현악 사중주 제20번 D장조, “호프마이스터”(K. 499)
沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特
모차르트의 현악 사중주 D장조, K. 499는 1786년 8월 19일 빈에서 완성된 작품으로, 흥미로운 교차로에 서 있다. 여섯 곡의 “하이든” 사중주 이후에 쓰였지만, 뒤이은 “프로이센” 사중주 세트 이전에 자리한 이 작품은 도시적 세련미와 유난히 학구적인 대위법적 날을 한데 엮어낸다.[1] 작곡가이자 출판업자였던 프란츠 안톤 호프마이스터에게 헌정된 탓에 붙은 별칭은 때로 작품의 더 깊은 의미를 가리기도 한다. 그러나 이 사중주는 30세의 모차르트가, 매력을 잃지 않으면서도 사중주 담론을 어디까지 ‘대화적’이면서 동시에 건축적으로 “진지하게” 밀어붙일 수 있는지를 시험한 결과물이다.[1]
배경과 맥락
1786년의 빈은 모차르트에게 바깥으로는 가시성이 커지고, 안으로는 압박이 깊어지던 해였다. 5월에는 Le nozze di Figaro가 초연되었고, 그는 음악적으로 활기차지만 경제적으로는 냉혹한 도시에서 프리랜서 음악가로 살아가고 있었다. 실내악, 특히 현악 사중주는 빈의 교양 있는 살롱 문화 속에서 점점 더 성숙한 “어른의” 언어가 되어가고 있었으며, 그 중심에는 무엇보다도 장르를 논쟁과 기지, 그리고 학구적 기법의 장으로 변모시킨 요제프 하이든의 영향이 있었다.
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모차르트가 하이든에게 헌정한 여섯 곡의 사중주(1782–85)는 흔히 그 시점까지의 그의 사중주 작법을 결정적으로 정점에 올려놓은 작품군으로 평가된다. 그리고 이듬해 작곡된 K. 499는 때때로 그 흐름에서 약간 비껴선, 거의 후일담 같은 작품으로 묘사되기도 한다. 그러나 그런 관점은 오해를 낳을 수 있다. “호프마이스터” 사중주는 단순히 기분 좋은 방향으로 후퇴하지 않는다. 오히려 하이든적 이상을 한층 정제해, 간결하면서도 지적으로 긴장감이 살아 있는 양식으로 다듬어낸다. 몇 마디 사이에도 가벼운 투명함에서 촘촘한 모방으로 질감이 재빨리 전환될 수 있다.
이 맥락에서 중요한 또 하나의 요소는 실무적 사정, 즉 출판업자와의 관계다. 아르타리아가 출판하고 ‘대형 세트’로 유통된 하이든 사중주들과 달리, K. 499는 한 인물—프란츠 안톤 호프마이스터(1754–1812)—와 직접 연결되어 있다. 그는 빈의 작곡가이자 점차 중요한 출판업자로 자리 잡아가던 인물이다.[5] 이름은 호프마이스터 쪽이 남았지만, 더 의미심장한 이야기는 이 헌정이 모차르트의 직업적 현실을 어떻게 드러내는가에 있다. 안정적인 궁정 직위를 갖지 못한 작곡가에게 출판은 생명줄이면서도 동시에 제약이 될 수 있었다.
작곡과 헌정
모차르트는 자신의 주제 목록(작품 목록)에 이 사중주를 1786년 8월 19일자로 기입해, 완성일을 이례적으로 정확히 못 박았다.[1] 이 날짜는 그 목록 기입을 바탕으로 한 현대의 학술 자료에서도 반복 확인된다.[2] 작품은 빈에서 작곡되었는데, 여기서 “빈”은 단지 장소를 뜻하는 말이 아니다. 현악 사중주 관습에 정통하고, 예컨대 모차르트가 대위법을 ‘학식의 과시’가 아니라 서정성의 자연스러운 연장선처럼 느끼게 만들 때 그 차이를 알아차릴 수 있는 청중을 전제한다.
호프마이스터에게 바친 헌정은 상보적인 두 해석을 허용한다. 한편으로는 우정과 직업적 연대의 표시다. 호프마이스터는 모차르트의 작품을 출판했으며, 작곡가의 실무적 네트워크 안에 있었다.[1] 다른 한편으로는 인쇄 문화의 경제학을 가리킨다. 1780년대에 사중주를 귀족 후원자 대신 출판업자에게 헌정하는 일은 뚜렷한 사회적 변화의 징후였다. 이는 모차르트가 이 경우 귀족의 매개에 기대기보다, 새롭게 부상하던 시장과 직접 교섭하고 있었음을 시사한다. 이 사중주가 위촉작이었는지, 호프마이스터를 위해 쓴 것인지, 혹은 단지 출판 가능한 자산으로 제안된 것인지는 추론의 영역에 남지만—헌정 자체가 예술과 생계가 얼마나 긴밀히 얽힐 수 있는지를 보여준다.
출판사는 또 다른 층위를 더한다. 후대의 편집 코멘터리는 K. 499가 권위 있는 세트의 일부가 아니라, 하나의 독립된 출판물로 유통되었다고 지적해 왔는데, 이런 사정이 모차르트 사중주 “발전”을 다루는 큰 서사에서 이 곡이 종종 덜 논의되는 데 한몫했을 수 있다.[6] 그러나 작품의 공력은 ‘우연적’ 소품이라는 생각을 강하게 거부한다. 오히려 이는 네 악장으로 치밀하게 논증된 작품이며, 그 진지함은 스스로를 요란하게 드러내지 않는 방식으로 전해지는 경우가 많다. 동기의 인내심 있는 맞물림, 주제적 책임의 세심한 분배, 그리고 우아한 표면 속에 대위법적 장치들이 내장되는 방식이 그렇다.
형식과 음악적 성격
I. Allegretto (D장조)
모차르트는 단호한 Allegro가 아니라 Allegretto로 시작한다. 이 템포 선택은 중요하다. 악장의 성격은 흔히 상냥하거나 균형 잡혔다고 말해지지만, 날카로움은 ‘균형 잡힌’ 재료가 얼마나 빠르게 능동적 대화로 전환되는지에서 생긴다. 제1주제는 ‘다룰 수 있도록’ 만들어져 있다. 성부들 사이에서 교환될 수도, 선율 윤곽이 뒤집힐 수도, 모방으로 끌려 들어갈 수도 있지만 정체성을 잃지 않는다. 이는 선율-반주 방식이 아니라, 모든 성부가 논증할 수 있어야 하는 대화로서의 사중주를 쓰는 모차르트다.
특히 흥미로운 현대 편집상의 논쟁은 전개부 시작 부분의 강약 표기에 관한 것이다. 남아 있는 자료들은 모호함을 남기고, 후대 판본들은 단정적인 표기로 이를 “해결”하려 했다. 헨레의 편집 논의는 전승된 이러한 강약 가운데 일부가 오류일 수 있다고 주장하며, 연주자들에게 전개부가 얼마나 날카롭게 고조되어야 하는지를 결정할 정당한 자유—더 정확히는, 결정을 내려야 할 의무—가 남아 있음을 말한다.[3] 이는 사소한 엄밀주의가 아니다. 전개부 도입은 정중한 표면 아래에서 보다 극적인 화성과 수사적 태도가 갑자기 드러나는 지점 중 하나다. 그 전환이 부드러운 심화로 들릴지, 결정적인 충격으로 들릴지는, 일정 부분 이런 “작은” 선택들에 달려 있다.
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II. Menuetto: Allegretto – Trio (D장조; Trio는 D단조)
이 미뉴에트는 궁정풍 장식에 그치지 않는다. 모차르트는 무용가의 명료함으로 쓰되, 동시에 극작가처럼 생각한다. Trio는 D단조로 축을 돌리며 무게중심을 내면으로 옮긴다. 이 변화는 목적을 위한 대비라기보다, 사중주의 정서 스펙트럼을 다시 비추는 ‘사적인 삽화’ 같은 느낌을 준다.
Trio의 단조 색채는 이 악장에서 가장 하이든적인 제스처 중 하나이기도 하지만, 모차르트의 처리 방식은 다르다. 그는 소박함이나 의도된 거칠음을 강조하기보다 절제된 강도로 기운다. 성부들은 더 가까이 모이고, 모방은 더 두드러지며, 다이내믹이 크지 않더라도 화성 진행의 박동이 더 “고집스럽게” 느껴질 수 있다. 연주에서 앙상블은 이것을 그늘진 우아함의 순간으로 볼지, 혹은 드라마틱한 끼어듦에 가깝게 볼지를 선택하곤 하는데—이 갈림길은 모차르트의 표면적 “고전주의”가 얼마나 유연한지를 드러낸다.
III. Adagio (G장조)
느린 악장은 이 사중주에서 가장 은근히 급진적인 공간 중 하나다. 서정성은 분명하지만, 모차르트는 각 선율이 충분히 드러나도록 노출된 질감을 유지해, 모든 굴곡이 의도적으로 읽히게 만든다. 하나의 지배적인 cantilena를 앞세우는 대신, 그는 특히 내성부 작법을 통해 화성의 정서적 온도를 조용히 조절하면서, 표현성을 앙상블 전반에 분산시킨다.
첫 감상에서 놓치기 쉬운 점은 이 평온함이 얼마나 “작곡된” 평온함인가이다. 모차르트는 서스펜션(준비된 불협화음이 순차 진행으로 해결되는 것)과 세심하게 배치된 반음계적 전환을 사용해, 결코 감상주의로 흘러가지 않는 다정함을 만들어낸다. 수사는 친밀하지만 고백적이지는 않다. 인물들이 낮은 목소리로 말하지만, 모든 쉼표가 의미를 갖는 오페라 장면을 닮았다.
