으로 인정받게 된다. 훔멜 같은 음악가들과 이후 19세기 피아니스트들이 이러한 작품들을 연주회에서 적극적으로 옹호했다. 1800년대 후반에는 카를 라이네케 같은 예술가들이 모차르트 협주곡의 연주 관행(예컨대 Adagio에서의 적절한 프레이징)을 연구하고 가르치고 있었다[29]. 특히 A장조 협주곡의 서정적 Adagio는 그 표현의 깊이로 찬탄을 불러일으켰는데, 이는 낭만주의 시대 음악가들이 사랑한 자질이기도 했다.

현대적 위상: 오늘날 피아노 협주곡 제23번은 모차르트의 가장 뛰어난 협주곡 가운데 하나로 널리 인정받으며, 서정성, 정서적 스펙트럼, 형식적 완전성으로 찬사를 받는다[11]. 이는 고전 피아노 레퍼토리의 핵심 작품으로, 세계 주요 피아니스트와 오케스트라가 빈번히 연주한다. 비평가들은 종종 2악장을, 최대한의 단순함과 우아함으로 깊은 감정을 표현하는 모차르트 천재성의 숭고한 표본으로 지목한다. 한 프로그램 노트는 모차르트의 빈 후기 협주곡들 각각이 “고전 정전의 상설 레퍼토리”가 되었으며, 그중에서도 A장조 제23번은 특히 “작곡가의 가장 친밀하고 표현적인 작품 중 하나로 두드러진다”고 말한다[10]. 협주곡의 빛나는 기교성과 실내악적 친밀감, 그리고 오페라적인 온기가 결합된 이 작품은 오늘날에도 청중을 매혹한다.

이 협주곡의 지속적인 영향력은 소련 지도자 요제프 스탈린과 관련된 20세기의 유명한 일화로도 잘 드러난다. 스탈린은 말년에 모차르트 K.488의 라디오 생중계(전해지는 바에 따르면 피아니스트 마리아 유디나가 연주한 Adagio)를 듣고 크게 매료되어, 그 녹음을 요구했다고 한다[30]. 그러나 그것은 생방송이었기에 녹음이 존재하지 않았고, 이에 급히 오케스트라를 하룻밤 사이 스튜디오에 소집해 녹음을 진행한 뒤, 다음 날 스탈린에게 사본을 전달했다는 것이다[31]. 스탈린은 이 연주에 대해 유디나에게 거액을 하사했다고도 전해지는데, 아이러니하게도 독실한 신자였던 유디나는 그 돈을 교회에 헌금했고, 정권에 대해 공개적으로 비판적이었다. 사실 여부가 어떻든, 이 이야기는 (작곡가 드미트리 쇼스타코비치 등이 전한 것으로) 스탈린이 1953년 사망하기 전 마지막으로 들었던 음악이 이 모차르트 협주곡이었다는 주장까지 포함한다[32]. 이러한 전설은 모차르트 음악의 거의 보편적인 호소력을 강조한다. 잔혹함으로 악명 높은 독재자조차 A장조 협주곡의 부드러운 절절함에 마음을 움직였을 수 있다는 것이다.

Hélène Grimaud • Mozart: Piano Concerto No. 23 (Adagio) • Radoslaw Szulc & Chamber Orchestra of the Bavarian Radio

두드러진 특징과 해석상의 메모

피아노 협주곡 제23번에는 모차르트의 작품 세계와 고전 레퍼토리 안에서 이 곡을 돋보이게 하는 고유한 특징이 여럿 있다.

