피아노 협주곡 제24번 다단조

배경과 작곡 맥락

볼프강 아마데우스 모차르트는 1785–86년 겨울 동안 피아노 협주곡 제24번 다단조 K. 491을 작곡하여 1786년 3월 24일 완성했다[1]. 당시 빈의 음악계는 활기로 가득했다. 1780년대 중반에 이르러 도시는 음악으로 북적였고, 모차르트·요제프 하이든·크리스토프 글루크 같은 작곡가들이 중심에 서며 종종 “황금기”로 불렸다[2]. 1781년 잘츠부르크 궁정 직책을 떠나 빈에서 프리랜서로 활동하기 시작한 모차르트는, 수입을 위해 자신의 작품을 공개 연주하는 데 크게 의존했다[3]. 그는 자신이 협연자로 나서는 정기 구독(Subscription) 연주회를 조직했는데, 안정적인 후원자 없이 성공을 도모하는 위험 부담이 있으면서도 혁신적인 방식이었다[3]. 다단조 협주곡은 빈에서의 네 번째 연주 시즌을 위해 쓰인 작품으로[4], 모차르트가 짧은 기간에 연이어 내놓은 협주곡들(제22번 E♭장조 K.482, 제23번 A장조 K.488)의 흐름 속에 놓인다[4]. 실제로 1786년에 모차르트는 피아노 협주곡 세 곡(제23·24·25번)을 썼는데, 이는 그가 정기 구독 연주회를 위해 만든 마지막 묶음에 해당한다[5].

모차르트는 이 협주곡을 완성한 지 몇 주 뒤 오페라 피가로의 결혼(K.492) 초연을 맞이했다[6]. 그 오페라가 주로 장조로 빛나는 이탈리아 희극이라면, 이 협주곡은 모차르트 작품들 가운데 드문 단조 작품으로, 더 어둡고 진지한 어조를 반영한다[7]. 일부 학자들(피아니스트이자 음악학자인 로버트 D. 레빈 등)은, 모차르트가 희극 오페라를 쓰는 동안 이 협주곡과 그 직전 작품들이 보다 “어둡고, 비극적이며, 열정적인” 창작 충동을 발산하는 통로가 되었을 가능성을 제기해 왔다[7][8].

모차르트는 1786년 4월 초 열린 자선 연주회 또는 ‘아카데미(academy)’ 연주회에서 직접 연주할 목적으로 이 다단조 협주곡을 썼을 가능성이 크다. 그 시기 관객들은 새 작품을 기대하고 있었기 때문이다[9]. 초연은 빈에서 모차르트가 건반에서 지휘하며 독주를 맡은 형태로 이루어졌고, 1786년 4월 7일 부르크테아터에서였을 가능성이 높다[10]. (동시대 기록은 정확한 날짜에서 엇갈리며 4월 3일 또는 7일로 전한다[11].) 부르크테아터는 황제 요제프 2세가 국립극장으로 지정한 제국 궁정극장으로, 합스부르크 궁전 인근의 웅장한 공연장이자 빈 문화생활의 중심지였다[12]. 초연에 대한 상세한 평은 남아 있지 않지만, 이 작품의 극적인 다단조 성격과 복잡성은 통상적으로 더 가벼운 곡목이 주를 이루던 무대에서 확연히 두드러졌을 것이다. 음악학자 알프레트 아인슈타인은 빈 관객들이 그 “어둡고, 비극적이며, 열정적인” 표현에 놀랐을 법하다고 상상한다[8]. 특히 모차르트는 자필 악보에서 독주 피아노 파트를 끝까지 완전하게 기보하지 않았는데, 많은 음계·아르페지오 구절이 윤곽만 제시되어 있어 공연 중 기교적 세부를 즉흥으로 보완했음을 시사한다[13]. 이 협주곡은 1800년에 이르러서야 출판되었는데, 모차르트의 미망인 콘스탄체가 원고를 출판업자 요한 안드레에게 판매하면서 가능해졌다[14]. 자필 악보는 이후 1894년 런던 왕립음악대학(Royal College of Music)으로 전해져 현재 그곳에 소장되어 있다[14].

