바이올린 소나타 35번 A장조

배경 및 작곡 맥락

볼프강 아마데우스 모차르트는 1787년 8월 말 비엔나에서 바이올린 소나타 35번 A장조 K. 526을 작곡했다[1]. 그는 Eine kleine Nachtmusik(K. 525)을 완성한 지 불과 2주 뒤인 1787년 8월 24일, 이 작품을 자신의 개인 작품 목록에 기입했다[2]. 이 시기는 모차르트의 삶에서 격동적이면서도 생산적인 때였다. 그해 초 잘츠부르크에서 아버지 레오폴트가 세상을 떠났고(1787년 5월)[3], 동시에 그는 가을 프라하 초연을 목표로 오페라 Don Giovanni를 작업하고 있었다[1]. 1787년의 비엔나는 요제프 2세 황제 치하에서 번성한 문화 중심지였고, 활기찬 음악계가 펼쳐져 있었다. 당시 31세였으며 프리랜서 작곡가로 활동하던 모차르트는, 유럽이 거대한 정치적 변화의 문턱(프랑스 혁명까지 불과 2년)을 앞두고 있었음에도 고전주의 시대 특유의 세련된 양식을 절정에서 구현하고 있었다.

이 소나타는 알려진 위촉이나 헌정 대상 없이 쓰였다고 전해진다[4]. 실제로 모차르트에게 뚜렷한 외부 동기가 있었던 흔적은 없으며, 즉흥적으로 작곡했을 가능성이 크고 어쩌면 피아노를 직접 연주하기 위해 염두에 두었을지도 모른다[5]. 이 소나타의 눈부신 피아노 서법을 고려하면, 일부 학자들은 모차르트가 자신의 건반 기교를 염두에 두고 작곡했을 것이라 추정한다[5]. 중요한 오페라 Don Giovanni 작업을 중단하면서까지 이 작품을 썼다는 점은 어떤 구체적 사건이나 필요가 있었음을 시사하지만[6], 그러한 계기는 문헌으로 확인되지 않는다. 한 가지 흥미로운 연결 고리는 이 소나타의 피날레 주제가 1787년 6월에 사망한 작곡가 카를 프리드리히 아벨의 작품에서 유래한다는 점이다. 모차르트는 어린 시절 아벨을 만나 이후 그를 존경해 왔기에, 아벨의 주제를 차용한 것은 조용한 추모의 뜻일 수 있다는 해석이 있다[7]. 어쨌든 K. 526은 모차르트의 성숙기의 산물로, 가장 유명한 창작물 두 편(Serenade K.525와 Don Giovanni K.527) 사이에서 탄생했다는 점에서 의미가 크다[8].

편성 및 주목할 특징

편성: 이 작품은 바이올린과 건반악기(포르테피아노)를 위한 듀오다. 모차르트 시대에는 이러한 작품들이 종종 “바이올린 반주가 붙은 피아노 소나타”로 출판되었는데, 이는 초기 고전주의 관습상 건반이 주된 파트를 맡았기 때문이다. 그러나 K. 526에 이르러 모차르트는 바이올린의 역할을 완전히 해방시켰다. 그가 어린 시절에 쓴 초기 바이올린 소나타들은 대체로 아마추어를 위한 선택적 바이올린 파트가 붙은 건반 소나타에 가까웠다[9]. 반면 K. 526은 바이올린과 피아노가 진정한 동등자로 기능하는 후기 소나타들에 속한다. 두 악기는 균형 잡힌 대화처럼 음악적 소재를 주고받으며, 주제를 교환하고 대위법적 상호작용을 펼친다[10]. 특히 이 A장조 소나타는 모차르트가 바이올린과 피아노를 위해 남긴 마지막 본격 작품이다. 이후의 듀오 작품인 F장조 K. 547(1788)은 초심자를 위한 더 짧은 소나티나에 가깝다[11]. 따라서 K. 526은 바이올린–피아노 소나타 장르에 대한 모차르트의 기여가 정점에 이른 결과물이라 할 수 있다.

주목할 특징: 이 소나타의 피아노 파트는 예외적으로 어렵고 비르투오소적이며, 모차르트가 건반을 위해 쓴 작품 중에서도 가장 찬란한 부류에 속한다[12][13]. 그러나 그렇다고 바이올린을 단순한 반주로 격하하지 않는다. 오히려 두 파트는 끊임없는 “주고받기”를 이어 간다[14]. 모차르트는 포르테피아노의 전 음역을 활용해 빠른 패시지, 반짝이는 음계 진행, 풍부한 짜임새를 펼치고, 바이올린은 이에 맞서 동등한 비중으로 자주 대화하듯 응답한다. 이 소나타의 텍스처에는 모차르트가 바로크 대위법을 연구한 흔적도 엿보이는데(예: 모방과 카논 기법의 구절들이 J. S. 바흐 음악과의 접촉을 시사한다)[15]. 그럼에도 언어는 끝까지 고전주의적이며 모차르트다운 우아함을 잃지 않는다. 두 악기의 통합이 너무나 완벽해 음악학자 알프레트 아인슈타인은, 모차르트의 성숙기 소나타들에서 달성된 두 악기의 교대에 대해 “이보다 더 완벽한 교대는 상상하기 어렵다”고 평했다[16]. 전체적으로 K. 526은 명료함, 우아함, 형식의 세련됨과 더불어, 활력 넘치는 에너지와 기교적 찬란함이 결합된 작품으로 특징지어진다.

바이올린과 피아노를 위한 소나타 35번 A장조 K. 526(1787) — 바이올린: 미하엘 바렌보임, 피아노: 다니엘 바렌보임 연주:

형식과 음악적 성격

모차르트의 바이올린 소나타 K. 526은 고전주의 소나타의 전형적인 3악장 구성을 따르지만, 각 악장은 고유한 성격과 기교적 특징을 지닌다.

Molto allegro (A major) – 1악장은 빠른 소나타-알레그로로, Molto allegro 표시가 붙어 있다. 이 도입 악장에서 모차르트가 6/8박자를 택했다는 점이 특히 이례적인데, 이는 사냥이나 야외 음악과 더 자주 연관되는 흔들리듯 경쾌한 ‘복합박자’이기 때문이다[17]. 6/8의 선택(그의 이전 A장조 소나타 K. 305 및 Hunt 사중주 K. 458에서도 사용됨)은 도약하듯 경쾌한 에너지를 부여한다. 악장은 피아노 독주로 시작해 활기차고 싱코페이션이 가미된 주요 주제를 제시하며, 바이올린은 그 선율을 3도 아래에서 그림자처럼 따라 들어온다[14]. 곧이어 바이올린이 같은 주제를 주도적으로 가져가며, 평등한 작법이 즉시 드러난다. 제시부 전반에서 모차르트는 A장조와 딸림조인 E장조 사이에 주제를 배분해, 두 악기 모두가 선율적 기회를 얻도록 한다[18]. 이 악장의 두드러진 특징은 리듬의 생동감이다. 모차르트는 헤미올라 효과(박의 묶음이 순간적으로 바뀌는 듯한 구절)와 장난스러운 싱코페이션을 사용해, 청자가 느끼는 강박의 위치를 교묘히 흔든다[19][20]. 발전부는 간결하지만 주제적으로 풍성하며, 제시부를 지배했던 하강 음계 동기를 포함해 주요 주제의 파편들을 바탕으로 전개된다[21]. 여기서 작곡가의 “선율적 대위법에 대한 거침없는 숙련”이 빛난다[22]. 재현부 직전 두 악기는 주요 동기를 두고 촘촘한 카논을 주고받으며, 모차르트의 대위법적 기량을 과시한다[23]. 학구적 요소가 있음에도, 사냥나팔을 연상시키는 박자감과 비르투오소적 장식 덕분에 악장은 유쾌하고 sportive한 성격을 유지한다. 전체적으로는 바이올린과 피아노가 찬란하고 넘치는 활력으로 대화를 펼치는 효과를 낳는다.

Andante (D major) – 딸림 아래(하위딸림) 조성인 D장조의 2악장은 소나타의 정서적 중심을 이룬다. 이 악장은 Andante이며, 느린 악장으로서는 다소 드물게 소나타 형식으로도 쓰였다. 고전주의 시대의 느린 악장들은 종종 발전부가 축약되거나 더 단순한 형식을 취했기 때문이다[24]. 여기서 모차르트는 더 확장되고 진지한 느린 악장을 제시한다. 짜임새는 눈에 띄게 희소하고 투명하다. 피아노가 벌거벗은 옥타브로 부드럽게 흔들리는 음형을 홀로 시작하는데, 마치 선율 없이 반주만이 혼자 연주되는 듯한 느낌을 준다[25]. 바이올린은 한 마디 뒤에 들어와 더듬거리듯 단순한 구절로 응답하며, 주제와 반주의 경계를 흐린다[26]. 모차르트는 매우 절제된 수단으로 심오한 표현성을 얻는다. 병행 옥타브 중복(후대 브람스가 선호하게 될 냉엄한 질감을 예고한다)은 애잔한 단순함의 감각을 만들어 낸다[27]. 음악은 은근한 반음계 진행과 장·단조 사이의 이동으로 물들어, 달콤씁쓸한 정서를 주입한다[28]. 중심 발전부에서 모차르트는 느린 악장으로서는 이례적으로 발전을 꽤 멀리까지 끌고 간다[24]. 어느 지점에서는 d단조로 전환되며, 이명동음적 전조를 통해 먼 조성들까지 스치면서 ‘나폴리(2도 내림)’의 색채가 배어든 우울한 새 주제를 제시한다[29]. 그 결과 이 악장은 D장조의 평온이 돌아오기 전까지, 강렬하고 탐색적인 성격을 띤다. 음악학자 알프레트 아인슈타인은 이 Andante를 극찬하며, 그것이 “영혼과 예술 사이의 균형을 이토록 구현하여, 마치 전능하신 신이 의인들이 삶의 씁쓸한 달콤함을 음미할 수 있도록 영원의 1분 동안 모든 움직임을 멈추게 한 듯하다”고 말했다[30]. 다시 말해, 이 악장은 깊은 감정과 고전적 형식 사이의 숭고한 평형을 이룬다. 감상적 과잉 없이도—절제되어 있으나 영혼이 담긴—정서적 깊이는 모차르트 예술의 정수를 보여 준다.

Presto (A major) – 3악장은 A장조의 소용돌이 같은 Presto로, 기백 넘치는 론도 형식으로 쓰였다. 이 피날레는 모차르트의 실내악 피날레들 가운데서도 길이가 길고 기교적으로도 매우 도전적이지만, 숨 가쁜 빠르기 덕분에 민첩하고 짜릿하게 느껴진다[31]. 주요 론도 주제는 밝고 환희에 차 있지만, 모차르트는 곧바로 단조로 방향을 틀어, 끊임없이 흐르는 셋잇단음표와 함께 동요하는 에피소드로 음악을 몰아넣는다[32]. 사실 이 론도는 주제 소재가 놀랄 만큼 풍부하다. 하나의 반복 후렴에 기대기보다, 모차르트는 여러 개의 되풀이 주제(한 분석에 따르면 최소 네 개[33])를 도입한다. 그중 한 주제는 특히 주목을 받아 왔다. 피날레의 첫 동기는 카를 프리드리히 아벨의 바이올린 소나타(Op. 5 No. 5, A장조) 주제와 매우 흡사하다는 것이다[31]. 아벨은 젊은 모차르트가 런던에서 친분을 쌓았던 작곡가이자 비올라 다 감바 연주자였고, 의미심장하게도 1787년 6월—모차르트가 이 소나타를 쓰기 불과 두 달 전—세상을 떠났다. 모차르트가 아벨의 주제를 사용한 것은 고인이 된 동료에 대한 의도적인 오마주였을 가능성이 제기된다[7]. 모차르트는 이 론도를 “악마적”이라 할 만큼 들뜬 기세로 전개한다[31]. 음악은 비르투오소적 패시지, 번개 같은 전환, 그리고 긴장을 끌어올리기 위한 짧고 극적인 Adagio 정지까지 동원하며 질주한다[34]. 먼 조성인 F♯단조의 중간부는 애절한 새로운 바이올린 선율을 들려주며, 불꽃놀이 같은 흐름 속에 뜻밖의 비감을 더한다[35]. 그러나 곧 환희가 되돌아온다. 모차르트의 론도에서 흔히 그렇듯, 주제들의 귀환 순서는 매번 약간씩 변주되고, 마침내 경쾌한 주제가 마지막 말을 남긴다[36]. Presto 피날레는 두 연주자 모두에게 엄청난 민첩성을 요구한다(바이올린의 빠른 현 이동과 아르페지오, 피아노의 눈부신 음계 패시지). 일부 평자들은 이 에너지에서 “거의 야성적이고 집시풍의” 혹은 민속적인 추진력을 감지한다고 말해 왔지만, 모든 것은 모차르트 특유의 우아한 통제력 속에서 빚어진다. 악장의 비르투오소적 번뜩임과 기쁨에 찬 넘침은 소나타를 기억에 남는 절정으로 마무리한다. 한 리뷰어는 이 피날레의 도입부에서 뿜어져 나오는 순전한 환희를 “참으로 즐겁다”고 표현했고, 소용돌이치는 코다에서 피아노의 손가락 기교는 숨이 멎을 만큼 놀랍다고 평했다[37][38].

수용과 유산

모차르트의 A장조 소나타 K. 526은 빠르게 바이올린–피아노 레퍼토리의 보석 가운데 하나로 자리 잡았다. 개인적 공간에서 초연되었을 가능성이 큰 실내악 작품인 만큼, 첫 연주나 초기 반응에 대한 문헌 기록은 많지 않다. 이 곡은 비엔나의 살롱이나 아카데미에서, 모차르트 자신이 건반을 맡고 능숙한 바이올린 주자와 함께 연주했을 가능성이 크다. 소나타는 작곡 후 그리 오래지 않아 출판되었고(한 동시대 목록에는 1787년경의 필사본 사본이 기록되어 있다[39]), 이는 모차르트가 전문 연주자와 아마추어 모두를 포함한 더 넓은 청중에게 작품이 전해지기를 바랐음을 시사한다. 시간이 흐르며 K. 526은 모차르트 작품 세계의 정점으로 인정받게 되었다. 저명한 음악학자 알프레트 아인슈타인은 이 곡을 B♭장조 소나타 K. 454(1784, 레지나 스트리나사키를 위해 작곡)와 E♭장조 소나타 K. 481(1785)와 함께 모차르트의 “세 개의 위대한 바이올린 소나타” 가운데 마지막 작품으로 꼽았다[11]. K. 526은 모차르트 초기 양식의 서정적 온기와, 후기 작품들의 대위법적 세련됨 및 정서적 깊이를 종합한 점에서 특히 사랑받는다.

19세기와 20세기를 거치며 이 소나타는 바이올리니스트와 피아니스트에게 꾸준히 핵심 레퍼토리로 남아, 공연장에서 자주 연주되었고 유수의 예술가들에 의해 녹음되었다. 특히 비르투오소적 피아노 파트 때문에, 작품의 진가를 살리려면 최상급 연주자들이 필요했다. 실제로 이 곡은 피아노를 너무도 찬란하게 부각시키기에, 어떤 관찰자들은 역사적으로 바이올리니스트들이 소나타보다 협주곡을 선호하는 경향이 있었다고 지적했다. 소나타에서는 피아니스트에게 동등한—혹은 그 이상으로—큰 비중이 주어지기 때문이다[12][13]. 그럼에도 뛰어난 바이올린–피아노 듀오들은, 악기 간 완벽한 균형과 폭넓은 표현력 때문에 K. 526을 기꺼이 받아들여 왔다. 특히 Andante는 숭고한 아름다움으로 찬사를 받았고, 작품 전체는 고전주의 실내악의 기준점으로 여겨진다. 현대 연구는 또한 K. 526 같은 작품에서 나타나는 모차르트의 바이올린–피아노 작법이 후대 작곡가들에게 길을 열었다고 지적한다(예를 들어 베토벤은 곧, 모차르트가 마련한 ‘듀오의 평등’이라는 토대 위에서 더 극적인 상호작용을 지닌 바이올린 소나타들을 쓰게 된다).

요약하자면, 모차르트의 바이올린 소나타 35번 A장조 K. 526은 실내악 문헌 속의 성숙한 걸작으로 서 있다. 개인적·직업적 전환기에 쓰인 이 작품은 1780년대 비엔나의 풍부한 문화적 분위기와, 우아함·열정·대위법적 공예를 결합하는 모차르트의 천재성을 반영한다. 생기 넘치는 6/8 Allegro에서 영혼을 울리는 Andante, 그리고 짜릿한 Presto에 이르기까지, 이 소나타는 오페라적 온기와 비르투오소적 찬란함을 고전주의 소나타 형식에 불어넣는 모차르트의 능력을 보여 준다. 여러 세대의 청중과 연주자들은 이 작품을 바이올린과 피아노를 위한 레퍼토리에서 모차르트가 남긴 최고의 기여 가운데 하나로 여겨 왔다. “영혼과 예술 사이의 균형” 속에서, 고전주의 양식이 지닌 시대를 초월한 매력의 본질적인 무언가를 포착한 작품이기 때문이다[30].

출처: