피아노 협주곡 12번 A장조

작곡과 역사적 배경

볼프강 아마데우스 모차르트는 빈으로 이주한 직후인 1782년 가을, 피아노 협주곡 12번 A장조 K. 414를 작곡했다[1]. 이는 그의 삶에서 커다란 전환기였다. 1781년 그는 잘츠부르크 대주교 밑에서의 직책을 극적으로 떠나, 황제 요제프 2세 치하의 활기찬 문화 중심지 빈에서 프리랜서 작곡가이자 연주자로 살아가기로 결심했다[2]. 1782년의 모차르트는 (아버지 레오폴트의 초기 반대에도 불구하고) 콘스탄체 베버와 막 결혼한 상태였고, 그해 여름 오페라 Die Entführung aus dem Serail (The Abduction from the Seraglio)의 초연 성공을 비롯해 새로운 성과를 누리며 황실 음악계에서의 명성을 끌어올리고 있었다[3][4]. 계몽주의 시대의 빈에서는 공개 연주회가 점점 늘어났고, 모차르트는 이 기회를 붙잡아 분주한 콘서트 현장에서 피아노를 연주하는 작곡가-비르투오소로서 자신의 입지를 다지려 했다.

모차르트는 이 협주곡을, 1782–83년 겨울 빈의 연주 시즌을 겨냥해 기획한 세 곡의 피아노 협주곡(11번, 12번, 13번; K. 413–415) 가운데 하나로 썼다[5][6]. 그는 1783년 사순절 기간(오페라를 위해 극장이 문을 닫는 시기)에 자신이 주최하는 연주회에서 이 신작들을 직접 연주해 빈의 청중에게 강한 인상을 남기고, 경력을 구축할 계획이었다[7][6]. 동시에 그는 선구독 방식으로 협주곡들을 출판하려고도 했는데, 이는 사실상 18세기식 크라우드펀딩이었다[8][5]. 그는 광고에서 이 세 곡의 “최근 완성된 피아노 협주곡”이 “대규모 오케스트라와 관악기를 동반해 연주될 뿐 아니라, a quattro, 즉 두 대의 바이올린과 비올라, 첼로로도” 연주될 수 있다고 강조하며, 전문 연주단체뿐 아니라 가정에서 연주하는 아마추어에게도 매력을 어필했다[9]. 구독료는 1인당 4두카트였지만 반응은 미미해 결국 계획은 접어야 했고, 이 협주곡들은 1785년 빈의 아르타리아(Artaria)에서 마침내 출판되었다[10].

구독 출판이 냉담한 반응을 얻었음에도, 모차르트는 이 협주곡들이 폭넓은 호소력을 지닌다고 확신했다. 그는 1782년 12월 아버지에게 보낸 편지에서 이 곡들을 “너무 무겁지도 너무 가볍지도 않은… 행복한 중간 지점… 매우 화려하고, 귀에 즐거우며, 싱겁지 않으면서도 자연스럽다. 여기저기 오직 감식가만이 만족을 얻을 수 있는 대목이 있지만, 그러한 대목들조차 덜 배운 사람들도 반드시 즐거워하도록—비록 그 이유를 알지 못하더라도—그렇게 쓰였다.”[11]라고 설명했다. 이 말은 K.414와 동반 작품들에서 세련됨과 접근성의 균형을 이루려는 모차르트의 목표를 잘 보여 준다. 실제로 당시 빈의 청중은 이 협주곡들을 정말로 즐겨 들었다. 모차르트의 1783년 사순절 연주회는 성공적이었고, 이후 몇 년 동안 그는 자신이 만든 음악을 자신이 ‘주인공’으로 연주하는 콘서트를 통해 빈에서 명성과 부를 쌓아 갔다. 그 중심에는 피아노 협주곡이 있었다[12]. A장조 피아노 협주곡 12번은, 오페라에서의 승리를 뒤이은 시점에 작곡되어 작곡가이자 건반 독주자로서 그의 역량을 과시하며, 모차르트가 독립적인 커리어를 본격적으로 출발시키는 데 한몫했다.

편성과 주목할 만한 특징

모차르트는 이 A장조 협주곡을 비교적 작은 고전주의 오케스트라로 편성했는데, 이는 친밀한 공간에서의 연주를 염두에 둔 “소박한” 규모를 반영한다[14]. 전체 편성은 다음과 같다.

독주 피아노: 건반 독주자(초연에서는 모차르트 자신)는 포르테피아노를 연주했으나, 모차르트는 하프시코드로도 연주할 수 있다고 덧붙였다[1].

목관악기: 오보에 2대, 바순 2대 ad libitum(바순은 첼로/콘트라베이스를 단순히 중복하며 선택 사항)[1].

금관악기: A조 호른 2대(이 협주곡에는 트럼펫과 팀파니를 사용하지 않는다).

현악기: 제1·제2바이올린, 비올라, 첼로, 콘트라베이스[1].

주목할 점: 관악 성부가 구조적으로 핵심적이지 않기 때문에, 모차르트는 이 협주곡이(동반 작품 K.413 및 K.415처럼) 피아노에 현악 4중주만 붙이는 “a quattro” 방식으로도 연주될 수 있다고 광고했다[14][9]. 18세기에는 관현악곡을 실내악 편성으로 축소해 연주하는 일이 흔했으며, 모차르트는 K.414가 전편성 오케스트라로도, 가정 음악을 위한 실내악 버전으로도 성립하도록 영리하게 설계했다. 이러한 유연성은 아마추어 구독자를 끌어들이는 판매 포인트였다. 현대 연주에서도 이 실내악 편성을 되살려, 작품을 피아노 5중주처럼 즐길 수 있게 하는 경우가 가끔 있다. 또 하나의 이례적인 점은, 모차르트가 이 협주곡을 위해 직접 기보된 카덴차를 제공했다는 사실이다. 자신뿐 아니라 다른 연주자들이 연주할 것을 예상하고, 그는 세 악장 모두에 카덴차를 써 두었다(양 끝 악장에는 각각 두 가지 대안, Andante에도 두 가지) — 총 8개의 카덴차가 남아 있다[15]. 보통 모차르트는 카덴차를 즉흥으로 연주했기에, K.414를 위한 완전한 자필 카덴차(20세기에 별도의 필사 페이지에서 발견됨)[16][17]는 그의 즉흥 스타일을 들여다볼 수 있는 특별한 창이 된다. 한 전언에 따르면, 이 카덴차들은 누이 마리아 안나(난네를)의 요청으로 작성되었을 가능성이 있으며, 이는 이 작품이 모차르트 주변의 뛰어난 아마추어들도 연주할 수 있도록 염두에 두고 만들어졌음을 시사한다[18]. 오늘날 연주자들은 K.414에서 모차르트의 카덴차를 자주 사용하며, 현대 연주 속에서도 그의 개인적 ‘손길’을 보존한다.

크리스토프 에셴바흐가 피아노에서 지휘하며 파리 오케스트라(Orchestre de Paris)와 함께 연주한 모차르트 피아노 협주곡. 2010년 2월 파리 살 플레옐에서, 그의 70세 생일을 기념해 녹음된 영상:

형식과 음악적 성격

모차르트의 피아노 협주곡 12번은 고전주의 시대의 전통적인 3악장 협주곡 구조를 따른다[19]: 빠른 1악장, 느린 중간 악장, 그리고 활기찬 피날레. 작품 전체의 성격은 우아하고 품위 있다. 모차르트와 후대의 논자들은 A장조를 서정성, 온기, 평온함의 정서와 연결지었는데, 실제로 이 협주곡은 매우 세련되고 유려하며 격렬한 감정의 동요가 거의 없다. 단조로의 일탈이나 폭풍 같은 다이내믹도 드물다[20]. 양식적으로는, 기교와 선율성을 결합하는 모차르트의 재능을 잘 보여 준다. 특히 학자들은 모차르트의 피아노 협주곡들에서 “오페라적인” 성격을 자주 언급하는데, K.414는 그 대표적 사례다[21]. 피아노 독주자는 마치 오페라 장면에 등장하는 프리마돈나처럼 다루어지며, 오케스트라와 대화를 나누는 세련되고 표현적인 “가수”가 된다. 협주곡의 각 악장은 고유한 구조와 주제적 윤곽을 지닌다.

• I. Allegro (A major): 첫 악장은 고전주의 협주곡에서 전형적인 이중 제시부를 갖춘 소나타-알레그로 형식이다. 독주자가 등장하기 전, 오케스트라가 tutti로 주요 주제들을 먼저 제시한다. 모차르트는 이 오케스트라 서주에 풍부한 선율 재료를 빼곡히 담았는데, 첫 tutti만으로도 서로 다른 주제가 무려 네 개나 등장한다[22]. 그중 하나의 부차적 주제는 비올라의 매력적인 대선율이 함께해, 관현악적 질감 속에 실내악적인 친밀감을 부여한다[23]. 그리고 마침내 피아노 독주가(초기의 관현악 진술 뒤, 오페라적 방식으로 기대감을 한껏 높인 다음에[24]) 입장하면, 독주자는 장식을 더하고 앙상블과 대화를 주고받으며 주제들을 재진술하고 확장한다. 모차르트는 피아노를 성악적 주인공으로 사용해, 때로는 중심 무대에 세우고 때로는 오케스트라를 배경으로 하거나 서로 구절을 주고받는, 예의 바른 “대화”를 만들어 낸다. 이 Allegro의 전개부는 특히 기발하다. 전개부의 시작에서 피아노가 앞서 나온 동기들만을 다루는 대신 완전히 새로운 주제를 제시하기 때문이다[25]. 이 새로운 생각은 음악을 더 어두운 조성으로 이끌어, 지금까지 햇살처럼 밝던 협주곡이 대비를 위해 단조로 파고든다. 마치 오페라 아리아의 열정적인 중간부 같은 효과다[26]. 전개부는 피아노의 높은 트릴과, 건반 최저음까지 급강하하는 여러 옥타브에 걸친 스케일이 어우러진 흥분의 절정으로 치닫는다[26]. 이 극적인 에피소드 뒤 재현부가 으뜸조로 돌아와 앞서의 주제들을 다시 불러온다. 모차르트는 이 악장을 위한 카덴차도 제공했는데(실제로 자필로 된 대안 카덴차 두 가지가 전해진다), 독주자가 마지막으로 화려한 기교를 펼친 뒤 오케스트라가 악장을 마무리할 수 있게 한다. 전반적으로 1악장은 정중한 우아함과 번뜩이는 기교, 대담한 창의성이 균형을 이루며, 이미 훗날의 심오한 협주곡들을 예고한다.
• II. Andante (D major): 느린 악장은 부드럽고 서정적인 간주로서, 특별한 표현적 무게를 지닌다. A장조의 딸림조인 D장조로 쓰였고, 모차르트는 Andante라고 표시해 ‘걸음걸이’ 같은 속도—차분하고 약간 사색적인 분위기—를 제시한다. 이 악장은 특히, 모차르트가 런던에서 어린 시절 친구이자 스승으로 삼았던 요한 크리스티안 바흐에 대한 음악적 경의로 주목받는다. 시작부터 모차르트는 J. C. 바흐의 오페라 La calamità de’ cuori(“The Calamity of Hearts”) 서곡에 등장하는 주제를 인용한다[27][28]. (J. C. 바흐는 이 협주곡이 쓰이기 불과 몇 달 전인 1782년 1월에 세상을 떠났고, 모차르트는 그 소식에 큰 슬픔을 느끼며 바흐의 죽음을 “음악계의 손실”[27]이라 불렀다.) 모차르트는 Andante에 바흐의 선율을 엮어 넣음으로써, 이 악장을 고인이 된 스승에게 바치는 애정 어린 헌사, 혹은 음악적 비문으로 삼으려 했던 것으로 보인다[27]. Andante의 정서는 대체로 다정하고 노래하듯 흐른다. 말 없는 소프라노 아리아를 떠올리기도 쉽다. 모차르트의 프레이징은 우아하게 장식되어 있으며, 피아노는 종종 드문드문한 반주 위에서 길고 cantabile한 선율선을 “노래하듯” 이어 간다. 대체로 평온하지만 감정의 복합성이 없는 것은 아니다. 모차르트는 여러 차례 단조로의 일탈과 예상치 못한 전조를 도입해, 표면의 아름다움 아래에 달콤쓸쓸하고 비가적인 색채를 더한다[29]. 이러한 애잔한 단조 대목들은, 이 Andante가 J. C. 바흐를 향한 진심 어린 추모임을 한층 강화한다. 관례대로 모차르트는 이 악장에도 짧은 카덴차를 써 두었는데(실제로 두 가지가 있어 연주자는 선택할 수 있다). Andante는 조용하고 내성적으로 끝나, 이어질 경쾌한 피날레를 위한 무대를 마련한다.

• III. Rondeau: Allegretto (A major): 협주곡은 A장조의 경쾌하면서도 품위 있는 Allegretto로 마무리되며, 론도(되풀이되는 주제와 대조적인 에피소드의 교대)에 소나타 형식의 요소가 결합된—사실상 소나타-론도—형식으로 되어 있다. 겉보기에는 형식이 단순해 보이지만, 모차르트는 재치 있는 놀라움을 곳곳에 심어 둔다. 오케스트라는 론도의 시작에서 짧은 도입부로 사실상 두 개의 주제를 제시한다. 먼저 트릴로 장식된, 깡충깡충 뛰는 듯한 장난스러운 선율이 나오고, 이어 세 음으로 하행하는 동기를 여러 번 반복하는 forte 유니즌 구절이 이어진다[30]. 통상이라면 독주 피아노가 이 선율들을 이어받을 것 같지만, 피아노가 들어오자마자 오케스트라의 멜로디를 뚜렷하게 무시하고, 전혀 새로운 자기만의 선율을 풀어낸다[31]! 이 기대의 배반은 악장에 신선하고 변덕스러운 느낌을 부여한다. 결국 피아노는 다시 돌아와 오케스트라가 먼저 제시했던 주제들을 자기식으로 소개하고, 악장은 론도 특유의 후렴과 에피소드의 교대를 따라 진행된다. 피아노와 오케스트라 사이의 담화는 과시적 폭발이라기보다 생기 있고 우아한 쪽에 가깝다. 더 빠른 템포 속에서도 모차르트는 일정한 세련미를 유지하며(앞서 언급한 A장조의 “서정적이고 평온한” 성격은 여전히 빛난다), 마지막까지 품격을 잃지 않는다. 피날레의 진행 과정에서 모차르트는 형식적 관습을 계속해서 가지고 논다. 예컨대 주제들이 활발히 얽힌 뒤 카덴차가 등장하는데, 여기서도 모차르트는 청자를 놀라게 한다. 기보된 카덴차가 독주자의 독백으로만 남지 않고, 곡의 종결로 가기 전에 잠깐 오케스트라와의 대화로 이어지기 때문이다[32]. 카덴차 ‘안’에서 피아노와 오케스트라가 상호작용하는 이 기묘한 장치는, 고독한 비르투오소의 순간을 기대하는 관습을 교묘히 비튼 혁신적 발상이었다. 이어 론도는 주제의 명랑한 재현과 A장조의 밝은 조성에서의 마지막 화려한 마무리로 끝을 맺는다. (덧붙이자면, 모차르트는 비슷한 시기에 A장조의 별도 작품인 콘서트 론도 K.386도 작곡했다. 이 론도는 한때 A장조 협주곡의 대체 피날레일 수 있다는 추측이 있었지만, 자필 악보의 증거는 K.414의 Allegretto가 처음부터 의도된 종악장이었음을 보여 준다[[33]](https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._12_\(Mozart\)#:~:text=It%20was%20the%20first%20of,end%20of%20the%20slow%20movement).)

수용과 유산

당대의 반응: 모차르트가 1783년 대중에게 피아노 협주곡 12번(K.414)을 선보였을 때, 그것은 그가 직접 기획한 연주회 시리즈의 일부였고, 반응도 따뜻했던 것으로 보인다. 구체적인 연주평은 많이 남아 있지 않지만, 빈의 청중이 모차르트의 협주곡을 “확실히 듣기 좋아했다”는 사실은 알려져 있다[12]. 이러한 작품들은 빠르게 그의 연주회의 중심 레퍼토리가 되었고, 1780년대 중반 모차르트의 명성을 끌어올리는 데 결정적 역할을 했다[12]. 처음에는 빈의 아마추어 시장이 가정용으로 협주곡을 사는 데 큰 관심을 보이지 않았지만(모차르트는 구독자의 부족을 한탄했다), 실연은 성공적이었고, 이는 아들 모차르트의 ‘빈에서의 도박’이 성과를 내고 있음을 아버지 레오폴트에게 납득시키는 데도 도움이 되었다[34][35]. 1782년부터 1786년 사이에 모차르트가 쓴 15개의 피아노 협주곡은 빈에서 그를 최고 수준의 피아니스트-작곡가로 굳히는 기반이 되었고, K.414는 그 초기의 승전보 가운데 하나였다[12].

중요한 점은, K.414가 대중뿐 아니라 당대의 감식가들에게도 사랑받았다는 것이다. 우아한 선율과 영리한 혁신이 결합된 이 작품은, 편지에서 모차르트가 약속한 바—“덜 배운 사람”과 “감식가” 모두를 만족시킬 무엇—을 정확히 구현했다[11]. J. C. 바흐에 대한 헌사(음악적으로 교육받은 청중이 알아챌 수 있는 암시) 같은 장치, 그리고 과장되지 않으면서도 품위 있는 독주 파트의 기교가 동시대의 동료들과 귀족 후원자들에게 높이 평가되었을 법하다. 또한 이 협주곡이 빈 밖으로도 유통되었다는 증거가 있다. 예를 들어 모차르트의 누이와 제자들이 악보 사본을 구한 것으로 알려져 있고, 이는 모차르트가 기보된 카덴차를 제공하게 된 배경이 되었다. 즉 이 작품은 공공 콘서트홀뿐 아니라 사적인 살롱과 아카데미에서도 생명력을 지녔음을 시사한다.

후대의 평가: 시간이 흐르면서 A장조 피아노 협주곡 12번은, 비록 후기의 웅장한 협주곡들보다 규모는 친밀하지만, 모차르트 작품 세계에서 존중받는 위치를 유지해 왔다. 1782–83년의 초기 빈 협주곡 세 곡 가운데 K.414는 “항상 이 세트에서 가장 사랑받는 작품”으로 꼽혀 왔는데, 아마도 모차르트의 협주곡이 동시대 작품들과 구별되는 특징—즉 오페라처럼 노래하는 성격—을 가장 분명하게 드러내기 때문일 것이다[36]. 18세기의 많은 협주곡에서 건반은 오케스트라와 기계적으로 교대하는 데 그치곤 했지만, 모차르트는 이 장르를 극적이고 대화적인 것으로 바꾸어 놓았다. K.414에서는 피아노의 “스타” 같은 개성, 풍부한 주제의 팔레트, 느린 악장의 표현적 깊이가 훗날의 위대한 협주곡들을 향해 나아가는 방향을 또렷이 가리킨다. 실제로 음악학자들은, 이 1782–83년 협주곡들이 1777년의 대담한 피아노 협주곡 9번(“Jeunehomme”)에 비해 어떤 면에서는 더 단순하고 더 갈랑트하다고 보면서도, A장조 협주곡이 초기 작품들 가운데 “두드러지며” 세련된 음악적 효과 면에서 성숙기의 작품들을 예고하는 선구자로 볼 수 있다고 말한다[37]. 넘쳐나는 선율과 섬세한 관현악적 필치는 1784–86년의 걸작들을 미리 보여 준다.

19세기와 20세기 초에는 20번 d단조나 21번 C장조처럼 후기의 협주곡들이 낭만주의 시대의 거대한 콘서트홀에 더 잘 어울리며 K.414의 인기를 다소 가리기도 했다. 그럼에도 K.414가 레퍼토리에서 사라진 적은 없다. 이 작품은 명료한 고전주의적 미덕으로 평가받았고, 모차르트 협주곡 전곡 연주에서도 자주 포함되었다. 20세기 연구는 이 협주곡의 독특한 특징들에 새로운 빛을 비추었다. 예컨대(앞서 언급한) 모차르트 자필 카덴차의 재발견, 그리고 J. C. 바흐 인용의 확인은 작품의 역사적·개인적 맥락에 대한 현대의 이해를 한층 풍부하게 했다. 오늘날 피아노 협주곡 12번은 관현악 편성과 실내악 편성 모두에서 연주된다. 어떤 연주자들은 모차르트가 의도한 규모를 되살리기 위해 시대악기(포르테피아노에 현악 4중주 또는 소규모 오케스트라)를 사용하고, 다른 이들은 현대 피아노와 충분한 현악 편성으로 연주하면서도 작품 특유의 섬세한 매력을 살려 낸다. 이 곡은 꾸준히 녹음되고 연구되며, 우아하고 노래하는 성격, 그리고 대중적 호소와 예술적 세련미를 교묘히 결합한 점이 자주 강조된다.

요컨대 모차르트의 피아노 협주곡 12번 A장조 K.414는 작곡가의 인생에서 결정적인 순간에 탄생했으며, 균형과 명료함이라는 고전주의 이상을 구현한다. 이 작품의 탄생은 빈에서 새로운 청중을 사로잡고, 아름다우면서도 시장성 있는 음악을 제시해야 했던 모차르트의 필요에서 비롯되었다. 그리고 그는 성공했다. 협주곡의 우아한 선율, 정제된 관현악법, 그리고 혁신의 한 줄기들은 시간의 시험을 견뎌 왔다. 사랑하는 스승에게 경의를 표하는 진심 어린 Andante에서, 장난기 어린 반전이 살아 있는 기백 넘치는 론도 피날레에 이르기까지, K.414는 1782년 모차르트의 세계—계몽된 예술성이 기악곡 속으로 오페라적 감각을 스며들게 하는 세계, 그리고 빈의 분주한 국제도시적 삶 한가운데서 젊은 천재가 수세기 뒤에도 학자와 청중 모두를 즐겁게 하는 작품을 빚어낸 세계—를 들여다볼 수 있게 해 준다.