편성과 관현악법

피아노 협주곡 제24번은 모차르트의 다른 어떤 피아노 협주곡보다도 큰 규모의 관현악 편성으로 쓰였다[15][16]. 독주 fortepiano(모차르트 시대의 초기 피아노)와 함께, 현악기군 및 유난히 풍성한 목관·금관이 동원된다. 즉 플루트 1, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 그리고 팀파니로 구성된다[16]. 실제로 이 작품은 오보에와 클라리넷이 동시에 악보에 포함된 유일한 모차르트 피아노 협주곡이기도 하다[16]. 확장된 목관은 이 작품에 독특한 음향을 부여한다. 모차르트는 빈의 관악 연주자들의 수준에 깊은 인상을 받았고, 그들을 단순한 배경 반주가 아니라 독립적이고 표현적인 목소리로 다루며 파트를 썼다[17]. 관악기들은 종종 스스로 주제를 짊어지며, 학자 로버트 레빈의 말처럼 세 악장 모두에서 때로는 “현악을 완전히 옆으로 밀어낼” 정도로 전면에 나선다[16]. 피아노와의 대화 속에서, 또는 화성적으로 풍부하고 따뜻한 합창처럼 쓰이는 이러한 ‘대화체’ 관악 사용은 혁신적이었고 큰 영향을 남겼다. 당시 오케스트라에서 비교적 새로운 악기였던 클라리넷의 도입은 모차르트가 분명히 사랑했던 특별한 색채를 더한다[18]. 실제로 모차르트는 개별 관악 연주자들을 잘 알고 있었을 가능성이 크며, 그들의 강점을 살려 고유한 음색과 기량을 최대한 활용하도록 작곡했을 것이다[19]. 그 결과 이 협주곡은 거의 교향곡에 필적하는 폭을 지닌 관현악법을 보여 주며, 다음 세기의 극적인 피아노 협주곡들을 예고한다.

비킹구르 올라프손 • 파보 예르비 • 로열 콘세르트헤바우 오케스트라:

형식과 음악적 성격

모차르트의 피아노 협주곡 제24번은 고전주의 협주곡의 3악장 구성을 따르지만, 형식과 양식에서 상상력이 빛나는 장치들이 다수 포함되어 있다. 각 악장은 다음과 같다.

