Pianokonsert nr. 21 i C
ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト作
Bakgrunn og komposisjonskontekst
Mozart komponerte sin Pianokonsert nr. 21 i C-dur, K. 467, tidlig i 1785, i sin svært produktive wienerperiode. Han førte konserten inn i sin personlige katalog 9. mars 1785, bare fire uker etter at han hadde fullført den dramatiske D-moll-konserten (nr. 20, K. 466)[1]. Den nye konserten ble skrevet for å fremføres av Mozart selv ved et abonnementsarrangement i fastetiden i Wien – en serie offentlige konserter gitt vinteren 1785[2]. Urfremføringen fant sted allerede dagen etter, 10. mars 1785, i det keiserlige Burgtheater som en benefiskonsert for komponisten[3].
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
Denne perioden markerte høydepunktet av Mozarts berømmelse som klavervirtuos og komponist i Wien. Faren hans, Leopold, besøkte byen på denne tiden og var vitne til Wolfgangs intense konsertprogram og popularitet. Leopold beskrev «jag og mas» i hverdagen: stadig undervisning, komponering og kveld etter kveld med opptredener – «hver dag er det konserter… din brors fortepiano er blitt fraktet minst et dusin ganger til teatret eller et annet hus»[4]. Konserten der C-dur-konserten hadde premiere var en stor sosial begivenhet, angivelig «godt besøkt» av wienersosieteten[5]. Mozarts fremføring «fanget hver eneste lytter», og befestet ham som «sin tids største klaverspiller», ifølge en samtidig beretning av biografen Franz Niemetschek[6]. Den nye konserten var også en økonomisk suksess – Leopold skrev at konserten innbrakte 559 floriner til Mozart[7], en betydelig sum. Merk at Mozart fortsatt holdt på med å korrekturlese og kopiere stemmene samme dag som premieren, og fullførte partituret i siste liten[7]. Samtidskilder nevner også at Mozart brukte et spesielt fortepiano med et utvidet pedalbrett for ekstra effekt i disse konsertene[8], noe som understreker hans nyskapende ånd både i komponering og fremføring.
Politisk og kulturelt var Wien i 1785 et pulserende sentrum under keiser Josef IIs opplyste reformer. Offentlige konserter blomstret utenfor de aristokratiske salongene og ga frilanskomponister som Mozart nye muligheter[9][10]. I dette miljøet skapte Mozart en rekke mesterlige pianokonserter som utvidet sjangerens grenser. Pianokonsert nr. 21 i C-dur er en av flere «symfoniske» konserter som Mozart skrev i 1785–1786 – verk der han omdefinerte pianokonserten ved å behandle solist og orkester som mer likeverdige partnere[11]. Denne C-dur-konserten, som kom i kjølvannet av den mørke, lidenskapelige D-moll-konserten, byr på en kontrasterende stemning av storhet og lys. Som en Mozart-forsker (Cuthbert Girdlestone) bemerket, «det lysende C-dur driver ut det mørke og demoniske D-moll», noe som understreker hvordan Mozart ofte parret verk med motsatt karakter tett i tid[12].
Instrumentasjon
Mozart besatte konserten for et fullt orkester fra klassisismen som akkompagnerer soloklaveret. Den komplette instrumentasjonen omfatter:
Soloklaver – skrevet for Mozarts eget fortepiano (der Mozart til og med benyttet en spesiell pedalinnretning i fremføringen[8])
Strykere: første- og andre fioliner, bratsjer, celloer og kontrabasser
Treblås: én fløyte, to oboer, to fagotter
Messing: to horn i C, to trompeter i C (naturtrompeter)
Slagverk: pauker (i C og G, for å forsterke tonika–dominant-aksen)
Merk at Mozart ikke tok med klarinetter i dette verket – klarinetter dukker for første gang opp i hans pianokonserter i en senere konsert (nr. 22, K. 482, i Ess-dur)[13]. Valget av C-dur, sammen med bruken av trompeter og pauker, gir konserten en lys, seremoniell klang som er typisk for Mozarts store C-dur-verk. Autografmanuskriptet til K.467 (nå oppbevart ved Morgan Library i New York) viser Mozarts egen detaljerte nedtegnelse av denne besetningen[14].
Denne videoen viser Yeol Eum Son som fremfører Mozarts Pianokonsert nr. 21 i C-dur, K.467, i Runde II, Fase II av Tsjajkovskij-konkurransen 2011:
Form og musikalsk karakter
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
Som de fleste av Mozarts konserter er nr. 21 i C-dur tre-satsig (hurtig–langsom–hurtig), hver med sin egen karakter og sitt tematiske materiale[15][16]. Mozarts pianokonserter fra denne perioden var banebrytende i sin sammensmelting av konsertbriljans og symfonisk dybde – soloklaver og orkester fører en dynamisk dialog snarere enn et enkelt akkompagnementsforhold[11][17]. Satsene er:
- Allegro maestoso (C-dur) – Førstesatsen åpner i tilbakeholden C-dur prakt. Orkesteret introduserer et diskret militært marsjaktig tema i unisone strykere, “hvisket” mykt av fioliner og bratsjer[18]. Dette høytidelige temaet vokser snart til en kraftfull tutti, idet treblås og messing slutter seg til for å spille fanfarefigurer i en fyldigere, forte-gjentakelse av marsjideen[18][19]. Orkesterinnledningen er bemerkelsesverdig vidtfavnende og symfonisk i omfang, og presenterer flere tematiske ideer: for eksempel fremfører treblåserne et grasiøst sekundærmotiv (et tema som på fascinerende vis “ikke dukker opp igjen før helt på slutten” av satsen)[20]. I stedet for en rutinemessig disposisjon utvider Mozart åpnings-tuttien – marsjtemaet vender til og med tilbake i en ny toneart og bygger seg opp igjen før solisten kommer inn[21]. Når klaveret endelig kommer inn (etter denne lange oppbygningen), skjer det varsomt, nesten “motvillig,” med sarte nye melodiske ideer[22]. Klaverets inntreden innleder den vanlige dialogen av eksposisjon, gjennomføring og reprise slik man forventer i konsert-sonateformen. Likevel fører Mozart de to kreftenes uavhengighet bemerkelsesverdig langt: pianisten introduserer friske temaer og utbroderinger, mens orkesteret svarer med sitt eget materiale, noe som tidvis gir inntrykk av at “begge krefter synes opptatt av sitt eget materiale” parallelt[23]. Midtveis dreier Mozart inn i en skyggefull g-moll-passasje som varsler temaet i hans senere g-moll-symfoni (nr. 40)[24] – en uvanlig mørk avstikker i en ellers solfylt sats. Til slutt finner musikken veien tilbake til C-dur, og satsen avsluttes stille. En kort kadens ville bli spilt nær slutten (Mozarts opprinnelige kadens er tapt, så moderne utøvere bruker senere kadenser eller sine egne)[25]. Alt i alt Allegro maestoso balanserer statelig pomp og lyrisk lekenhet: som en kommentator bemerket, har åpningen en “opera buffa-aktig” komisk tone under overflatens prakt[26], likevel er struktur og omfang i satsen imponerende symfoniske for sin tid[27].
- Andante (F-dur) – Andresatsen byr på et rolig, lyrisk mellomspill i subdominanttonearten F-dur. Mozart skaper en drømmende nocturne-aktig atmosfære her[28]. Satsen åpner med orkesteret (ingen soloklaver ennå) som spiller med dempede strykere; fiolinene fremfører en øm melodi over et varsomt pulserende triol-akkompagnement i de dype strykerne[28]. Dette sublime temaet – med sine sukkende konturer og jevne triol-hjerteslag – ble senere berømt som “Elvira Madigan”-temaet, etter sin minneverdige bruk i en svensk film fra 1967 med samme navn[28][29]. Når klaveret kommer inn, tar det opp den syngende melodien med “overdådig letthet,” og spiller uttrykksfulle arabesker og variasjoner over temaet[28]. Det koloristiske samspillet mellom klaver og orkester er utsøkt: klaverlinjen slynger seg i og rundt orkesteret og skaper “rike og fortryllende nyanser” av klang (med kritikeren Donald Toveys ord)[30]. Mozart utforsker også noen overraskende harmonier i denne Andante. På et tidspunkt glir musikken over i en uventet mollspenning med dissonante suspensjoner, så nytt at Leopold Mozart trodde kanskje kopisten hadde gjort feil, og hørte “feil toner” som viste seg å være tilsiktet uttrykksfulle[31]. Den overordnede stemningen forblir imidlertid rolig og inderlig. Den milde F-dur-vuggesangen vender tilbake for å fordrive ethvert mørke og avslutter satsen i et avbalansert, delikat drømmeri. (Denne Andantens varige appell vises ytterligere av dens innflytelse på populærkulturen: for eksempel var popsangen “Song Sung Blue” av Neil Diamond direkte basert på denne melodien[32].)
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
- Allegro vivace assai (C-dur) – Finalen er en rask rondo, som vender tilbake til hjemmetonearten C-dur med jublende energi. Den begynner uten introduksjon: soloklaveret hopper umiddelbart inn med et lyst, lekent tema, som orkesteret deretter svarer på[33]. (Mozart lånte dette spenstige hovedtemaet fra ett av sine tidligere verk – Konsert for to klaverer i Ess, K. 365 – og gjenbrukte det på finurlig vis i en ny kontekst[34].) Musikken er livlig og godmodig, og beholder en “opera buffa” følelse av komedie og spontanitet[33]. Rondoens episoder viser pianistens smidighet med raskt passasjespill og orkesterets livlige svar, inkludert fanfareaktige tutti-utbrudd og vittige replikkvekslinger. Det ligger en sorgløs, “bekymringsløs, bråkete livlighet” i denne finalen, der det frekke hovedmotivet stadig vender tilbake og driver musikken fremover[35]. Til tross for satsens lekne, virtuose overflate er Mozarts håndverk tydelig i hvor ryddig rondoen er strukturert og hvordan temaene fra klaver og orkester griper inn i hverandre. Konserten avsluttes med en briljant koda – et siste blendende løp fra solisten og en triumferende sluttakkord fra fullt orkester, som fører dette C-dur-mesterverket til en jublende avslutning[33].
Mottakelse og ettermæle
Mozarts Klaverkonsert nr. 21 ble varmt mottatt fra aller første fremføring. Urfremføringen 10. mars 1785 – som inngikk i en av Mozarts egne utsolgte abonnementskonserter – var et høydepunkt i Wiens musikksesong[5]. Den wienske pressen og publikum lot seg imponere av Mozarts dobbel rolle som komponist og utøver. Niemetschek, en Praha-basert biograf som dokumenterte Mozarts liv kort tid etterpå, fortalte at Mozarts spill «fengslet hver eneste tilhører og etablerte Mozart som sin tids fremste klaverspiller.»[6] Også Leopold Mozart roste sønnens nye konsert, men bemerket at den var «forbausende vanskelig» å spille[36] – en kommentar som gjenspeiler verkets tekniske krav, særlig i de hurtige ytre satsene. Nr. 21 regnes da også som en av Mozarts mer krevende konserter, som krever en raffinert balanse mellom virtuositet og elegant tilbakeholdenhet. Leopolds besøk i Wien i 1785, da han hørte denne konserten, skulle vise seg å bli siste gang far og sønn så hverandre[36], noe som ga anledningen en spesiell vemodighet.
I årene og århundrene etter debuten har C-dur-konserten K.467 forblitt en bærebjelke i klaverkonsertrepertoaret. Pianister og forskere fremhever den ofte for den perfekte blandingen av glitrende klassisk form og dyp uttrykksfullhet. Verket viser Mozarts modne konsertstil på sitt høyeste – en modell som skulle påvirke senere komponister (Beethoven, for eksempel, bygde videre på Mozarts idé om et likestilt partnerskap mellom piano og orkester i sine egne konserter)[17][37]. Den Andante-satsen oppnådde særlig ikonisk popularitet på 1900-tallet. Bruken i filmen Elvira Madigan (1967) introduserte denne grasiøse satsen for et bredt publikum, i en slik grad at hele konserten fikk kallenavnet «Elvira Madigan-konserten.»[29] Dette kallenavnet, selv om det er uoffisielt, gjenspeiler hvor sterkt den lyriske F-dur-melodien har slått an hos publikum. Utover filmen har konsertens melodier inspirert utallige fremføringer, innspillinger og til og med bearbeidelser i andre sjangre (som nevnt, en poplåt og andre referanser).
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
Kritikere fra 1800-tallet og fremover har beundret den polerte skjønnheten i konsert nr. 21 – den berømte pianisten Arthur Schnabel, som spilte den inn på 1930-tallet, kalte den et eksempel på musikk som er «for enkel for barn, men for vanskelig for voksne» (noe som fremhever den transparente perfeksjonen i Mozarts tonespråk). I dag står klaverkonsert nr. 21 i C-dur ofte på programmet hos orkestre verden over og er høyt verdsatt av utøvere for sine syngende linjer og det virtuose samspillet. Dens arv lever videre, ikke bare som en av Mozarts mest feirede konserter, men også som et definerende verk fra klassisismen – et stykke der Mozarts geni for drama, melodi og nyskapende form skinner klart for alle å høre[38][11].
Kilder:
楽譜
Pianokonsert nr. 21 i Cの楽譜をVirtual Sheet Music®からダウンロード・印刷
Mozart’s own catalogue entry and letters (1785); Program notes from the Indianapolis Symphony Orchestra[5][39]; Sofia Philharmonic program note[40][41]; Los Angeles Philharmonic essay by Orrin Howard[42][43]; Mozart’s Children blog (mozartschildren.wordpress.com)[2][4]; Elbphilharmonie Mediatheque (Juliane Weigel-Krämer)[11][17]; and other historical musicology sources.
[1][15][16][25] Piano Concerto No. 21 (Mozart) - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._21_(Mozart)
[2][3][4][8][12][14][19][21] 9 March 1785: the Majestic C Major Piano Concerto | Mozart's Children
https://mozartschildren.wordpress.com/2016/03/09/9-march-1785-the-majestic-c-major-piano-concerto/
[5][6][18][20][23][28][30][31][33][34][36][39] Mozart: Symphony No 21 | Indianapolis Symphony Orchestra
https://www.indianapolissymphony.org/backstage/program-notes/mozart-symphony-no-21/
[7][27][32][38][40][41] Wolfgang Amadeus Mozart – Concerto for Piano and Orchestra No. 21 K.467 – Sofia Philharmonic
[9][10][11][17][37] Mozart's moment - Elbphilharmonie Mediatheque
https://www.elbphilharmonie.de/en/mediatheque/mozarts-moment/624
[13][22][24][26][29][35][42][43] Piano Concerto No. 21, K. 467, Wolfgang Amadeus Mozart
https://www.laphil.com/musicdb/pieces/2760/piano-concerto-no-21-k-467