피아노 협주곡 제22번 E♭장조

배경과 작곡 맥락

모차르트는 1785년 겨울, 빈에서 E♭장조, K. 482의 피아노 협주곡 제22번을 작곡했다[1][2]. 이 무렵 모차르트는 잘츠부르크 궁정의 예속 상태에서 벗어나 독립적인 작곡가이자 연주자로서 빈에서 최고의 인기를 누리고 있었다[3]. 문화적으로도 1780년대 중반의 빈은 요제프 2세 황제의 비교적 자유로운 통치 아래 음악과 계몽사상의 활기찬 중심지였다. 공개 연주회(또는 “아카데미”)가 성행했는데, 특히 대림절과 사순절처럼 오페라 공연이 제한되는 시기에는 작곡가들이 신작을 선보일 기회가 늘어났다. 당시 가장 권위 있는 장르는 오페라였지만, 피아노 협주곡은 모차르트에게 말 그대로 “먹고사는 일”이었다. 그는 빈의 대중을 상대로 한 정기 구독 연주회에서 협주곡을 꾸준히 작곡하고 직접 연주했다[4]. 1785년 모차르트의 일상은 연주 활동과 제자 지도, 귀족 후원자 및 프리메이슨 로지의 동료들과의 교류로 가득했고, 동시에 젊은 남편이자 아버지로서 ‘상류층다운’ 생활을 유지하려 애쓰다가 재정적 압박에 시달리기도 했다[5].

1785년 12월 무렵, 모차르트는 희극 오페라 피가로의 결혼(1786년 초연)을 동시에 준비하면서 새로운 피아노 협주곡들을 연달아 내놓고 있었다[2]. 오페라에 대한 야심이 컸지만 수입을 확보하는 일은 절실했다. 그는 봉급을 받는 고정직이 없었고 수입을 넘어서는 생활로 빚이 쌓여가고 있었다[5]. 단기간에 자금을 마련하기 위해 그는 빈에서 구독 연주회 시리즈를 조직했다. 실제로 모차르트는 1785년 대림절에 세 차례(12월 9일, 16일, 23일) 공연을 마련했는데, 구독자가 약 120명에 달해 당시로서는 상당한 규모였다[7]. E♭장조 피아노 협주곡 제22번은 1785년 12월 16일 완성되었고, 원고의 잉크가 마르기도 전에 모차르트가 바로 그날 저녁 직접 초연했다[8][9]. 첫 연주는 정식 독주 협주곡 연주회가 아니라, 모차르트의 동료 카를 디터스 폰 디터스도르프의 무대 작품 막간에 끼워 넣는 방식으로 이루어졌다[8]. 다른 작곡가의 오페라-오라토리오 공연 중간에 협주곡을 삽입하는 이러한 이례적 초연 방식은, 한 프로그램에서 여러 장르를 섞어 올리던 18세기 공연 관행을 잘 보여준다.

모차르트의 신작 협주곡은 처음부터 열광적인 반응을 얻었다. 아버지 레오폴트 모차르트는 관객이 느린 Andante 악장의 앙코르를 요구했다며 자랑스럽게 전했는데, 가운데 악장을 반복해야 했다는 사실이 “다소 이례적인 일”이라고 덧붙였다[10][11]. (앙코르는 보통 경쾌한 종악장에서 요청되는 경우가 많았으므로, 대중이 애절한 Andante를 다시 듣고자 고집한 것은 그 악장이 얼마나 깊은 감동을 주었는지 보여준다[12].) 이 E♭장조 협주곡은 모차르트가 불과 몇 달 사이에 완성한 위대한 피아노 협주곡 3부작 가운데 하나로, 뒤이어 1786년 초에 피아노 협주곡 제23번 A장조(K.488)과 피아노 협주곡 제24번 C단조(K.491)가 작곡되었다[13][14]. 놀라운 점은 이 세 곡 모두 피가로의 결혼을 준비하는 와중에 쓰였다는 사실이다. 협주곡과 오페라 음악을 동시에 이처럼 “경이로운 연쇄”로 만들어낸 능력은, 그가 창작력의 정점에 있었다는 강력한 증거다[13][15].