• Allegro (1악장, 다단조, 3/4) – 1악장은 폭이 넓고 정서적으로 강렬하며, 당시까지 모차르트가 협주곡에서 쓴 1악장 중 가장 길었다[20]. 이 악장은 이중 제시부를 지닌 소나타 형식으로 전개된다. 먼저 오케스트라가 주요 주제들을 제시하고, 이어 피아노가 같은 재료를 자신만의 방식으로 다시 다룬다. 특히 오케스트라가 처음 내놓는 제1주제는 각이 진 선율과 반음계적 성격이 두드러진다. 반음계 12음을 모두 사용하는 이 장치는 모차르트가 가장 진지하고 “열정적인” 정서를 위해 아껴 두었던 수법으로 여겨진다[21]. 어둡고 소용돌이치는 관현악 서주 뒤, 독주자는 앞서의 관현악 선율을 그대로 받는 대신 자기만의 새로운 주제로 시작해 청중을 놀라게 한다[22]. 악장 전체에서 모차르트는 ‘교과서적’ 규칙을 비켜가며 피아노 파트와 목관에 여러 새로운 주제를 등장시켜, 주제 전개를 이례적으로 풍성하게 만든다[22]. 피아노와 오케스트라의 상호작용은 대비가 극적이고 거의 오페라적이며, 이는 모차르트가 무대 장면을 써 온 경험과 무관하지 않게 느껴진다[23][24]. 전개부는 복잡하고 전조가 잦아지며, 독주자와 오케스트라 사이의 투쟁감이 고조된다. 재현부에서 모차르트는 주제의 순서를 교묘히 재배치하고 일부 재료를 간결하게 압축(‘telescoping’)하여 응집력을 유지한다[25]. 이전의 몇몇 협주곡들과 달리 모차르트는 이 악장을 위한 카덴차를 남기지 않았고(후대 연주자들이 각자 보완했다), 코다에서는 피아노가 오케스트라에 합류해 결말을 향해 함께 몰아간다[26]. 악장은 단호하게 다단조로 끝나며, 작품의 진지한 성격을 강조하는 관현악 투티로 마무리된다.
• Larghetto (2악장, E♭장조, 4/4 “cut time”) – 느린 중간 악장은 관계장조로 옮겨가 1악장의 다단조 드라마에서 잠시 숨을 고르게 해 준다[27][28]. 모차르트는 서두에서 단순하고 고요하게 서정적인 주제를 제시한다. 이는 1악장의 복잡함과 대조되는, 무장해제될 만큼 소박한 선율이다[28]. 이 Larghetto는 부드럽게 장식된 노래 같은 성격을 지니며, 종종 야상곡적(nocturnal) 혹은 시적인 분위기로 묘사된다[29]. 형식적으로는 느슨한 ABA 구조(론도에 가까운 또는 아리아에 가까운 형태)를 따른다[30]. 피아노 선율은 약음기 처리된 현악 위를 우아하게 떠다니고, 확장된 목관은 질감에 빛나는 색채를 더하며 때로는 독주자와 함께 실내악적인 친밀감 속에서 단독으로 연주되기도 한다[31]. 이 악장의 아름다움은 피아노와 관악 사이의 섬세한 대화에 부분적으로 깃들어 있으며, 그 따뜻함과 표현력에서는 모차르트가 이후에 보여 줄 클라리넷 글쓰기의 예감을 들을 수도 있다. 두 차례에 걸쳐, 평온한 E♭장조 분위기는 단조 에피소드로 잠깐 어두워진다(한 번은 다단조로 스치듯 지나가고, 또 한 번은 A♭장조의 침잠한 색채로 기운다)[28]. 이러한 단조로의 일탈은, 부드러운 주제가 돌아오기 전에 정서적 깊이를 더해 준다. 평자들은 흔히 이 악장의 “비현실적인 아름다움(ethereal beauty)”[28]에 감탄하곤 한다. 폭풍 같은 양 끝 악장 사이에서 평정과 위안을 건네는, 모차르트 선율 재능의 가장 순수한 발현 가운데 하나다.

• Allegretto (3악장, 다단조, 주제와 변주) – 통상적인 경쾌한 론도 피날레 대신, 모차르트는 다단조 주제에 대한 여덟 개의 변주로 작품을 마무리한다[32]. 서두에서 오케스트라가 제시하는 주제는 다소 금욕적인 성격을 띠는, 단단하고 각진 춤곡풍 선율이다. 각 변주는 주제의 기본 윤곽을 유지한 채 서로 다른 표현 뉘앙스와 음형을 탐색한다. 제1변주에서 피아노가 들어오자마자 주제를 장식하며, 독주자는 관현악 반주 위로 빠른 패시지를 엮어 나간다[32]. 뒤이은 변주들은 명암의 교차를 보여 준다. 예컨대 한 변주는 보다 따뜻한 A♭장조로 미끄러지며 목관이 이끄는 잠깐의 “더 행복한” 전환을 제공하고[33], 또 다른 뒤이은 변주는 다장조로 옮겨가 단조의 긴장을 잠시 걷어내며 더 밝은 음색을 들려준다(이때도 관악 독주가 부각된다)[34]. 그 사이의 다른 변주들은 다시 폭풍 같은 다단조 정서로 회귀하는데, 그중 하나는 반음계로 가득한 기교적 패시지에서 피아노를 단독으로 부각시켜 1악장의 강렬함을 상기시킨다[35]. 질감과 대위법은 점점 더 정교해지며, 때로는 4성부 모방 진행을 통해 드라마에 학구적인 성격까지 덧붙인다[36]. 변주가 끝을 향해 갈수록 모차르트는 짧고 긴장감 넘치는 변주(축약된 끝에서 두 번째 변주)를 도입하고, 이는 짧은 카덴차 또는 독주적 화려구로 이어진다[37]. 이어지는 마지막(제8) 변주는 피아노로 시작한 뒤 오케스트라가 합류해 절정의 진술을 만든다[38]. 특이하게도 모차르트는 마지막 변주와 코다에서 박자를 6/8로 바꾼다[39]. 그 결과 살짝 흔들리는 시칠리아나(siciliana) 같은 리듬이 생겨 해소와 종결의 감각을 제공하는데, 이는 변주 형식을 유지하면서도(종종 6/8인) 전형적인 론도 피날레를 향한 고개 끄덕임처럼 들린다. 협주곡은 통상적인 승리의 결말 없이, 조용하고도 처연하게 다단조로 닫히며 작품 전체의 사색적이고 “박명(暮色, crepuscular)”의 분위기를 재확인한다[40].

수용과 유산

모차르트의 다단조 협주곡은 오랫동안 그의 최고 업적 가운데 하나로 평가되어 왔다. 모차르트 시대에는 단조 작품이 비교적 드물었고, 이 협주곡의 깊이는 이를 듣거나 연구한 이들에게 강한 인상을 남겼다. 1786년 빈 청중의 즉각적인 반응을 알려 주는 문헌은 부족하지만, 이 협주곡의 명성은 동료 작곡가들 사이에서 빠르게 자리 잡았다. 루트비히 판 베토벤은 이 작품을 깊이 존경했는데, 리허설을 들은 뒤 “우리는 결코 그런 것을 만들어 낼 수 없을 것이다!”라고 고백했다는 전언이 있다[41]. 베토벤이 후일 쓴 피아노 협주곡 제3번 다단조는 조성, 드라마, 폭넓은 관현악법 면에서 모차르트의 본보기가 미친 영향을 보여 준다[41]. 요하네스 브람스 역시 이 협주곡을 숭배하다시피 했고, 클라라 슈만에게 이 곡의 연주를 권했으며 1악장을 위한 자신의 카덴차까지 남겼다[42]. 브람스는 이 작품을 “영감 받은 아이디어로 가득한 예술의 걸작”이라 부르며, 자신이 가장 아끼는 악보 가운데 하나로 꼽았다[43]. 이러한 찬탄은 여러 세대의 연주가와 학자들에 의해 되풀이되어 왔다. 예컨대 음악학자 아서 허칭스는 피아노 협주곡 제24번을 모차르트 최고의 협주곡이라 선언하며, 모든 부분이 “하나의 장엄한 전체”를 이룬다고 칭찬했다[44]. 또한 학자 알렉산더 하이엇 킹은 이 작품을 “(모차르트 협주곡) 전 시리즈 가운데 가장 숭고할 뿐 아니라, 지금까지 작곡된 가장 위대한 pianoforte 협주곡 가운데 하나”라고 묘사했다[45].

19세기와 20세기를 거치며 다단조 협주곡은 레퍼토리의 중심에 남아, 고전주의적 형식과 낭만주의를 예고하는 정서적 강도의 결합으로 사랑받아 왔다. 극적인 단조 조성, 풍부한 목관 글쓰기, 변주로 된 혁신적 피날레 같은 독자적 특징은 이 작품을 모차르트의 다른 작품들과 구별 짓고, 오늘날까지도 연주자와 청중을 매혹한다. 20세기 초 커스버트 거들스톤과 알프레트 아인슈타인도 이 협주곡을 깊이 있고 비극적인 성격으로 특별히 지목하며, 모차르트 시대에 이런 작품이 얼마나 이례적으로 들렸을지를 강조했다[46]. 오늘날 이 곡은 연주회와 음반에서 빈번히 다뤄지며, 종종 “진보적인(advanced)” 작곡기법과 표현의 깊이로 주목받는다[15][45]. 피아니스트들은 이 작품을 우아한 비르투오시티를 과시하는 수단으로만이 아니라, 교향곡적 스케일과 독주자·오케스트라 사이의 오페라적 대화를 품은 작품으로 접근한다. 요컨대 모차르트의 피아노 협주곡 제24번 다단조는 빈 시절의 정점에 놓인 걸작이다. 1786년이라는 특정한 순간(작곡가의 역량이 절정에 달했던 시기)에서 태어났지만, 그 유산은 시대를 훨씬 넘어 울려 퍼지며 고전 협주곡 정전에서 가장 위대한 협주곡들 가운데 하나라는 위상을 확고히 한다.

출처: