현악 4중주 15번 d단조 K. 421 — 모차르트의 ‘하이든’ 4중주, 비극의 조성에서
av Wolfgang Amadeus Mozart
모차르트의 현악 4중주 15번 d단조 K. 421 (1783)은 훗날 요제프 하이든에게 헌정된 여섯 개의 4중주 가운데 유일한 단조 작품으로, 그의 실내악 중에서도 특히 치열하게 내면을 파고드는 성취로 남아 있다. 27세의 모차르트가 빈에서 쓴 이 작품은 하이든을 닮은 대위법적 엄정함과 뚜렷이 오페라적인 강렬함을 결합한다. 살롱의 오락이라기보다, 말 없는 드라마처럼 들리는 음악이다.
배경과 맥락
볼프강 아마데우스 모차르트(1756–1791)가 1780년대 초 빈 생활에 자리를 잡았을 때, 그는 실내악을 단순한 여흥이 아니라 일종의 감식가적 ‘스포츠’처럼 여기는 도시의 한복판에 서게 되었다. 숙련된 아마추어와 직업 연주자들이 집에서 난해한 4중주를 초견으로 연주해 보고, 작곡가가 장르의 ‘대화법’을 באמת로 이해하는지 재빨리 판가름하던 곳이 바로 빈이었다. 모차르트가 1782년 말부터 1785년 사이에 쓴 여섯 곡의 현악 4중주(K. 387, 421, 428, 458, 464, 465)는 그런 문화권에 속해 있으면서도, 동시에 그 바깥으로 살짝 비켜 서 있다. 이는 학습과 실험, 그리고 예술가로서의 자기 형성이라는 야심을 담은 작품들이며, 10여 년 전 Op. 33 4중주로 장르의 규칙을 사실상 새로 세워 버린 요제프 하이든(1732–1809)의 존재를 의식하며 빚어낸 결과였다.[1]
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K. 421은 이 세트 안에서 어둡게 예외를 이룬다. d단조는 모차르트에게 가장 수사적 에너지가 큰 조성 중 하나로, 공적인 성격—심지어 ‘비극적’ 윤곽—을 지닌 음악에 자주 쓰였다(후기의 피아노 협주곡 20번 K. 466이나 레퀴엠 K. 626이 떠오른다). 그러나 현악 4중주에서 이 조성은 다른 방식으로 힘을 발휘한다. 관악기, 트럼펫, 팀파니 같은 증폭 장치가 없기에, 강렬함은 네 개의 개별 성부로 응축되고, 오직 대화만으로 청자를 설득해야 한다. 따라서 K. 421의 드라마는 기념비적이라기보다 친밀하며, 교향적 폭풍이라기보다는 긴장감 넘치는 무대 장면에 가깝다.
여기에 인간적인 결을 더하는 층위도 있다. 1829년, 빈센트와 메리 노벨로 부부가 모차르트 ‘순례’의 일환으로 콘스탄체 모차르트를 만났을 때 전해 들었다는 후일담에 따르면, 콘스탄체는 자신이 첫 아이 라이문트 레오폴트를 출산하는 진통 중(1783년 6월 17일 출생) 모차르트가 이 4중주를 썼다고 주장했다.[2] 이를 문자 그대로 받아들이든, 가족 서사가 덧입혀진 기억으로 보든, 이 이야기는 좀처럼 뿌리치기 어렵다. 음악을 ‘설명’해 주기 때문이 아니라, K. 421을 극한의 가정적 상황 속에서—창작의 집중과 일상의 현실이 한 방을 공유하는 자리에서—태어난 산물로 보게 해 주기 때문이다.
작곡과 헌정
모차르트는 1783년 빈에서 K. 421을 작곡했는데, 이는 훗날 ‘하이든’ 세트가 되는 4중주들 가운데 처음 세 곡이 형성되던 시기였다.[2] 이 작품들은 처음부터 하나의 통일된 연작으로 즉시 출판된 것이 아니라, 모차르트가 ‘중대한 예술적 성명’으로 내놓을 수 있을 만큼 모일 때까지 축적되는 방식으로 쌓였다. 1785년에 이르러서야 빈의 출판사 아르타리아가 여섯 곡을 한 세트(모차르트의 Op. 10)로 발행했고, 하이든에게 정식으로 헌정했다.[3]
이 헌정 자체가 당시로서는 유난히 사적인 제스처였다. 작곡가들이 인쇄 악보를 귀족 후원자에게 바치는 일은 흔했지만, 상업 출판물을 다른 작곡가—그것도 당대 가장 저명한 4중주 작곡가—에게 바치는 일은 애정과 대담함이 동시에 요구되는 선택이었다. (1785년 9월 1일자로 된) 헌정문에서 모차르트는 4중주들을 유명하게도 자신의 ‘여섯 아이’라고 부르며, ‘길고 고된’ 노력의 결실이라 말한 뒤 하이든의 보호에 맡긴다고 적었다.[4]
아르타리아는 1785년 9월 17일 Wiener Zeitung에 이 세트의 출판을 알렸고, 레오폴트 모차르트는 아들이 판권 대가로 100두카트를 받았다고 전했다. 이는 높은 포부의 작품들조차 빈의 음악 시장 안에서 살아남아야 했음을 보여 주는, 드물 만큼 구체적인 단서다.[5] 하지만 상업적 사연에는 의미심장한 후일담도 있다. 이 세트의 수용과 관련된 자료들에는 훗날 판각에 오류가 많았다는 불평이 등장하는데, 이는 모차르트의 정교한 4중주 작법이 18세기 악보 인쇄의 제작 기준에 실제로 상당한 압력을 가했음을 시사한다.[5]
형식과 음악적 성격
K. 421은 4악장으로 이루어져 있으며, 모차르트의 표현 전략은 opera와 counterpoint—노래하려는 충동과 논증하려는 충동—사이의 지속적인 협상으로 들을 수 있다.
- I. Allegro (d단조)
- II. Andante (F장조)
- III. Menuetto: Allegretto (d단조) — Trio (D장조)
- IV. Allegretto ma non troppo (d단조)[6]
I. Allegro (d단조)
도입부는 놀랄 만큼 성악적이다. 숨이 긴 선율이 마치 문장 한가운데서 시작하는 듯 들린다. 그러나 곧 이 악장에서의 ‘서정’은 불안정한 기반 위에 놓여 있음을 드러낸다. 모차르트는 자신감 있는 제1주제를 제시한 뒤 장식하는 대신, 돌연한 강약 대비, 안달한 반주 음형, 종지가 도착하는 듯하다가도 곧 의심받는 듯한 지속적 감각을 통해 청자 발밑의 지반을 거듭 흔든다.
이 악장을 듣는 한 가지 생산적인 방식은 ‘4중주 내부의 위계’를 탐구하는 작품으로 보는 것이다. 하이든의 원숙한 4중주들은 성부의 평등을 핵심 가치로 세웠지만, 평등은 협력적 대화일 수도, 경쟁적 논쟁일 수도, 혹은 갈등을 감춘 취약한 예의일 수도 있다. K. 421에서 모차르트는 종종 제1바이올린의 노래하는 선율이 계속해서—때로는 지지받고 때로는 반박받으며—특히 비올라를 중심으로 한 내성부들에 의해 응답되어야 하는 것처럼 쓴다. 그 결과는 단순한 ‘4성부 작법’이 아니라, 움직이는 네 개의 심리적 역할이다.
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II. Andante (F장조)
1악장의 긴장 뒤에 이어지는 F장조 Andante는 안도감을 주지만—순진무구하진 않다. 여기의 평정은 자연스럽게 주어진 것이 아니라 치밀하게 작곡된 것이다. 세련된 가면처럼 느껴질 수 있는, 정제된 표면이다. 느린 악장에서 모차르트의 재능은 가장 단순한 선율 윤곽으로도 말해지지 않은 하위 텍스트를 암시하게 만드는 능력에 있으며, K. 421의 Andante는 그 점에서 모범적이다. 특히 대화적 질감이 의미심장한데, 반주 패턴이 종종 무대 위 ‘동작’처럼 작동하며, ‘화자’(그때그때 선율을 가진 성부)가 어떻게 들리는지를 조용히 규정한다.
연주에서 앙상블은 여기서 진정한 해석적 선택에 직면한다. 이 악장을 위로로 받아들일 것인가(진짜 오아시스), 아니면 모호함으로 볼 것인가(드라마의 잠깐의 정지이되, 그 밖으로의 탈출은 아닌). 악보는 두 독해를 모두 지지하며, 그래서 어떤 해석에서는 거의 고전적이고 ‘객관적’으로 들리고, 다른 해석에서는 조용히 고백적 뉘앙스를 띠는 이유가 된다.
III. Menuetto: Allegretto (d단조) — Trio (D장조)
미뉴에트를 d단조로 설정한 모차르트의 선택 자체가 표현적이다. 이것은 사교적 우아함의 궁정 미뉴에트가 아니라, 의식처럼 느껴지는 미뉴에트—긴장 속의 절제된 발걸음이다. 작법은 춤의 규칙성과 화성의 날카로움 사이에 내재한 장르적 긴장을 적극 활용하며, 악구 종결을 처리하는 방식(둥글게 마무리되기보다 잘려 나가거나 뾰족하게 느껴지는 방식) 덕분에 악장의 엄격함은 더 짙어진다.
D장조의 Trio는 조명을 바꾼다. 하지만 마음 놓는 막간은 아니다. 장조는 쉽게 주어지지 않은 성취처럼 들리고, 질감의 겉보기 단순함은 의도적으로 ‘공적인’ 태도로 다가올 수 있다. 마치 음악이 잠시 안심을 연기하는 듯이.
IV. Allegretto ma non troppo (d단조)
피날레는 이 4중주에서 가장 많이 논의되는 악장이다. 이렇게 전기된 도입 이후 18세기 청중이 기대했을 법한, 기교적이고 긍정적인 결말을 제공하는 일을 이 악장이 거부하기 때문이다. 대신 모차르트는 변주곡 형식을 택해, d단조의 완고한 중력을 계속해서 되돌려 놓는다.[6]
이 변주들이 특히 불안감을 주는 이유는 절차가—변주라는 ‘기술’—놀랄 만큼 ‘객관적’으로 보일 수 있는데도, 정서는 끝내 거칠고 생생하게 남기 때문이다. 모차르트는 선율과 음형만 바꾸는 것이 아니라, 악기들 사이에서 주도권이 배분되는 방식 자체를 변주한다. 어떤 순간에는 제1바이올린이 이끄는 듯하다가도, 다른 곳에서는 내성부들이 논증을 장악하며, 또 다른 곳에서는 첼로의 토대 역할이 거의 숙명론적으로 변한다. 이는 도덕 심리로서의 실내악이다. 주제는 경험의 시험대에 오르지만, 승리로 변모한 모습으로 돌아오지 않는다.
수용과 유산
K. 421의 명성의 긴 호는 하나의 역설 위에 서 있다. 이 작품은 탁월하게 학구적이면서도 즉각적으로 소통한다. 4중주의 대위법과 동기 전개는 모차르트가 하이든의 절차를 최고 수준에서 흡수했음을 보여 주지만, 그 표현 세계는 틀림없이 ‘모차르트적’이다—서재보다 극장에 더 가깝다. 이 이중성은 훗날의 청자, 비평가, 연주자들이 ‘하이든’ 세트 전체에서 가치 있게 여긴 바로 그 지점이기도 하다. 여기서 기교는 그 자체를 과시하기 위해 존재하지 않고, 말하게 만들기 위해 동원된다.
역사적으로 이 4중주들은 작곡가-작곡가 계보라는 새로운 유형의 상징이 되기도 했다. 하이든에게 헌정함으로써 모차르트는 4중주를 귀족적 장식이 아니라, 전통을 지닌 진지한 장르—상속받고, 도전하고, 확장할 수 있는 것—로 규정하는 데 기여했다.[1] 이 관념은 이후 빈의 4중주 문화(무엇보다 베토벤)에서 막대한 의미를 가졌는데, 4중주 작곡은 곧 작곡가로서의 위상을 공적으로 주장하는 행위가 되었기 때문이다.
오늘날 연주자들에게 K. 421이 여전히 기준점으로 남는 이유는, 이 작품이 단 하나의 ‘정답’ 기질에 굴복하지 않기 때문이다. 어떤 앙상블은 고전적 평정에 무게를 둔다. 균형 잡힌 템포, 투명한 질감, 절제 속에서 진행되는 논증의 감각. 다른 이들은 날카로운 모서리를 부각시키며, d단조를 떫은 음색, 위험한 침묵, 거의 오페라적인 루바토를 시험하는 초대로 받아들인다. 최고의 연주가 설득력을 얻는 지점은 이 4중주의 핵심 특징을 들리게 만드는 데 있다. 단지 어둠이 아니라, 휘발성—몇 마디 사이에 노래하고, 물러서고, 내리칠 수 있는 음악이다.
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Noter
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[1] Cambridge Core (book PDF): Introduction to a Cambridge volume on Mozart’s ‘Haydn’ quartets (context and significance of the set).
[2] Digital Mozart Edition (Mozarteum): New Mozart Edition commentary PDF on string quartets (includes Constanze/Novello labour anecdote and editorial context).
[3] National Library of Australia catalogue entry noting original publication of the six ‘Haydn’ quartets by Artaria (Vienna, 1785).
[4] Emily Green (Cornell eCommons PDF): discussion of dedications and reception; cites Mozart’s 1 Sept 1785 dedication text (‘six children’ / ‘long and laborious’).
[5] Wikipedia: overview of the ‘Haydn’ Quartets (publication announcement in Wiener Zeitung, payment of 100 ducats; later engraving-error anecdote).
[6] Wikipedia: String Quartet No. 15 in D minor, K. 421 (movement list and general work overview).