편성과 관현악법

피아노 협주곡 제22번은 비교적 큰 규모의 고전주의 관현악을 전제로 하여, 풍부하고 다채로운 음색 팔레트를 펼친다. 독주 포르테피아노(초연에서는 모차르트가 직접 독주를 맡았다) 외에, 다음과 같이 편성된다.

목관: 플루트 1, B♭ 클라리넷 2, 바순 2

금관: E♭ 호른 2, E♭ 트럼펫 2

타악기: 팀파니(E♭ 및 B♭)

현악: 바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스(표준 현악 편성)[16].

특히 이 작품은 모차르트의 피아노 협주곡 가운데 관현악에 클라리넷을 포함한 첫 번째 작품으로 유명하다[17]. 1780년대에 클라리넷은 아직 오케스트라에서 비교적 새로운 악기였고, 모차르트는 그 따뜻하고 부드러운 음색을 오래전부터 쓰고 싶어 했다[18]. 여기서는 통상적인 오보에를 클라리넷으로 대체해, 밝게 튀는 오보에 음색 대신 더 부드럽고 목질적인 음색을 앙상블에 부여한다. 모차르트는 특히 협주곡의 온화하고 서정적인 대목—예컨대 느린 악장과 피날레의 다정한 구간—에서 클라리넷을 적극 활용하며, 그 “대단히 다재다능한” 성격과 윤기 있는 부드러움이 정서적 깊이를 더한다[19][14]. 한편 트럼펫과 팀파니의 포함은 바깥 악장에 축제적이고 장엄한 색채를 더해, 위엄과 연결되는 E♭장조의 성격을 강화한다. (다만 내밀한 Andante 악장에서는 금관과 타악이 침묵하여, 그 어두운 기운을 방해하지 않도록 한다[16].) 또한 모차르트는 당시 건반악기의 발전에도 민감했다. 1780년대 중반의 포르테피아노는 지속과 다이내믹 범위가 향상되어, 특히 느린 구간에서 피아노가 더 표현력 있는 “노래하는” 선율을 펼치도록 작곡할 수 있었다[20]. 전반적으로 이 협주곡의 편성은 당대 기준으로 혁신적이었고, 피아노 협주곡에서 활용 가능한 관현악 색채를 확장하면서 훗날(베토벤 같은) 작곡가들이 탐구할 더 충만한 음향을 예고한다.

피아니스트 하네스 미나르와 케빈 존 에두세이가 지휘하는 필하르모니 쥐트네데를란트가 모차르트 피아노 협주곡 22번 E♭장조 K.482를 연주한다:

형식과 음악적 성격

모차르트의 협주곡 대부분과 마찬가지로, E♭장조 제22번은 빠름–느림–빠름의 3악장 구조를 따른다. 그러나 이 곡은 모차르트 협주곡 가운데 가장 긴 편(약 35분)[21]이며, 음악적 아이디어와 대비가 유난히 풍성하다는 점에서 돋보인다. 각 악장은 고유한 성격과 형식을 지닌다.

Allegro (E♭장조): 1악장은 방대한 소나타-알레그로 형식으로, 넘칠 만큼 많은 주제 소재를 제시한다. 관현악은 장중하고 시선을 사로잡는 투티로 문을 연다. 트럼펫과 팀파니가 점찍듯 강조하는, E♭장조의 힘찬 팡파르풍 주제가 등장한다[22]. 이 강력한 개시는 즉시 목관이 제시하는 더 부드럽고 서정적인 생각으로 응답되는데(클라리넷과 바순이 팡파르를 한층 온화한 방식으로 장난스럽게 메아리친다)[23]. 모차르트는 이 악장에서 유난히 많은 주제를 아낌없이 풀어놓는다. 관현악 서주는 장엄함에서 다정함까지 대비적인 동기들을 줄줄이 제시하며, 마치 오페라의 등장인물을 소개하듯 전개된다[24][25]. 독주 피아노가 들어올 때에는 관현악의 선율을 단순히 되풀이하지 않고, 전혀 새로운 주제를 자기 몫으로 제시한다[26]. 이후 피아노와 관현악 사이에 활발한 대화가 이어지며, 오페라 장면에 비견될 만큼 극적인 대비와 빠른 분위기 전환이 가득하다[27]. 모차르트는 피아노와 관현악을 동등한 파트너로 다루며, 때로는 재치 있는 대화처럼 주제와 논평을 주고받게 한다. 전개부는 여러 먼 조성을 누비는데, 특히 초조하고 어두운 피아노 패시지에서 출발해 B♭단조로 우회하는 놀라운 순간이 있다[28]. 또한 전개부 한가운데에서 피아노가 짧지만 잊히지 않을 만큼 아름다운 새 선율을 제시하는 순간이 있는데, 단 한 번만 스쳐 지나가는 고요한 오아시스처럼 재현부로 돌아가기 전 잠시 숨을 돌리게 한다[29]. 악장 내내 목관(특히 클라리넷)은 색채를 보태며 피아노와 대화를 주고받는다. 주목할 점으로, 모차르트는 이 협주곡을 위해 카덴차를 악보에 남기지 않았다. 따라서 악장 말미의 독주 카덴차에서는 연주자가 스스로 마련해야 하며(모차르트는 당시 연주에서 즉흥으로 연주했을 것이다)[30]. 카덴차 뒤에는 생기 넘치는 코다가 이어지며, 밝고 활력 있는 분위기를 확고히 한다. 전체적으로 이 Allegro는 “장엄하고 연극적인” 대목과 은근한 유머, 세련된 상호작용을 균형 있게 결합해 모차르트 성숙기 협주곡 양식을 대표한다[27].

Andante (C단조): 2악장은 뜻밖의 C단조로 옮겨가며 감정적으로 극적인 대비를 만든다. 기본적으로는 주제와 변주 형식이지만, 엄격한 변주곡 형식에서 벗어나는 창의적 변형도 포함한다[31]. 분위기는 침울하고 내성적이며, 진한 표현력으로 가득해 당대 청중에게도 깊은 감동을 주었다. 모차르트에게 C단조는 “어두운” 열정의 조성이었고, 그는 이 조성을 특히 정서적으로 강렬한 음악에 아껴 썼는데 이 Andante가 그 대표적 사례다[32]. 악장은 느린 3/8박자 위에서 약음기 낀 현악기들만으로 엄숙하고 한숨 섞인 주요 주제를 제시하며 시작한다[33]. 이어 피아노가 들어와 장식과 미묘한 변화로 그 주제를 펼치며, 우울한 노래에 자신의 목소리를 덧입힌다[34]. 이후에는 변주와 에피소드가 연속되며, 관현악과 독주가 번갈아 주제를 전개한다. 어떤 대목에서는 우울한 엄정함이 심화되고, 또 어떤 순간에는 위로나 밝음이 스친다[32]. 한 변주에서는 장조로 전환된 플루트와 바순의 듀오가 분위기를 누그러뜨리려 하듯 부드러운 새 선율을 내놓아, 희망을 건네는 듯 들린다[35][36]. 그러나 피아노는 다시 주요 주제를 갈망하듯 변주해 응답하며, 슬픔이 쉽게 걷히지 않음을 암시한다[37]. 피아노와 목관의 대화도 이어지는데, 예컨대 목관이 다정한 장조 아이디어로 끼어들면 피아노가 호소력 짙은 단조 주제로 되돌리며 부드럽게 ‘제압’한다[38]. 어둠과 빛의 줄다리기가 악장에 깊은 애수를 부여한다. 코다에 이르면 목관이 마침내 피아노와 뜻을 같이하며, 함께 조용하고도 큰 여운을 남기며 악장을 마무리한다[39]. 앞서 언급했듯, 이 Andante는 초연에서 앙코르가 요구될 만큼 진심 어린 감동을 주어 당대 청중을 사로잡았다[40]. 현대의 해설자들 가운데는 이 악장의 정서적 강도와 C단조의 사용에서 베토벤을 예견하는 흔적을 듣기도 한다(베토벤이 극적 효과를 위해 즐겨 사용한 조성이기도 하다)[35]. 모차르트 작품군에서 이 Andante는, (클라리넷이 부드러운 광택을 더하는) 오케스트라를 피아노의 내밀한 독백을 지지하는 “표현의 도구”로 활용하며 그의 서정적 비애감을 응축해 보여준다[35].

Allegro (E♭장조), Andantino cantabile 에피소드 포함: 피날레는 환희에 찬 론도로, 협주곡을 다시금 생기 넘치는 축제적 정서로 되돌린다. 주된 주제는 6/8박자의 밝고 춤추는 선율로, 흔히 사냥 혹은 민속적인 성격으로 묘사된다(E♭장조는 호른과 야외 장면을 환기하는 음악에 자주 쓰였기에 “사냥 호른” 양식과 연결된다)[41]. 경쾌한 리듬과 소박한 매력을 지닌 이 주제는 고전적 론도 관례대로 대비되는 에피소드들 사이사이에서 반복되어 돌아온다[42]. 그러나 모차르트는 이 론도에 뜻밖의 반전과 세련된 손길을 가미한다. 처음의 힘차게 튀는 주제가 제시된 뒤 음악은 잠시 멈춰 서며 전혀 새로운 생각으로 넘어간다. 현악이 부드럽게 고동치는 반주를 시작하고, 그 위로 피아노가 andantino cantabile(더 느리고 노래하듯)로 표시된 섬세하고 서정적인 선율을 내놓는다[43]. 빠른 론도 한가운데 피어나는 이 우아한 삽입구는, 활기찬 춤 속에서 오페라 아리아가 다정하게 꽃피는 듯한 인상을 준다. 실제로 해설자들은 이 달콤한 cantabile 구간에서 피가로의 결혼을 떠올리기도 한다[44]. 곧 세 번째 주제가 등장하는데, 폭넓게 노래하는 서정적이고 유려한 선율이 또 하나의 ‘인물’을 더한다[45]. 이러한 우회에도 불구하고, 유쾌한 주제는 언제나 되돌아와 론도의 흐름을 단단히 붙잡는다. 피날레 중간에서 모차르트는 짧은 카덴차까지 써 넣었다. 음악이 잠시 극적으로 멎어 서며, 독주자가 화려하게 꾸민 뒤 뜻밖에도 느린, 꿈결 같은 Andante cantabile 구간으로 이어진다[46]. 이 대목에서 목관, 특히 클라리넷이 피아노와 함께 “아리아 같은” 대화를 빛내며, 2악장의 다정한 정서를 잠시 환기한다[47]. 하지만 모차르트의 장난기 어린 정신은 분위기가 오래 진지해지는 것을 허락하지 않는다. 피아노의 또 다른 빠른 카덴차가 음악을 휙 되돌려 명랑한 주제로 복귀시킨다[48]. 마무리를 향해 질주하는 가운데 모차르트는 마지막으로 기지 넘치는 장치를 하나 더 심는다. 청중이 종결을 기대하는 바로 그 순간, 음악은 멈추고 피아노가 앞서의 섬세한 선율을 한 번 더 슬쩍 떠올린다(그 아름다운 순간을 잊지 말라는 다정한 환기처럼)[49]. 그제서야 오케스트라가 터져 나오며 열광적인 결말로 곡을 끝낸다. 이 영리한 ‘가짜 종결’ 농담은 종종 미소를 자아내는데, 이는 음악적 실마리들을 모두 기억하고 있다는 모차르트식 유희로 읽힌다. 피날레가 보여주는 “가볍고 환희로운” 분위기와, 중심부의 진심 어린 구간의 결합은 대중적 매력과 예술성을 절묘하게 저울질하는 모차르트의 능숙함을 드러낸다[47].

이 협주곡 전반에는 빈 후기 양식의 모차르트적 특징이 유감없이 드러난다. 독주자와 앙상블 사이의 오페라적 대화감, 정교한 목관 작법, 표현을 위한 장·단조의 급격한 전환, 그리고 선율적 우아함과 기술적 기교의 매끄러운 결합이 그것이다. 길이 약 35분에 이르는 규모와 장엄함이 두드러지지만[21], 음악은 고전주의 특유의 명료함과 우아함을 결코 잃지 않는다. 모차르트는 또한 피아노 파트를 자신의 기교적이되 절제된 연주 스타일에 맞추어 썼다. 아일랜드 테너 마이클 켈리의 회고 같은 동시대 기록은, 건반에서 모차르트의 즉흥이 지닌 “빠른 손가락, 뛰어난 기교, 그리고 영감”을 칭찬한다[50]. 실제로 이 협주곡의 독주 파트는 반짝이는 민첩성과 섬세한 표현력을 모두 요구한다. 화려한 패시지가 곳곳에 등장하지만, 과시적 요란함이 아니라 모차르트다운 우아함으로 연주되어야 한다는 점에서 연주자에게는 더 까다로운 협주곡 가운데 하나로 꼽힌다[26].

수용과 유산

초연 직후부터 모차르트 생전까지, 피아노 협주곡 제22번은 높은 평가를 받았지만 곧바로 그의 가장 유명한 협주곡이 된 것은 아니었다. 앞서 언급했듯 1785년 초연은 성공적이었고, 청중이 Andante의 반복 연주를 요구했다는 사실만으로도 그 강렬한 인상을 알 수 있다[40]. 모차르트 자신도 이 협주곡을 여러 차례 연주했다. 남아 있는 기록에 따르면 그는 최소 세 번 연주했는데, 1785년 말 두 차례(디터스도르프 프로그램 중의 비공식 초연 포함)와 1786년 초 사순절 기간에 열린 구독 연주회에서 한 차례가 확인된다[51]. 아버지 레오폴트는 편지에서 이 협주곡의 호평을 자랑했고, 경쟁이 치열한 빈의 음악계에서 받은 따뜻한 환영이 모차르트에게 큰 만족을 주었을 법하다.

모차르트가 세상을 떠난 뒤(1791), E♭장조 협주곡은 다른 많은 모차르트 피아노 작품들과 마찬가지로 낭만주의 레퍼토리의 부상 속에서 다소 그늘에 가렸다. 19세기에는 모차르트의 협주곡이 베토벤의 협주곡이나 후대 작곡가들의 비르투오소 협주곡만큼 자주 연주되지 않았고, 제22번 역시 모차르트의 몇몇 ‘즉각적인 인기’를 얻은 협주곡들(예: 극적인 D단조 협주곡 제20번 K.466, 또는 우아한 C장조 제21번 K.467)보다 덜 무대에 올랐다. 음악학자들은 제22번이 “가까운 이웃들만큼 늘 인기 있지는 않았다”고 지적하는데, 이는 아마도 21번과 23번이 더 큰 명성을 얻었기 때문일 것이다. 다만 그들은 서둘러, 이 작품이 모차르트의 어떤 작품에도 뒤지지 않는 훌륭한 음악을 담고 있다고 덧붙인다[52]. 실제로 E♭장조 협주곡은 한동안 형제 격 작품들에 비해 “부당하게 가려졌다”[11]. 그 이유 중 하나는 실무적인 사정이었을지도 모른다. 클라리넷이 포함되어 있었기에(1800년대에도 모든 오케스트라에서 표준이었던 것은 아니다) 클라리넷 주자가 없는 편성에서는 프로그램에 올리기가 쉽지 않았다. 19세기 초 일부 공연에서는 클라리넷 파트를 오보에로 바꿔, 클라리넷이 없는 극장에서도 연주할 수 있도록 편집판이 출판되기도 했다. 그러나 19세기 말~20세기 초에 이르러 모차르트 협주곡이 연주 레퍼토리에서 부흥하면서, 제22번도 피아니스트와 청중에게 온화하면서도 규모 있는 작품으로 새롭게 인정받기 시작했다.

20세기에 들어 이 협주곡의 유산은 모차르트 협주곡 핵심 레퍼토리의 하나로 굳어졌다. 이 작품은 무대와 음반에서 저명한 피아니스트와 지휘자들에 의해 꾸준히 옹호되어 왔다. 예컨대 전설적인 피아니스트 스뱌토슬라프 리히터는 1960년대 올드버러 페스티벌에서 작곡가 벤저민 브리튼의 지휘로 모차르트의 E♭장조 협주곡 제22번을 연주했는데, 이 사건은 브리튼이 이 협주곡을 위해 특별한 카덴차 세트를 작곡했다는 점에서 특히 주목받는다[53]. 브리튼의 상상력 넘치는(다만 양식적으로는 다소 대담한) 카덴차와 리히터의 거장다운 연주는 이 협주곡의 빼어난 면모에 다시 관심을 불러일으키는 데 도움이 되었다. 다니엘 바렌보임, 우치다 미츠코에서부터 안젤라 휴잇 같은 현대 연주자에 이르기까지 많은 명연주자들이 K.482를 연주·녹음했으며, 모차르트의 E♭장조가 지닌 “고결하고 우아한” 양식과 C단조 K.491의 폭풍 같은 단조 어법을 대비시키기 위해 두 작품을 함께 묶는 경우도 잦다[54]. 비평가들은 제22번의 다채로운 목관 작법과 클라리넷이 더하는 독특한 매력을 자주 칭찬한다[55].

오늘날 E♭장조 피아노 협주곡 제22번은 모차르트 후기 걸작 가운데 하나로 인정받는다. 친근한 선율적 매력, 구조적 세련미, 풍성한 관현악 음향이 완벽히 결합된 작품이다. 제21번의 “엘비라 마디간” Adagio처럼 널리 알려진 별칭이나 대중문화적 레퍼런스를 가진 것은 아니지만, 애호가들은 그 깊이와 우아함 때문에 이 작품을 매우 높이 평가한다. 현대의 청중과 연주자들은 여전히 “훌륭한 음악, 특히 가운데의 느린 악장”이 지닌 감동의 힘을 소중히 여기며, 그 힘은 모차르트 시대와 마찬가지로 오늘도 마음을 움직인다[56]. 주제가 풍성하고 E♭장조의 장엄함을 축하하듯 펼쳐지는 1악장과, 기쁨과 반전으로 가득한 피날레 역시 계속해서 청중을 매료시킨다. 이 협주곡은 전 세계 콘서트홀에서 정기적으로 연주되며 피아노 협주곡 문헌의 핵심 레퍼토리로 남아 있다. 시대를 초월하는 음악을 만들어낸 모차르트의 천재성을 증언하는 작품이다.

요약하자면, 모차르트의 피아노 협주곡 제22번 E♭장조 K. 482는 1785년 작곡가가 살던 세계를 담아낸 사실적 초상이자, 18세기 빈이라는 탄생의 맥락을 뛰어넘어 살아남은 음악적 보석이다. 그 배경은 문화 수도에서 ‘기업가형’ 음악가로 살아간 모차르트의 삶과 맞물려 있고, 작곡 과정은 시간 압박 속에서도(새 악기와 형식을 통해) 혁신을 이루는 그의 능력을 보여준다. 음악은 고전적 형식과 오페라적 서정성, 대담한 창의성을 결합하며, 작품의 유산은 한 시대의 산물이 결국 영원한 지위에 이르는 과정을 입증한다. 모차르트는 빈에서 청중을 만족시키고 명성(그리고 재정)을 확보하려는 즉각적 목적을 위해 이 협주곡을 썼지만, 그 과정에서 세상에 “끝없이 즐거움을 주는” 작품을 남겼다. 이는 수세기를 건너 지성과 감정을 잇는 모차르트 예술의 이상을 그대로 실현한 것이기도 하다[24][35].

출처: