Las grandes óperas de Mozart (1781–1791)
Introducción
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) compuso 22 óperas en un asombroso abanico de estilos, desde los dramas sagrados y mitológicos de su infancia hasta las deslumbrantes obras maestras de su última década. Si bien sus primeras obras revelan una precoz fascinación por la expresión teatral, fue en sus óperas de madurez donde Mozart transformó plenamente el arte.
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Entre 1781 y su muerte en 1791, creó una serie de obras escénicas de gran formato que redefinieron el drama musical mediante la profundidad psicológica, la riqueza melódica y una fusión fluida de música y texto.
Estas “grandes óperas”, escritas durante sus años en Viena y más allá, incluyen tragedias heroicas como Idomeneo, mordaces comedias sociales como Le nozze di Figaro y Don Giovanni, y la intemporal fusión de fantasía y filosofía en Die Zauberflöte. En ellas, Mozart elevó la ópera de entretenimiento cortesano a relato humano universal: cada personaje retratado con empatía, ingenio y verdad emocional.
Este artículo recorre las grandes óperas de Mozart desde Idomeneo (1781) hasta Die Zauberflöte (1791), rastreando cómo su última década dio forma a la tradición operística moderna. Exploramos cuándo y por qué se escribió cada obra, y sus contextos dramáticos.
Idomeneo, re di Creta (1781)
En 1781, la carrera de Mozart entró en una nueva fase. Incómodo bajo el sistema de patronazgo en Salzburgo, el compositor de 25 años rompió con su puesto provincial y se trasladó a Viena en busca de mayores oportunidades. Justo antes de este traslado, completó Idomeneo, re di Creta (“Idomeneo, rey de Creta”), que se estrenó en Múnich en enero de 1781.
Idomeneo fue un encargo de la corte bávara, y se erige como la primera gran ópera madura de Mozart.
Una opera seria dramática en tres actos, cuenta la historia del rey Idomeneo quien, tras sobrevivir a una tormenta en el mar, promete sacrificar a la primera persona que encuentre; trágicamente, resulta ser su propio hijo, Idamante.
Los temas de sacrificio, destino y clemencia se despliegan en una partitura de gran carga emocional; finalmente Idomeneo no puede llevar a cabo el sacrificio y, mediante la intervención divina y su propia abdicación, Idamante se salva y se reúne con su amada Ilia.
Mozart puso un cuidado enorme en Idomeneo, ampliando el coro y la orquesta y creando vívidos recitativos acompañados y conjuntos.
Sin embargo, se topó con dificultades con el reparto: el tenor ya mayor que interpretaba a Idomeneo (Anton Raaff) era rígido y poco expresivo, lo que frustró a Mozart (se quejaba de que Raaff era “como una estatua” en escena[14]).
A pesar de tales retos, Mozart se enorgullecía de esta ópera.
Idomeneo fue innovadora en su combinación de estilos francés e italiano y en su rico uso de los conjuntos[15][16].
Fue bien recibida en la corte de Múnich: una obra decisiva que mostró a Mozart yendo más allá de las viejas fórmulas de la opera seria hacia un territorio más humano y expresivo. La crítica moderna suele contar Idomeneo entre las mejores óperas de Mozart por su música noble y su profundidad dramática[17][18].
Die Entführung aus dem Serail (1782)
Instalado en Viena en 1781–82, Mozart dirigió su atención al estilo alemán del Singspiel. El emperador José II promovía la ópera en lengua alemana, y Mozart respondió al llamado con Die Entführung aus dem Serail (“El rapto en el serrallo”), estrenada en el Burgtheater de Viena en julio de 1782.
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Este Singspiel cómico —con diálogo hablado junto a arias— está ambientado en un harén turco, aprovechando la moda contemporánea por lo exótico “turco”. La trama sigue al noble español Belmonte y a su criado Pedrillo en su intento de rescatar a la prometida de Belmonte, Konstanze, y a su doncella Blonde del palacio del pachá Selim.
Mozart dotó la partitura de percusión “de jenízaros” y color oriental para evocar el ambiente turco, pero también de arias profundamente sentidas: la virtuosa aria de Konstanze “Martern aller Arten” es endiabladamente difícil, y la ópera equilibra momentos farsescos (el bufonesco Osmin guardando el harén) con temas de amor y perdón.
Al final, el ilustrado pachá Selim, en lugar de vengarse de los europeos capturados, magnánimamente perdona y libera a todos, una resolución dramática que asombró al público por su seriedad moral en un marco cómico.
Die Entführung fue un triunfo desde la noche del estreno, convirtiéndose rápidamente en la ópera más popular de Mozart en vida[19]. Al público vienés le encantó su mezcla de deslumbrantes fuegos de artificio vocal y romance cómico, y hasta el propio Emperador (quien supuestamente bromeó “¡Demasiadas notas, mi querido Mozart!” tras el estreno) reconoció el brillo de la ópera[20].
El rapto en el serrallo tuvo una larga temporada en Viena y se representó en ciudades de toda Europa; consolidó firmemente la reputación de Mozart como maestro de la ópera alemana[19][21]. El propio Mozart estaba orgulloso de este éxito: había demostrado que la ópera alemana podía rivalizar con la italiana y, al hacerlo, había ganado el favor del público.
L’oca del Cairo (1783)
Al calor del éxito de Entführung, Mozart estaba deseoso de escribir más óperas, pero los años siguientes fueron accidentados.
En 1783, empezó a trabajar en L’oca del Cairo (“La oca de El Cairo”), una ópera cómica italiana, colaborando de nuevo con el libretista Giovanni Paisiello (aunque el libreto era en realidad de Giambattista Varesco, autor del texto de Idomeneo).
La trama farsesca —que incluye una enorme oca mecánica para ayudar a unos amantes a escapar de una torre— resultó demasiado insustancial para el gusto de Mozart. En un principio le gustó parte del borrador de Varesco “bastante bien”[22] y compuso varias piezas (a finales de 1783 había escrito la mayor parte del Acto I[23]). Sin embargo, a medida que avanzaba el trabajo, Mozart se fue sintiendo insatisfecho con las debilidades del libreto. Advirtió, por ejemplo, que las dos principales heroínas no aparecían en escena hasta el final, un problema estructural que temía arruinaría la ópera[24]. Mozart pidió revisiones, escribiendo a su padre con creciente frustración que la historia necesitaba “cambios drásticos” y que no quería que su buena música “se echara a perder” por una mala trama[24][25].
Pese a una amplia correspondencia e intentos de arreglar el libreto, Mozart finalmente abandonó L’oca del Cairo como un proyecto sin remedio[26][25]. En una carta, incluso dio a entender que el abate Varesco carecía de “la más mínima noción de teatro”[26].
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Lo sposo deluso (1784)
Del mismo modo, en 1784 Mozart emprendió otra ópera cómica italiana, Lo sposo deluso (“El novio engañado”), pero también quedó inconclusa tras apenas un par de números. Parece que no encontró un libreto satisfactorio o quizá perdió a sus cantantes; en cualquier caso, no se materializó ninguna producción y Mozart archivó el proyecto.
Estos falsos comienzos revelan los altos estándares de Mozart: no iba a volcar sus esfuerzos en un libreto de opera buffa que considerara tonto o inviable. Se describía a sí mismo “trabajando lo suficiente en este corto tiempo” en estas óperas solo para darse cuenta de que el esfuerzo podía ser en vano[27]. Se percibe su irritación por el trabajo desperdiciado en L’oca y Lo sposo, que probablemente le resultaron más tediosas que divertidas.
Le nozze di Figaro (1786)
La suerte de Mozart mejoró en 1786. Ese año recibió un encargo que daría como resultado uno de sus mayores logros: Le nozze di Figaro (“Las bodas de Fígaro”).
Esta opera buffa italiana en cuatro actos marcó la primera colaboración de Mozart con el poeta y libretista Lorenzo Da Ponte. El propio Mozart había propuesto la controvertida obra de Beaumarchais The Marriage of Figaro como asunto operístico[28], y Da Ponte confeccionó un libreto (atemperando cuidadosamente el trasfondo político de la obra para satisfacer a los censores). La ópera, estrenada el 1 de mayo de 1786 en Viena, es una maravilla de comedia de conjunto y sátira social.
Retoma a los personajes de The Barber of Seville algunos años después, y sigue un “día de locura” en la casa del conde Almaviva. Los criados Fígaro y Susanna traman frustrar el intento del Conde de seducir a Susanna el día de su boda, involucrando a la Condesa, al paje Cherubino y a otros en un torrente de disfraces, identidades equivocadas e ingeniosas intrigas. Al final, el Conde humillado pide perdón y los esposos se reconcilian, concluyendo el torbellino de la ópera de “seducciones fallidas, disfraces, malentendidos y revelaciones” en una nota de perdón[29][30].
Musicalmente, Figaro es una proeza: la partitura de Mozart rebosa arias memorables y magníficos conjuntos que profundizan cada personaje e impulsan la compleja trama. Desde la bulliciosa obertura hasta el radiante final del Acto II y las arias conmovedoras (como “Dove sono” de la Condesa o “Se vuol ballare” de Fígaro), Mozart logró una mezcla perfecta de energía cómica y calidez humana.
Mozart disfrutó enormemente componiendo Figaro —se inspiró en el ingenioso libreto de Da Ponte y en la oportunidad de crear un nuevo tipo de ópera cómica impulsada por los conjuntos. “Atosigó” y persuadió a Da Ponte cuando fue necesario para dar a la dramaturgia la forma que requerían sus necesidades musicales (se sabe que Mozart insistía en conjuntos con estructura dramática)[31]. El resultado fue tan satisfactorio que Figaro llegaría a ser conocido como la obra maestra cómica de Mozart, a menudo citada como el cénit de la opera buffa[30].
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En su estreno vienés, The Marriage of Figaro recibió una acogida positiva, aunque no abrumadora. Al Emperador le gustó lo suficiente como para ordenar funciones adicionales especiales en su palacio[32], pero en Viena la temporada de la ópera fue limitada (nueve funciones en 1786) en parte debido a intrigas de facciones y quizá a la complejidad de la partitura[33][34].
Sin embargo, cuando Figaro viajó a Praga a finales de 1786, causó sensación. El público de Praga adoró la ópera: un periódico la calificó de “obra maestra” y afirmó que “ninguna pieza ha causado jamás tal sensación”[35]. Mozart estaba encantado; escribió desde Praga que “aquí no se habla de otra cosa que de Figaro”, y esta entusiasta respuesta llevó directamente a un encargo para una nueva ópera en Praga.
Hoy suele considerarse la mayor ópera de Mozart, alabada por su mezcla perfecta de comédie y profunda humanidad[30]. Por su parte, Mozart probablemente encontró la composición de Figaro profundamente gratificante: un proyecto donde su talento se encontró con un libreto ideal, y que consolidaría su legado.
Don Giovanni (1787)
La siguiente ópera de Mozart se escribió para capitalizar el éxito de Figaro en Praga. Don Giovanni, un dramma giocoso (mezcla de cómico y serio) en dos actos, se estrenó en Praga el 29 de octubre de 1787. De nuevo en colaboración con Da Ponte, Mozart abordó la legendaria historia de Don Juan —el carismático noble que seduce y abandona a las mujeres y que finalmente recibe un castigo sobrenatural.
Don Giovanni suele considerarse la ópera más audaz de Mozart, que oscila entre la comedia, el melodrama y lo aterrador. En la ópera, las desmesuradas fechorías de Don Giovanni (desde cantar serenatas a campesinas hasta matar al Comendador, padre de una de sus conquistas) resultan por momentos divertidas y chocantes. Su criado Leporello aporta alivio cómico con la famosa “aria del catálogo” (enumerando los miles de amores de Giovanni), pero el tono se oscurece cuando el fantasma vengativo del Comendador —en forma de estatua de piedra— cobra vida. En la escena culminante de la cena, la estatua del Comendador enfrenta a Don Giovanni y lo arrastra al infierno cuando éste se niega a arrepentirse.
La rica y animada partitura de Mozart está a la altura de la intensidad del drama[36]. La variedad de la ópera es asombrosa: radiantes dúos de amor, chispeantes conjuntos cómicos y la escalofriante escena final con los trombones anunciando la llegada del Comendador. Mozart logra un milagroso equilibrio entre comedia y tragedia, como han señalado comentaristas posteriores[37][38]. En Don Giovanni, la ingeniosa escritura de conjuntos de Figaro se combina con un nuevo peso y una nueva oscuridad: la obra puede interpretarse como una pieza moral o como “traviesa inocente”, y hasta hoy el público debate su tono[39][40].
Mozart encontró Don Giovanni desafiante pero estimulante. Trabajaba bajo presión (la leyenda dice que aún orquestaba la obertura horas antes del estreno), pero estuvo a la altura. El estreno en Praga fue un triunfo —la ciudad que amó Figaro abrazó también Don Giovanni, y la ópera fue calurosamente aclamada.
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No obstante, cuando Mozart llevó Don Giovanni a Viena en 1788, la recepción fue más desigual. Al público vienés, al parecer, le resultaron inusuales los temas oscuros de la ópera y la falta de una clara resolución moral. El emperador José II comentó supuestamente que Don Giovanni era quizá música “divina” pero “no es plato para los vieneses”.
Con todo, el prestigio de Don Giovanni creció rápidamente tras la muerte de Mozart; en pocas décadas fue reconocido como uno de los logros supremos de la ópera. Beethoven y otros compositores admiraron su hondura, y E. T. A. Hoffmann comparó célebremente el genio de Mozart en Don Giovanni con el de Shakespeare[41].
Desde la perspectiva de Mozart, Don Giovanni fue probablemente una composición gratificante: pudo estirarse dramática y musicalmente, escribiendo una ópera que unió su instinto para el entretenimiento con una capa más profunda, casi filosófica. Muchos estudiosos consideran Don Giovanni como la mejor ópera de Mozart, y figura de forma constante entre las mayores óperas jamás escritas por sus “proporciones perfectas” y su combinación de lo cómico y lo sublime[37][42].
Così fan tutte (1790)
La última colaboración de Mozart con Da Ponte fue Così fan tutte (“Así hacen todas”), estrenada en enero de 1790 en el Burgtheater.
Esta opera buffa es una comedia romántica cínica sobre dos oficiales, Ferrando y Guglielmo, que apuestan a que sus prometidas (las hermanas Dorabella y Fiordiligi) permanecerán fieles. Los hombres se disfrazan y cada uno intenta seducir a la amada del otro, guiados por el astuto filósofo Don Alfonso y con la ayuda de las tretas cómicas de la criada Despina. A lo largo de la farsa, ambas mujeres sí vacilan y caen por el “hombre equivocado”, probando la premisa de Alfonso de que todas las mujeres son volubles; pero el tratamiento de Mozart es más humano que misógino, pues los hombres aparecen igualmente caprichosos. Al final, la charada se desvela y las parejas presuntamente se reconcilian, aunque la ópera deja un regusto agridulce sobre la fragilidad de la confianza.
Così fan tutte fue audaz para su tiempo, con su premisa algo subidita de tono y un final irónico y ambiguo. No obstante, Mozart volcó parte de su música más exquisita en esta trama aparentemente ligera. La ópera ofrece una profusión de conjuntos ingeniosos e intrincados y arias que exploran los matices emocionales del amor y el engaño[43][44]. Destacan el aria virtuosística de Fiordiligi “Come scoglio” (que proclama la fidelidad) y el derretido trío “Soave sia il vento”, una de las páginas de conjunto más sublimes de Mozart.
En el momento del estreno de Così, las circunstancias de Mozart eran difíciles: la guerra y la inestabilidad económica en Viena redujeron el interés del público por nuevas óperas. Così fan tutte se estrenó el 26 de enero de 1790 y fue recibida inicialmente de forma positiva por quienes la vieron, pero su temporada se interrumpió: tras solo cinco funciones, la muerte del emperador José II en febrero de 1790 sumió a la corte en luto y cerró los teatros durante un tiempo[45][46]. Como resultado, Così no tuvo oportunidad de florecer en vida de Mozart, y los posteriores revivals fueron escasos (a los moralistas del siglo XIX la historia les pareció trivial o indecente).
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Solo en el siglo XX Così fan tutte obtuvo pleno reconocimiento como obra maestra de la ópera cómica, apreciada por su música sofisticada y su penetración psicológica. Hoy se celebra como la “última colaboración” de Mozart y Da Ponte par excellence, que completa su trilogía con una obra tan rica musicalmente como astutamente humorística[43][44].
La clemenza di Tito (1791)
El último año de Mozart (1791) lo vio asombrosamente productivo en el terreno operístico. En el verano de 1791, recibió el encargo de escribir una nueva opera seria para la coronación del emperador Leopoldo II en Praga. El resultado fue La clemenza di Tito (“La clemencia de Tito”), que se estrenó el 6 de septiembre de 1791 en el Teatro de los Estados de Praga.
Adaptando un viejo libreto de Metastasio (ampliamente abreviado por el poeta cortesano Caterino Mazzolà), Tito narra la historia del emperador romano Tito, célebre por su misericordia, que se enfrenta a una conspiración contra él. En la ópera, Vitellia —airada por ser rechazada por Tito— persuade a su admirador Sesto (íntimo amigo del emperador) para incendiar Roma e intentar el asesinato de Tito. Cuando el complot fracasa y Sesto es capturado, Tito finalmente perdona tanto a Sesto como a Vitellia, eligiendo la clemencia por encima de la venganza.
Mozart tuvo que escribir esta ópera con gran premura (se dice que en solo 18 días) mientras trabajaba simultáneamente en The Magic Flute. Incluso delegó las secciones de recitativo más sencillas en su alumno Süssmayr, concentrándose él en las arias y los conjuntos. A pesar de la prisa, La clemenza di Tito contiene momentos de belleza trascendente —como el sentido “Parto, parto” de Sesto, con su famoso clarinete obbligato, y el impresionante final del Acto I, cuando el enfurecido Tito reacciona al incendio del Capitolio. El sereno énfasis de la ópera en las virtudes ilustradas (perdón y benevolencia) se avenía al contexto de una coronación.
La recepción inicial de La clemenza di Tito en Praga fue respetuosa pero tibia —el estilo neoclásico de la seria parecía anticuado justo después de las vivaces obras cómicas de Mozart.
Una condesa del público la descalificó tristemente como “porcheria tedesca” (“porquería alemana”), aunque otros admiraron su digna sencillez. Con todo, Tito sí encontró público en la década de 1790: se representó en varias ciudades y permaneció en repertorio durante unas cuantas décadas[47]. De hecho, fue la primera ópera de Mozart en llegar a Londres (estrenada allí en 1806)[48][49].
A mediados del siglo XIX, Tito cayó en el olvido, pero las reposiciones modernas han rehabilitado su reputación[47]. La clemenza di Tito se valora hoy por su elegancia clásica y por los nobles sentimientos en su núcleo, un ejemplo tardío de la capacidad de Mozart para elevar incluso un material convencional con música inspirada.
Die Zauberflöte (1791)
Apenas unas semanas después de Tito, Mozart alcanzó uno de sus mayores éxitos populares con Die Zauberflöte (“La flauta mágica”), estrenada el 30 de septiembre de 1791 en un teatro suburbano vienés (Freihaus-Theater auf der Wieden).
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A diferencia de la cortesana Tito, The Magic Flute fue un Singspiel alemán pensado para un público amplio. Mozart se asoció con su amigo Emanuel Schikaneder, quien escribió el libreto e interpretó además en el estreno a Papageno.
La ópera es una alegoría fantástica que ha deleitado a públicos de todas las edades durante más de dos siglos.
Ambientada en una tierra mítica, la historia sigue al príncipe Tamino y al pajarero Papageno en su misión de rescatar a Pamina (hija de la temible Reina de la Noche) del supuesto sacerdote malvado Sarastro. Se someten a una serie de pruebas de virtud y firmeza. En un giro, se revela que Sarastro es benévolo y que la Reina de la Noche representa la oscuridad y la venganza. Con la ayuda de una flauta mágica y campanillas mágicas —y guiados por la sabiduría y el amor— Tamino y Pamina superan sus pruebas, la villana Reina es derrotada y la luz triunfa sobre la oscuridad. Entretejida está la subtrama cómica de Papageno mientras busca (y por fin encuentra) una Papagena a quien amar, aportando humor terrenal junto al simbolismo masónico espiritual de la ópera.
Mozart escribió The Magic Flute en un momento en que no recibía muchos encargos cortesanos, y existe la idea equivocada de que asumió este proyecto a regañadientes o como un trabajo “de baja estofa”. En realidad, Mozart llevaba tiempo siendo amigo de Schikaneder y formaba parte de la misma logia masónica; abrazó la oportunidad de contribuir a la animada escena de teatro popular de Viena[50][51]. Lejos de estar por debajo de su nivel, The Magic Flute fue un trabajo hecho con cariño: Mozart volcó su corazón en su mezcla de aventura mágica, ideas filosóficas de la Ilustración y comedia desenfadada.
El resultado fue sin duda una de sus mejores óperas[52], que combina elementos para agradar al gran público (canciones populares como las vivarachas arias de Papageno, espectacular coloratura para la Reina de la Noche) con música sublime de profundo significado (el solemne coral de los sacerdotes, el dúo de los dos hombres de armadura).
Die Zauberflöte fue un éxito instantáneo. Su estreno fue un éxito inmediato ante el público, y “arrastró a Viena como un vendaval”, conquistando tanto a nobles como a plebeyos[53].
El propio Mozart dirigió las primeras funciones y, según se cuenta, asistía con frecuencia, deleitándose con el disfrute del público; anotaba qué arias provocaban risas o aplausos.
La ópera se representó muchas veces a finales de 1791; incluso Salieri (antiguo rival de Mozart) asistió y se dice que elogió The Magic Flute como un “operone” —una gran ópera.
Trágicamente, Mozart no vivió para ver hasta dónde llegaría este éxito: murió el 5 de diciembre de 1791, apenas dos meses después del estreno. Pero The Magic Flute solo hizo crecer su popularidad: a las pocas semanas y meses ya se representaba en otros lugares, y pronto se difundió por toda Europa[53].
Sigue siendo una de las óperas más representadas del mundo[53], testimonio de su atractivo universal. Para Mozart, The Magic Flute fue un triunfo final y, a todas luces, una fuente de alegría. Logró crear una ópera que era a la vez un cuento de hadas juguetón y una profunda declaración de los valores de la Ilustración (el poder del amor, la razón y la fraternidad triunfando sobre la ignorancia). Su éxito perdurable es quizá el monumento más grande al legado operístico de Mozart: una obra que, como tantas de sus óperas, habla al corazón y a la mente a través de los siglos.
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Fuentes
[31] Lista de óperas de Mozart
https://en-academic.com/dic.nsf/enwiki/10361044
[15] [16] [17] [18] [29] [30] [36] [39] [40] [43] [44] [48] [49] [50] [51] [52] Las mejores óperas de Mozart: sus 11 mayores obras escénicas, clasificadas | Classical Music
https://www.classical-music.com/features/works/best-mozart-operas
[14] [20] [47] Óperas de Mozart: 10 de las mejores - Classic FM
https://www.classicfm.com/composers/mozart/guides/mozart-operas-10-best/
[19] El rapto en el serrallo, o el arte de la síntesis - Opera Online
https://www.opera-online.com/en/articles/the-abduction-from-the-seraglio-or-the-art-of-synthesis
[21] [PDF] RECURSO ESCRITO - Victorian Opera
[22] [23] [24] [25] [26] [27] L’oca del Cairo: la ópera de Mozart parcialmente escrita
https://interlude.hk/mozart-cairo-goose/
[28] [37] [38] [41] [42] Las 20 mejores óperas de todos los tiempos | Classical Music
https://www.classical-music.com/features/works/20-best-operas-all-time
[32] [33] [34] [35] Las bodas de Fígaro - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/The_Marriage_of_Figaro
[45] [PDF] così fan tutte - Metropolitan Opera
[46] [PDF] Così fan tutte Keynotes | Pacific Opera Victoria
https://pacificopera.ca/wp-content/uploads/2023/04/Web-Keynotes_Cosi-fan-tutte.pdf
[53] La flauta mágica en pocas palabras
https://www.operanorth.co.uk/news/the-magic-flute-in-a-nutshell/