• 독특한 조성과 정서: Adagio의 F♯단조는 모차르트 작품에서 단 하나뿐인 조성으로, 그는 이 조성으로 다른 작품을 쓰지 않았다[19]. 한숨처럼 내려앉는 동기와 “고딕적” 열정을 품은 이 악장의 감정적 깊이는, 모차르트 음악이 그저 가볍고 장식적이라는 상투적 인식을 정면으로 흔든다[33]. 실제로 Adagio의 내성적 우울은 낭만주의의 전조(proto-Romantic)로 보이기도 하며, 후대의 표현 양식을 향한 길을 가리킨다. 한 평자는 이 악장에서 전합주가 들어오는 순간을 “고전 양식이 가장 낭만적으로 변모한 때”라고 했고, 그 결과 “가슴이 저릴 만큼 아름다운 태피스트리” 같은 음향이 만들어진다고 말한다[23][34]. 많은 청자들은 이 협주곡, 특히 느린 악장이 모차르트의 진심 어린 깊이를 드러내며, 그의 음악이 감정적 깊이가 부족하다는 관념을 반박한다고 느낀다.
• 목관의 색채와 친밀감: 오보에 대신 클라리넷을 사용하고 트럼펫/팀파니를 생략한 모차르트의 선택은 K.488에 독특한 음향적 성격을 부여한다. 더 어둡고 둥근 클라리넷의 음색과, 플루트·클라리넷·바순·피아노 사이의 친밀한 주고받음이 결합되며 작품에 실내악적 친밀감을 부여한다[13]. 협주곡이 종종 관현악적으로 외향적이던 시대에 이는 혁신적인 선택이었다. K.488에서 모차르트는 협주곡이 순수한 기교 과시가 아니라 섬세하고 대화적인 장르가 될 수 있음을 보여 준다. 목관은 단순한 반주가 아니라 피아노의 진정한 파트너로 기능한다. 이러한 악기 간 균형은 한 연구자가 이 곡의 “실내악적 느낌”이라고 부른 바와 같으며[13], 제23번을 초기 협주곡들과 구별 짓는다.
• 비교적 맥락: 이 협주곡의 온화한 A장조의 따스함은, 이웃한 ‘유명한 작품들’과 대비해 볼 수 있다. 제23번을 마친 지 몇 주 뒤, 모차르트는 극적인 c단조 피아노 협주곡 제24번 K. 491을 작곡했는데(그가 남긴 단조 피아노 협주곡은 단 두 곡뿐이다). 화창하고 서정적인 제23번과 폭풍 같고 열정적인 제24번 사이의 극명한 차이는 모차르트의 놀라운 다재다능함을 보여 준다[7]. 또한 모차르트는 1791년, 마지막으로 완성한 기악 작품인 클라리넷 협주곡에서 다시 A장조로 돌아오는데, 이 작품은 피아노 협주곡 제23번과 비슷하게 부드럽고 ‘가을빛’ 같은 성격을 공유한다[7]. 모차르트는 A장조를 어떤 온유함과 평온함에 연결 지어 생각했던 듯하며, K. 488은 그 정신을 온전히 구현한다.

• 30세의 “현명한 노장”: 이 협주곡을 쓸 당시 모차르트는 아직 젊은 나이였지만, 분석가들은 종종 그 음악 언어의 성숙함을 언급한다. 한 주석가는 이 A장조 협주곡이 “현명한 노장의 작품이 지닌 모든 특성을 갖추고 있으며, 모든 것을 보고 듣고도 후회가 없는 듯한 인상을 준다”고 관찰한다[35]. 실제로 1786년의 모차르트는 바로크 대위법에서 이탈리아 오페라에 이르기까지 세계의 다양한 음악적 영향들을 이미 흡수했고, 이 협주곡에서 형식·질감·정서에 대한 거장다운 통제력을 보여 준다. K. 488에는 힘들이지 않은 지혜의 기운이 있다. 음악은 효과를 억지로 밀어붙이지 않으면서도 명료하고 섬세하게 말하며, 깊고도 만족스러운 인상을 남긴다. 30세의 모차르트는 평생의 예술을 이 ‘우아한’ 협주곡에 담아내며, 우아함과 복잡성을 놀랍도록 자연스럽게 가교한다.

요약하면, 모차르트의 피아노 협주곡 제23번 A장조는 고전주의 시대의 보석과 같은 작품으로, 모차르트의 선율적 천재성과 형식미에 대담한 혁신과 깊은 감정의 결을 섞어 놓았다. 빈 시절의 역사적 맥락에서부터 연주회 무대에서의 지속적인 유산, 심지어 예상 밖의 문화적 일화에 이르기까지, 이 협주곡은 모차르트 예술을 탐구하기에 매혹적인 사례를 제공한다. 대중의 변덕 속에서도 개인적 창조성이 불타오르던 시대에 태어났지만, 결국 시대를 넘어 영원한 걸작으로 자리했다. 친밀한 아름다움과 눈부신 공예적 완성도 모두로 사랑받는 것이다. 대중을 위해 “새롭고 매혹적인 무언가를 만들어낼” 수 있다는 모차르트의 능력[6]은 이 협주곡에서 생생히 입증되며, 2세기가 지난 지금도 청중을 유혹하고 기쁘게 한다.

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