IV. Allegro (D장조)
피날레는 D장조의 밝음을 되돌려 놓지만, 이 악장의 진짜 정체성은 대위법적 에너지에 있다. 모차르트는 주요 아이디어들을 결합 가능한 재료로 다룬다. “주제”의 연속이라기보다, 서로 호환되는 형태들의 묶음에 가깝다. 모방과 동기적 맞물림이 표면을 생기 있게 유지할 뿐 아니라, 필연성의 감각도 만들어낸다. 논증이 스스로 다음 단계를 생성하는 듯하다.
여기서 이 사중주의 더 넓은 미학이 분명해진다. K. 499는 교훈적인 “학구” 작품이 아니지만, 학구적 기법이 즐거울 수 있음을—엄숙하기보다 경쾌할 수 있음을—거듭 암시한다. 그런 의미에서 피날레는 조용한 선언처럼 들릴 수 있다. 사중주 작법은 그 사실을 과시하지 않으면서도, 오락적이면서 구조적으로 엄정할 수 있다.
수용과 유산
K. 499는 모차르트 수용사에서 다소 역설적인 위치를 차지한다. 자주 연주되고 사랑받지만, 대중적 서사에서는 “불협화음” 사중주(K. 465)의 드라마나, 뒤이은 “프로이센” 사중주들에 가려지기 쉽다. 현대의 연구와 편집 작업은 이 작품을, 세련됨과 작곡적 “사고”가 어떻게 균형을 이루는지—즉 말의 용이함과 구성적 사유를 어떻게 화해시키는지—에 정교함이 있는 작품으로 다시 조명해 왔다. 《신 모차르트 전집》의 자료는 모차르트의 목록 기입이 이 곡을 하이든 세트의 부록이 아니라, 1786년의 집중된 창작 시기에 단단히 속한 작품으로 뒷받침함을 강조한다.[2]
연주자들에게 이 사중주는, 교조주의 없이 역사적 근거에 입각한 결정을 내리는 방식의 사례 연구가 되기도 했다. 제1악장 전개부의 강약 논쟁—요컨대 후대 편집 전통이 모차르트의 의도를 덮어써 버렸는지 여부—는, 잘 알려진 작품조차도 수사학과 문헌학이 맞닿는 층위에서 해석적으로 열려 있을 수 있음을 보여준다.[3] 그 결과 서로 매우 다른 방식으로도 설득력 있게 “옳게” 들리는 연주가 가능해진다. 어떤 앙상블은 도시적 우아함과 대화적 탄력을 강조하고, 또 다른 앙상블은 대위법적 긴장감을 전면에 내세워, 이 작품이 후대 사중주들에서 더 두드러지는 특수한 음색 감각과 악기 위계로 향하는 다리처럼 느껴지게 한다.
주목할 만한 녹음 전통을 하나 꼽자면, 20세기 중엽 빈 악파의 접근법이다. 일부 청중은 유연한 프레이징과 말하듯 살아 있는 rubato를 이유로 이 방식을 높이 평가한다. 그 스타일을 담은 재발매 음반들은, 전후에 확산된 보다 엄격한 리듬적 “객관성”의 이상과 구별되는, 전쟁 이전의 모차르트 사중주 연주 계보를 보여주는 증거로 제시되기도 했다.[4] 그 함의된 미학적 위계에 동의하든 아니든, 핵심은 작품 자체와 맞닿아 있다. K. 499는 도자기처럼 취급될 때가 아니라, 살아 있는 수사로 다뤄질 때 빛난다.
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요컨대 “호프마이스터” 사중주는 자신의 숙련을 외쳐 보이기 때문에가 아니라, 숙련이 대화처럼 느껴지게 만들기 때문에 찬미받는다. 표면은 환하고 친근하지만, 내부의 작동은 끊임없이 깨어 있다—가까이 귀 기울여 듣는 즐거움 속으로 청자를 초대하는 음악이다.
[1] Köchel-Verzeichnis (Mozarteum): KV 499 work entry with completion date, place, and source notes
[2] Digital Mozart Edition / Neue Mozart-Ausgabe: English preface PDF for the string quartets volume mentioning the thematic catalogue entry for KV 499
[3] G. Henle Verlag blog: discussion of conflicting/erroneous dynamic marking tradition in the first movement of KV 499
[4] Eloquence Classics release notes: contextual commentary on a 1961 Vienna recording tradition for Mozart quartets (includes KV 499)
[5] Wikipedia: overview of String Quartet No. 20 in D major (K. 499) including nickname and publication context
[6] Italian Wikipedia: publication/dedication remarks noting KV 499 issued as a single work and Mozart–Hoffmeister publication relationship