피아노 협주곡 제2번 내림나장조

1767년, 11세의 모차르트는 고향 잘츠부르크에서 피아노 협주곡 제2번 내림나장조, K. 39를 썼다[1]. 이는 신동 모차르트가 유럽 대여행(1763–66)을 마친 직후의 시기로, 왕실 앞에서 연주하며 최신 음악 경향을 몸소 흡수했던 때였다. 문화적으로 1760년대 중반은 계몽주의가 절정에 이르렀고, 음악은 화려하게 장식된 바로크 양식에서 보다 단순하고 우아한 갈랑 양식으로 옮아가고 있었다. 모차르트는 파리에서 요한 쇼베르트, 런던에서 헤르만 라우파흐 같은 작곡가들을 접했는데, 이들의 작품은 그에게 영향을 주었다[2][3]. 정치적으로 유럽은 7년 전쟁 이후 평화를 누렸지만, 일상은 여전히 위험으로 가득했다. 특히 1767년 비엔나에 천연두 유행이 휩쓸었고, 어린 볼프강도 감염되었다(다행히도 심각한 병세 끝에 생존했다)[4][5]. 이런 배경 속에서, 모차르트의 아버지 레오폴트는 아들의 첫 협주곡들을 완전히 독창적인 작품으로 만들기보다는 기존 음악을 바탕으로 한 편곡으로 이끌었다. 레오폴트는 이 작업을 볼프강이 피아노 협주곡의 구조를 배우도록 돕는 교육적 연습으로 보았을 가능성이 크다[6]. 실제로 모차르트의 첫 네 곡의 피아노 협주곡(K. 37, 39, 40, 41)은 오랫동안 ‘젊은 시절의 독창적 작품’으로 여겨졌지만, 이후 음악학자들은 이것이 다른 작곡가들의 소나타를 바탕으로 한 파스티초(여러 곡을 엮어 만든 조립·편집 작품)임을 밝혀냈다[2]. 1767년 7월 완성된 내림B장조 협주곡 제2번(K. 39)은 그 대표적 사례로, 모차르트는 동시대 작곡가들의 건반곡을 가져와 협주곡으로 관현악화했다[2]. 이 방식은 그가 완전히 독창적인 협주곡에 도전하기 전에, 독주자와 오케스트라를 위한 작곡을 연습하게 해주었다. (레오폴트의 기록에 따르면 그는 이 초기 협주곡들을 볼프강의 ‘진정한’ 작품으로조차 세지 않았는데, 이는 그 교육적 목적을 더욱 분명히 보여준다[7].)

Composition and Context

모차르트의 피아노 협주곡 제2번은 11세에 편곡한 네 곡의 어린 시절 협주곡 세트 가운데 하나다. 네 곡 모두 1767년 잘츠부르크에서 쓰였으며, 자필 악보에는 레오폴트가 그해 4월(제1번)과 7월(제2–4번)로 날짜를 적어두었다[8]. K. 39의 바탕이 된 작품들은 파리에서 출판된 것이었고, 모차르트 가족은 1763–64년 파리 방문 중 이를 구했을 가능성이 크다[2]. 구체적으로 이 협주곡의 음악적 주제는 여행 중 만나거나 존경했던 두 작곡가의 소나타에서 가져왔다. K. 39의 1악장과 3악장은 1750년대에 활동한 독일 작곡가 헤르만 프리드리히 라우파흐의 소나타(Op. 1, No. 1)에서 유래한다[9]. 느린 2악장은 요한 쇼베르트의 작품(쇼베르트 Op. 17, No. 2의 첫 악장)을 바탕으로 각색되었다[9]. 쇼베르트는 파리의 하프시코드 연주자였고, 레오폴트와 볼프강이 높이 평가한 음악가였다. 모차르트 가족은 파리 체류 동안 그와 친분을 쌓았다[10]. (비극적으로 쇼베르트는 1767년 후반 독버섯을 실수로 먹고 사망했는데, 모차르트가 이 협주곡을 편곡하던 해에 벌어진 음울한 각주 같은 사건이다[11].) 모차르트는 이 곡들을 선택해 재가공함으로써, 모든 주제를 스스로 발명하지 않고도(독주 건반과 오케스트라를 결합하는) 협주곡의 구조를 다루는 법을 배웠다[6]. 레오폴트 모차르트가 이 과정을 지도했을 가능성이 높다. 실제로 K. 39의 현존 필사본에는 레오폴트의 필체가 일부 섞여 있으며, 그는 1768년에 작성한 볼프강 작품 목록에서 이 편곡 협주곡들을 아예 제외했다[6]. 이는 부자가 당시 K. 39와 동반 협주곡들을 완성된 작품이라기보다 학생용 연습곡으로 보았음을 시사한다.

Instrumentation and Orchestration

모차르트 시대에 piano 협주곡이라는 명칭은 아직 엄밀하지 않았다. 사용되는 건반악기는 하프시코드일 수도, 초기 포르테피아노일 수도 있었기 때문이다. 모차르트가 K. 39 자필 악보에 붙인 제목은 “Concerto per il Clavicembalo”(하프시코드를 위한 협주곡)로, 하프시코드 독주자를 상정했음을 보여준다(오늘날 연주는 피아노로 하는 경우가 많다). 관현악 편성은 소규모로, 고전주의 시대의 전형을 따른다. 즉, 오보에 2대, 내림B조 호른 2대, 그리고 현악기군(바이올린, 비올라, 첼로, 콘트라베이스)에 독주 건반 파트를 더한 구성이다[12]. 클라리넷이나 플루트 같은 다른 목관은 없고, 현악 앙상블에 색채를 더하는 역할은 오보에와 호른이 맡는다. 제한된 편성이지만, 모차르트의 악기법에는 눈에 띄는 포인트가 몇 가지 있다. 예컨대 호른 성부가 당시 기준으로는 꽤 높은 음역까지 올라가며, 음향에 광채를 더한다[13]. 오보에는 대체로 바이올린을 보강하고, 느린 대목에서는 더 부드러운 음색을 위해 빠지기도 한다. 전반적으로 이 편성은 과도기적 시대상을 반영한다. 궁정풍의 실내 협주곡에 충분한 규모이면서, 건반이 때로는 콘티누오(화성 채움)처럼 기능하고, 때로는 두드러진 독주 목소리로 등장한다.

또 하나 흥미로운 점은 모차르트가 독주 건반과 오케스트라의 관계를 어떻게 처리했는가이다. 이 협주곡은 기존 건반곡을 조립해 만든 것이므로, 원래 하프시코드 독주용으로 쓰인 음악에 오케스트라를 맞춰 끼워 넣어야 했다. 그는 대개 각 악장을 오케스트라 리토르넬로—합주를 위한 짧은 도입부—로 열고, 그다음 피아노가 주제와 함께 들어오게 한다. 필사본을 보면 어린 작곡가가 이 오케스트라 투티를 직접 적어 넣은 뒤, 피아노가 각색된 소나타 재료를 이어받도록 구성했음을 알 수 있다. 곳곳에서 피아노 파트는 오케스트라 선율을 단순히 겹치거나 반주형 패턴을 연주할 뿐, 훗날의 협주곡들에서 보게 되는 기교적 패시지와 대화는 많지 않다. 이처럼 건반이 때로는 독주적이고 때로는 화성을 보강하는 혼합적 역할을 보이는 점은, 이 초기 협주곡들의 특징이다[14].

Form and Musical Character

이 협주곡은 고전주의 협주곡의 표준인 3악장 구성을 따른다. 즉, 빠른 1악장–느린 2악장–빠른 피날레이다. 악장 구성은 I. Allegro spiritoso(내림B장조, 4/4), II. Andante staccato(F장조, 4/4), III. Molto allegro(내림B장조, 2/4)이다[12]. 성격 면에서 1악장 Allegro spiritoso는 “spiritoso”(활기차게)라는 지시어에 걸맞게 밝고 에너지 넘친다. 선명한 선율과 안정적인 4/4 박을 바탕으로, 기쁨에 찬 갈랑적 성격을 띠었을 것으로 보인다. 3악장 Molto allegro는 짧고 생기 있는 결말로, 분위기는 가볍고 템포는 빠르며 협주곡을 경쾌하게 마무리한다. 반면 2악장 Andante는 부드럽고 서정적인 삽화처럼 자리한다. “staccato” 표기가 있어, 섬세하고 분리된 아티큘레이션을 통해 다정하면서도 단정한 인상을 주었을 것이다. 이 Andante는 F장조(내림B장조의 딸림조)이며, 프랑스풍 romance 양식처럼 우아하고 어느 정도 세련된 음향을 들려준다. 특히 후대 기준으로는 간결하지만, 세 악장 가운데 가장 길다[15]. 세 악장 모두 비교적 짧아 전체 연주 시간은 대략 12–14분 정도이며, 신동의 작품다운 매력적이면서도 복잡하지 않은 양식을 잘 보여준다.

음악적으로 K. 39는 출처가 되는 재료들을 엮어 만든 파스티시이지만, 모차르트는 여기에 자신의 손길을 더해 자연스럽게 봉합했다. 1악장과 3악장은 라우파흐의 소나타에서 가져왔기 때문에(둘 다 라우파흐 Op. 1, No. 1에 기반) 주제적 아이디어를 일부 공유한다[9]. 모차르트는 이 주제들을 내림B장조로 옮기거나 조정했을 가능성이 크고, 이를 지지하는 오케스트라 성부를 새로 썼다. 쇼베르트에서 차용한 2악장 Andante는 보다 미묘한 선율을 들려주는데, 쇼베르트의 양식은 당시로서는 표현적이고 거의 “낭만적”이라고까지 여겨질 만큼 감수성이 짙기로 알려져 있었다[16]. 모차르트 가족이 쇼베르트의 음악을 아꼈던 만큼, 볼프강은 이 악장을 편곡하며 쇼베르트의 시적인 우아함을 흡수했을 것이다[16]. 그래서 느린 악장에서는 훗날 모차르트가 보여줄 서정적 재능을 예고하는, 내면적 깊이의 한 자락을 들을 수 있다. 전체적으로 협주곡의 양식은 갈랑하며 선율 전개는 직선적이다. 악구는 대칭적이고, 화성은 단순하며(대체로 쾌적한 장조권에 머문다), 분위기는 가볍다. 현재까지 알려진 바로는 K. 39에는 모차르트가 직접 적어둔 카덴차가 없으며, 현대 연주에서는 카덴차를 생략하거나 짧게 즉흥으로 삽입하기도 한다. 핵심은 기교 과시가 아니라 노래하듯한 매력이다.

구조적 관점에서 보면, 이 어린 시절 협주곡에서 모차르트의 형식 운용은 소박하지만 효과적이다. 각 악장은 기본적으로 바탕이 된 소나타 악장의 형식을 따른다. 빠른 악장들의 경우 이는 초기 형태의 소나타 형식 또는 리토르넬로 형식에 가깝다. 오케스트라가 주요 주제를 제시한 뒤, 독주 건반이 이를 연주(가벼운 전개를 포함)하고, 마지막에 주제가 돌아와 마무리하는 방식이다. 미리 작곡된 재료를 사용했기 때문에, 전개부나 독주와 오케스트라 사이에서 새로운 주제적 아이디어를 풍부하게 내놓지는 않는다. 실제로 동시대 연구자들은 이 초기 협주곡들이 모차르트의 후기 작품들에서 보이는 풍성한 주제 발명을 결여한다고 지적한다[14]. 어린 모차르트는 오케스트라를 위한 몇 마디의 도입(때로 preludes라 불림)을 덧붙였지만, 이는 짧고 대개 조성과 기본 주제를 알리는 수준에 머문다[14]. 피아노와 오케스트라는 종종 유니슨 또는 옥타브로 함께 연주하며, 성숙한 협주곡에 비해 독주 구간과 반주의 구분이 덜 뚜렷하다[14]. 그 결과 K. 39는 때때로 ‘오케스트라 반주가 붙은 우아한 건반 소나타’처럼 들리기도 하며, 독주자와 오케스트라의 극적인 경쟁보다는 단정한 흐름이 두드러진다. 그럼에도 모차르트 협주곡 양식의 싹은 분명히 보인다. 음악학자들은 예컨대 도입부 길이와 전체의 균형 같은 악장 비율이, 규모는 작지만 훗날 협주곡들에서 나타나는 균형감을 대략 예고한다고 관찰했다[14]. 작품은 논리적이고 기분 좋게 흐르며, 모차르트가 어린 나이에도 형식과 대비에 대한 자연스러운 감각을 지녔음을 보여준다. 후기 걸작들만큼의 혁신이나 심도는 없지만, 11세 작곡가의 작품으로는 선율미와 완성도가 돋보인다. 한 평자는 “단순하고 직선적이며 다소 학생 작품처럼 느껴진다”고 하면서도, “창의적이고 독특한 작은 부분들”과 “저성부의 훌륭한 물결”이 모차르트의 싹트는 상상력을 암시한다고 말했다[17].

Reception and Legacy

어린 시절의 산물인 모차르트 피아노 협주곡 제2번 내림B장조는, 훗날의 비엔나 협주곡들처럼 주류 레퍼토리에 자리 잡지는 못했다. 모차르트 생전에는 이 초기 협주곡들이 사적인 연주나 교육용 작품으로 쓰였을 가능성이 크다. K. 39를 공개적으로 연주했다는 구체적 기록은 없지만, 귀족 후원자를 방문했을 때 재능을 보여주기 위해(혹은 일부 악장만) 연주했을 수도 있다. 이 작품은 이미 출판된 음악을 재가공한 것이었기에, 모차르트의 어린 시절에는 유통되거나 출판되지 않았다. 실제로 레오폴트 모차르트는 이 첫 네 곡의 협주곡을 출판하지 않았고, 앞서 말했듯 볼프강의 공식 작품 목록에서도 제외했는데, 이는 이를 중요한 성취가 아니라 연습으로 보았음을 뜻한다[7]. 모차르트 사후 수십 년 동안 K. 39와 동반 초기 협주곡들은 거의 잊히거나, 큰 관심 없이 ‘독창적 유년기 작품’ 정도로만 여겨졌다. 19세기 말~20세기 초 음악학 연구가 이 협주곡들의 출처를 확인하면서, 모차르트가 모든 것을 새로 작곡한 것이 아니라 타인의 음악을 편곡했다는 점이 분명해졌다.

후대에 모차르트의 피아노 협주곡들이 재발견되고 찬양받을 때, 주된 관심은 대부분 21곡의 독창적 협주곡(제5번 이후)에 쏠렸다. 이 성숙기 작품들은 오늘날 모차르트 최고의 업적 가운데 하나로 평가된다. 이에 비해 첫 네 곡(제2번 K. 39 포함)은 상대적으로 부차적인 시도로 간주된다. 비평가들은 종종 이를 “유년기” 작품—매력적이지만 내용은 가벼운 곡으로 분류한다[18]. 예를 들어 피아니스트이자 연구자인 잰 스워퍼드는 협주곡 1–4번이 본질적으로 타인의 음악을 관현악화한 것이라며 “juvenilia”라고 부르고, 모차르트의 진정한 협주곡적 천재성은 1773년에 처음으로 독창적 협주곡을 쓴 뒤에야 꽃핀다고 말한다[18]. 실제로 모차르트 자신도 17세에 쓴 첫 독창적 협주곡(라장조 제5번, K. 175)을 훨씬 더 소중히 여겼던 듯하다. 그는 K. 175를 평생 계속 연주한 반면, 성인이 되어 K. 39를 다시 연주했다는 증거는 없다[18].

K. 39가 출판물로 등장하기까지도 시간이 걸렸다. 19세기의 모차르트 전집에는 이 초기 협주곡들이 포함되었고(예컨대 1877년 브라이트코프 & 헤르텔 판이 K. 39를 출판했다[19]), 주로 학술적 관심의 대상이었다. 20세기에 들어 모차르트 전 작품이 더 폭넓게 연구되면서 K. 39도 어느 정도 노출이 늘었다. 모차르트 협주곡 전곡 음반의 일부로 녹음되기도 했지만, 실연 무대에서 자주 들리지는 않는다. 유명 피아니스트들의 많은 음반은 1–4번을 건너뛰고 5번 이후의 걸작들에 집중한다[20]. 다만 초기 협주곡을 포함한 주목할 만한 프로젝트도 있다. 예컨대 네빌 매리너와 알프레트 브렌델은 더 작은 오케스트라와 포르테피아노로 1–4번 협주곡을 녹음해 당시의 실제적 음향을 살렸고, 잉그리트 해블러와 맬컴 빌슨 같은 시대연주 지향의 연주자들도 시대악기로 K. 39를 녹음했다[21]. 이러한 녹음은 이 작품을 ‘거대한 모차르트 협주곡’이 아니라, 그의 어린 시절에서 나온 우아한 소품으로서 매력적으로 비춰준다. 오늘날 청중은 『피아노 협주곡 제2번 내림B장조 K. 39』를 있는 그대로—모차르트의 초기 성장 과정을 보여주는 창—로 평가한다. 이 곡은 어린 작곡가가 기술을 익히는 모습을 흥미롭게 보여준다. 즉, 그는 1760년대의 갈랑 양식 안에서 형식을 실험하고, 선배들의 음을 빌려 자신의 목소리를 찾는 중이었다. K. 39가 이후의 피아노 협주곡들을 압도할 일은 없겠지만, 그의 작품 목록에서 사랑스러운 자리를 지킨다. 현대의 청중과 학자들은 역사적 맥락과 순진한 매력을 이유로 이 곡을 가치 있게 여기며, 모차르트의 청년기 이전 작품을 조명하는 프로그램에서 가끔 소개되기도 한다. 한 모차르트 전기 작가가 말했듯, 이 초기 협주곡들에는 “훗날의 구조를 떠올리게 하는 흔적”과, 성숙기 음악에서 만개할 표현적 깊이의 한 자락이 담겨 있다[14][16]. 요컨대 『피아노 협주곡 제2번 내림B장조』는 모차르트 여정에서 소박하지만 중요한 디딤돌이다. 18세기 여행과 사사, 그리고 음악적 호기심으로 이루어진 신동의 세계에서 태어난 이 작품은, 장차 도래할 천재성의 토대를 마련했다.