피아노 협주곡 13번 다장조

작곡과 시대적 배경

볼프강 아마데우스 모차르트는 피아노 협주곡 13번 다장조(K. 415)를 1782~83년 빈에서 작곡했다[1]. 그는 잘츠부르크에서의 직책을 떠난 뒤 1781년 빈으로 옮겨, 궁정에 얽매이지 않는 독립적 경력을 쌓겠다는 의지로 활동을 시작했다. 빈에서의 초기 몇 해는 빠른 성공으로 점철된다. 1781년 말에는 황제 요제프 2세 앞에서 열린 유명한 피아노 경연에서 무치오 클레멘티를 이기며 주목을 받았고, 곧 빈 최고의 건반 연주자로 칭송받았다[2]. 1782년 7월에는 독일어 오페라 Die Entführung aus dem Serail (The Abduction from the Seraglio)가 대성공 속에 초연되어 그의 명성에 더욱 힘을 보탰다[2]. 이는 요제프 2세 치하에서 빈의 문화생활이 활기를 띠던 시기이기도 했다. 황제는 공개 연주회와 독일어 오페라를 장려했고, 정치적으로는 계몽주의의 이상이 공기를 타고 퍼져나가던 때였다. 귀족과 신흥 부르주아는 열성적인 음악 후원자였다. 이런 분위기 속에서, 1782년 새로 결혼한 모차르트는 궁정 급여 없이 생계를 꾸려야 하는 현실과 마주했고, 대중을 사로잡고 제자와 후원자를 끌어들이기 위한 방편으로 피아노 협주곡 작곡에 힘을 기울였다.

모차르트는 피아노 협주곡 13번을, 빈에서 자신이 주최한 구독 연주회(subscription concerts)를 위해 기획한 세 곡의 피아노 협주곡(K. 413, 414, 415) 가운데 하나로 썼다[3]. 이는 그가 빈에 정착한 뒤 비교적 이른 시기에 작곡한 협주곡들로, 공개 연주 문화 속에서 ‘작곡가-피아니스트’로서 자신의 역량을 보여주도록 정교하게 꾸며졌다. 그는 이런 연주회(‘아카데미’)를 직접 조직했는데, 공연장을 빌리고 오케스트라를 고용하며 티켓을 판매하는 방식이었다. 1780년대 초반으로서는 여전히 신선한, 기업가적 접근이었다[4]. 다장조 협주곡 13번은 1783년 3월 23일, 부르크테아터에서 열린 모차르트의 자선·기금 연주회에서 작곡가가 피아노를 맡아 초연했을 가능성이 크다[5]. 황제 요제프 2세가 참석해 작품을 매우 흡족해 했고, 한 보고서는 다장조가 지닌 장대한 성격 때문에 이 곡을 “진정으로 황제다운 협주곡”이라고 불렀다고 전한다[6]. 주목할 점은, 모차르트가 이 협주곡들을 ‘감식가’와 더 넓은 대중 모두를 겨냥해 썼다는 사실이다. 그는 아버지에게 보낸 유명한 편지에서, 이 작품들이 “너무 쉽지도 너무 어렵지도 않은 행복한 중용을 이루며, 매우 화려하고 귀에 즐거우면서도 자연스럽되 시시하지는 않다”고 했고, 전문가를 만족시키는 구절이 들어 있으면서도 “덜 배운 사람들도 반드시 기뻐할 수밖에 없도록” 쓰였다고 강조했다[7]. 1783년 모차르트는 이 세 협주곡을 필사 악보 형태로 구독 판매한다는 광고까지 냈는데, 여기서도 이 곡들이 완전한 관현악 편성뿐 아니라 실내악 버전으로도 연주 가능하다고 강조해, 직업 연주자와 아마추어 모두에게 매력적으로 다가가게 했다[8].

편성

협주곡 13번은 독주 피아노(당시 모차르트는 포르테피아노를 연주했을 것이다)와, 오보에·바순·호른·트럼펫을 각각 2대씩, 팀파니, 그리고 현악기로 이루어진 관현악을 위해 쓰였다[9]. 트럼펫과 타악기를 포함한 다장조의 완전한 편성은, 이 조성에서 모차르트의 장대한 작품들이 지니는 의전적이고 눈부신 밝음을 부여한다. 하지만 이 협주곡(그리고 동반 작품인 K. 413과 K. 414)의 두드러진 특징은, 모차르트가 처음부터 축소 편성으로도 연주 가능하도록 설계했다는 점이다. 출판 예고문에서 그는 이 협주곡들이 “관악기를 포함한 큰 오케스트라로도, 또는 단지 ‘quattro’로도” 연주될 수 있다고 설명했는데, 이는 완전한 관현악 대신 현악 4중주 반주(쳄발로 또는 피아노 포함)를 뜻한다[9][8]. 실제로 현악 파트가 충분히 풍성하게 쓰여 있어 관악기가 빠져도 곡의 효과가 유지되며, 모차르트 자신도 작은 장소나 앙상블을 위해 현악 4중주(대개 저음선을 더블링해 보강)만으로도 연주할 수 있다고 언급했다[8]. 오늘날 연주에서도 때때로 이런 실내악 버전을 택해, 음악의 친밀한 면모를 부각시키곤 한다.

흥미롭게도, K. 415에 트럼펫과 팀파니가 포함된 것은 현실적 필요에 따른 ‘후대의 추가’였을 가능성이 있다. 한 설명에 따르면, 초연에서 이 협주곡을 들은 황제 요제프 2세가 매우 흡족해하자 모차르트는 몇 주 뒤 재연을 잡았고, 황제가 다시 참석한다는 소식을 들었다. 같은 경험으로 군주를 지루하게 하고 싶지 않았던 모차르트가, 두 번째 청취를 위해 “곡을 돋보이게 하려고 트럼펫과 드럼을 덧붙였다”는 것이다[10]. 이런 손질은 모차르트의 실용적 쇼맨십을 보여주며, 결과적으로 축제적 금관과 타악기를 갖춘 이 버전이 오늘날까지 전해진다. 즉, 현악만의 간결한 4중주에서부터 트럼펫의 팡파르가 빛나는 완전한 관현악 색채에 이르기까지, 편성을 유연하게 조정할 수 있다는 점이 이 협주곡의 중요한 특징이다. 이는 서로 다른 환경에서의 연주를 염두에 둔 모차르트 시대의 경제적 현실을 반영함과 동시에, 악기 편성이 음악의 성격에 미치는 극적 효과를 그가 얼마나 예민하게 인식했는지도 말해준다.

볼프강 아마데우스 모차르트의 피아노 협주곡 13번 다장조 K. 415. 피아노 겸 지휘: 다니엘 바렌보임, 빈 필하모닉 연주:

형식과 음악적 성격

이 협주곡은 고전주의 협주곡의 전형적인 3악장 구조(빠름–느림–빠름)를 따르지만, 그 틀 안에서 모차르트는 독특한 반전과 선명한 성격을 제시한다. 전반적으로 모차르트의 빈 시기 피아노 협주곡들은 독주자와 오케스트라가 거의 극적으로 대화를 나누는 형태로 구상되어 있다[11]. 13번의 기본 조성인 다장조는 특히 중요하다. 모차르트는 다장조를 흔히 의전적이고 눈부신 성격의 음악에 배정했으며, 찬란한 음향과 때로는 군악을 연상시키는 몸짓이 특징이다[12]. 실제로 이 작품은 훗날의 다장조 협주곡(21번과 25번)과 “Jupiter” 교향곡과도 축제적 기운을 공유하며, 자신감 있고 경축하는 어조를 발산한다[12]. 동시에 모차르트는 음악 설계에 은근한 세련미를 심어, “배운 이”와 일반 청중 모두를 만족시키려는 자신의 의도를 여러 층위에서 성취한다.

제1악장. Allegro – 1악장은 소나타-알레그로 형식이며, 다장조 협주곡으로서는 이례적으로 여리게, 그리고 대위적으로 시작한다. 오케스트라는 조용한 fugato(주제의 모방적 진입) 양식으로 온화한 제1주제를 제시하는데, 이는 훗날의 다장조 협주곡 21번을 떠올리게 하는 절제된 출발이다[13]. 이 억제된 fugato 서두는 곧 더 밝은 투티로 전환되고, 관현악 제시는 한 번만 등장하고 다시는 돌아오지 않는 것까지 포함한 ‘잡다한’ 주제 아이디어의 묶음을 펼쳐 보인다[14]. 실제로 이 지점에서의 구조는 정통 소나타 형식에서 다소 벗어나 있다. 초반 관현악 구간에 제시된 놀랄 만큼 많은 소재가 이후 협주곡에서 재현되지 않기 때문이다[14]. 독주 피아노가 들어올 때도 관현악의 주제를 단순 반복하지 않는다. 짧은 쉼 이후 피아노는 새로운 선율 소재를 제시하고, 제1주제의 맨 처음을 스쳐 지나가듯 잠깐 메아리칠 뿐이다[14]. 전개부 역시 주로 독주자가 도입한 새 아이디어에 집중하며, 주요 주제는 잠깐 스쳐간다[14]. 재현부도 상상력 있게 처리된다. 피아니스트가 원래 ‘자신의’ 독주 구간 주제로 재현부를 열고, 모차르트는 이 악장에 직접 카덴차까지 써두었는데, 그것이 의도적으로 협주곡의 주된 서두 주제를 전혀 언급하지 않는 점이 특히 눈에 띈다[15]. 이런 선택들은 미묘하지만, 악장 전체에 마치 엄격한 교과서적 대칭을 따르기보다 여러 관점을 탐색하는 듯한, 열려 있는 대화적 감각을 부여한다. 전체 성격은 생기 있고 우아하며 피아노를 위한 화려한 패시지워크가 두드러진다. 다만 일부 비평가들은 피아노가 등장한 뒤 아이디어가 지나치게 넘쳐 1악장이 다소 산만하게 느껴질 수 있다고 지적해왔다[16].

제2악장. Andante – 바장조의 중간 악장은, 축제적인 양 끝 악장과 대비되는 친밀한 분위기를 제공한다. 모차르트는 원래 전혀 다른 느린 악장을 구상했는데, 먼저 다단조의 진지한 Adagio를 스케치했다[17]. 이는 (모차르트가 비애를 위해 즐겨 쓰던) 다단조의 어둡고 비극적인 삽입부가 되었을 테지만, 그는 결국 이 초안을 포기했다. 대신 따뜻한 바장조로 더 부드러운 Andante를 새로 작곡하고, 단순한 A–B–A(3부 형식)를 택했다[17]. Andante는 조용히 흐르는 칸타빌레로 펼쳐지며, 본질적으로 노래처럼 성격이 짙다. 주요 주제는 우아하고 서두르지 않는 선율로, 매번 다른 장식으로 변주되어 재등장하면서 반복 주제에 대한 모차르트의 절제된 변주 감각을 보여준다[17]. 이 악장의 관현악법은 특히 정제되어 있다. 설령 관악기를 빼고 “a quattro”로 연주하더라도, 현악 작법만으로 섬세한 교직을 충분히 만들어낸다. 예를 들어 도입부에서 제2바이올린과 비올라에 서로 얽히는 선을 부여하고, B부분 시작에서는 제1바이올린이 이례적으로 높은 G음을 길게 유지하며 음향의 꼭대기를 덮어, 시작부에 숨죽인 듯한 반짝임을 만든다[17]. 이런 터치들이 Andante에 투명하고 친밀한 질감을 부여한다. 전체적으로 이 악장은 서정적이고 균형 잡혀 있어, 잠시 달콤한 휴식을 제공한다. 한 해설자가 표현했듯 “조용히 흐르는” 음악이며, 우울한 단조 Adagio보다 빈의 취향에 더 잘 맞았을 법한 우아함으로 청중을 매료했을 것이다.

제3악장. Allegro – 피날레는 경쾌함과 으스스할 만큼 아름다운 정서를 섞어, 듣는 이를 놀라게 하는 활기찬 론도다. 6/8박자로 시작하며, 피아노가 홀로 명랑하게 주요 주제를 선언한다. 소박한 춤곡 같은 매력이 있는 흔들리는 선율이다[18]. 오케스트라는 이 주제를 되받아 반복한 뒤, 자체적인 후속구로 이어가는데, 종지를 늘려 주는 “매력적인 5마디 구절”이 더해져 유쾌한 기분을 단단히 붙잡는다[18]. 여기서 모차르트는 뜻밖의 전개를 택한다. 템포가 2/4로 바뀌고 음악은 다단조로 꺾이며, 론도 한가운데 전혀 새로운 에피소드가 등장하는 것이다[18]. 이 대목에서 피아노는 박동하는 반주 위로 우울한 아리아를 풀어내며, 갑작스러운 사색과 드라마의 순간을 만든다. 흥미롭게도, 이 dolorous한 다단조 에피소드는 사실 모차르트가 처음에 작곡했다가(그리고 폐기한) 다단조 느린 악장을 위해 마련했던 “진지한” 소재를 바탕으로 하고 있다[19]. 이를 피날레로 옮겨 심음으로써, 모차르트는 밝은 작품 한가운데에 잠깐의 정서적 그늘을 능숙하게 엮어 넣는다. 이 극명한 대비 덕분에 다장조로의 복귀는 더욱 효과적이다. 단조의 진심 어린 몽상 뒤에 원래의 론도 주제가 돌아오며 다시 햇살을 불러온다. 마지막 부분에서는 앞서 등장했던 주제와 분위기들이 변형된 모습으로 재방문하는데(한 프로그램 노트가 말하듯 “다른 옷을 입고 재진술”된다[18]). 특히 모차르트는 요란한 종결을 택하지 않는다. 오히려 협주곡은 비범하게 속삭이듯 끝난다. 종결부에서 생기 넘치던 6/8 주제는 “중얼거리는 현악기” 위로 부드럽게 사그라지고, 작품은 팀파니의 섬세한 pianissimo 트레몰로(드럼롤)로 마지막 구두점을 찍는다[20]. 다장조에서 그저 희미하게 사라져 버리는 이 조용하고도 수수께끼 같은 결말은 모차르트의 피날레로서는 매우 이례적이며, 청중을 경이감 속에 남겨둔다. 해설자들은 “모차르트의 다른 어떤 피날레에도 이런 것은 없다”고 관찰해왔다[20]. 효과는 마치 즐거운 하루가 해질녘에 접어드는 듯하다. 축제적 장엄함이 물러나고, 부드럽고 서정적인 작별이 남는다. 전체적으로 피날레의 눈부심과 내성의 혼합은 협주곡의 이중적 성격을 응축한다. 우아한 선율과 기교로 즐거움을 주면서도, 다단조로의 뜻밖의 우회로 더 깊은 성찰을 유도하기 때문이다.

수용과 유산

1783년 첫 연주들에서 피아노 협주곡 13번은 선풍적 명성까지는 아니었으나, 대체로 좋은 반응을 얻었던 것으로 보인다. 모차르트 자신의 1783년 3월 23일 자선·기금 연주회(그가 이 작품을 초연했을 가능성이 큰 자리)는, 그의 말에 따르면 성공적이었다. 그는 그 연주회에 대해 “극장이 매우 가득 찼고, 나는…그토록 진심으로…규칙적인 박수의 폭포로 맞이되었다”고 썼다[21]. 황제 요제프 2세가 협주곡 연주에 참석해 호의적으로 평가한 사실은 작품에 권위 있는 후광을 부여했다. 황제가 매우 기뻐했다는 전언은 동시대인들이 이 곡을 “kaiserlich”, 즉 “황제의(imperial)” 협주곡이라 부르게 했고, 이는 다장조의 웅대한 광채를 강조하는 별칭이었다[6]. 모차르트 자신도 이 협주곡 세트(11~13번)를 예술성과 접근성의 균형에 있어 자부심을 품고 있었다[7]. 그는 이 그룹의 적어도 한 협주곡에는 (그에게는 드문 일로) 카덴차를 직접 적어 두기까지 했는데, 이는 최상의 모습으로 제시하려는 세심함을 시사한다[22]. 모차르트 생전, 이 초기 빈 협주곡들은 경쟁이 치열한 음악 수도에서 작곡가-연주자로서의 명성을 확립하는 데 중요한 역할을 했다. 1783년 빈에서 출판되어 관현악판과 실내악판 양쪽으로 유통되었고, 이는 전문 오케스트라뿐 아니라 살롱의 아마추어 연주자들 사이에서도 수요가 있었음을 보여준다[3][8].

장기적으로 보면, 협주곡 13번은 모차르트 작품 세계에서 다소 모호한 위치를 차지해왔다. 1780년대 중반에 그가 쓴 후기 피아노 협주곡들이 흔히 장르의 걸작으로 꼽히면서, 13번은 종종 그 그늘에 가려진다. 학자와 비평가들은 13번의 음악적 응집력에 대해 역사적으로 엇갈린 의견을 내놓았다. 영향력 있는 음악학자 커스버트 기들스톤(Cuthbert Girdlestone) 등은 1악장에서 아이디어가 과도하게 많고 피아노 작법이 다소 삽화적으로 느껴져, 전체가 “부분의 합보다 못하다”고 평했다. 그들은 유망한 fugato 서두와 장엄한 관현악의 고조 뒤에 피아노가 들어오면서 구조적 긴밀함이 약화된다고 주장한다[16]. 분석가 아서 허칭스(Arthur Hutchings) 역시 피아노가 끼워 넣는 구절들이 관현악 소재와 매끄럽게 결합되지 못해, 이 협주곡의 1악장에 전반적으로 약한 인상을 남긴다고 보았다[16]. 이런 비판들 때문에 13번은 모차르트 협주곡 가운데 덜 알려진 작품으로 간주되곤 했다. 상당한 매력과 흥미로운 실험을 품고 있지만, 예컨대 극적인 라단조 20번이나 사랑받는 다장조 21번만큼 자주 거론되지는 않는 것이다.

그럼에도 최근에는 역사적 악기 연주와 맥락적 재평가의 흐름 속에서 K. 415에 대한 현대적 호감이 커졌다. 유연한 편성, 정제된 느린 악장, 그리고 무엇보다 피날레의 시적인 소멸 종지 같은 독특한 특징들이 이제는 초기 빈 시기의 모차르트가 보여준 창의성과 대담함의 징표로 인식된다. 오늘날 연주자들은 모차르트가 허용한 대로, 밝은 트럼펫과 팀파니의 팡파르를 만끽할 수 있는 완전한 관현악판으로도, 더 친밀한 실내악판으로도 이 협주곡을 즐겨 연주한다. 이 작품은 주요 피아니스트들에 의해 녹음되고 연주되어 왔으며(후기 협주곡들보다 프로그램에 오르는 빈도는 낮지만), 눈부심과 섬세함이 공존하는 매력으로 여전히 청중을 기쁘게 한다. 되돌아보면 피아노 협주곡 13번은 모차르트 협주곡 작곡의 중요한 디딤돌이다. 잘츠부르크 시절의 갈랑 양식과 빈의 걸작들이 보여주는 더 깊은 세련미를 잇는 다리 역할을 한다. 비록 말년 협주곡들처럼 교향적 장엄함에 이르지는 않더라도, 다장조 13번은 1783년의 모차르트를 생생히 포착한다. 대중적 호소와 혁신 사이에서 균형을 잡으며, 황제의 전용석을 매혹할 수 있는 음악을 쓰는 동시에 형식과 표현에서도 독창적 실험을 감행한 작곡가의 모습이다. 이 작품은 모차르트 피아노 협주곡의 위대한 연속선 속에서 제자리를 차지할 만한 활기차고 흥미로운 협주곡으로 남아 있으며, 그 레퍼토리에 독특한 색채와 아이디어를 더해주는 작품으로 가치 있게 평가된다.