Concerto pour piano n° 22 en mi bémol
von Wolfgang Amadeus Mozart
Contexte et genèse de la composition
Mozart composa son Concerto pour piano n° 22 en mi bémol majeur, K. 482 à Vienne durant l’hiver 1785[1][2]. À cette époque, Mozart était au sommet de sa popularité à Vienne, s’étant affranchi de la servitude de la cour de Salzbourg et prospérant comme compositeur-interprète indépendant[3]. Sur le plan culturel, la Vienne du milieu des années 1780 était un centre vibrant de musique et d’idées des Lumières, sous le règne relativement libéral de l’empereur Joseph II. Les concerts publics (ou « académies ») étaient populaires, notamment pendant des périodes comme l’Avent et le Carême où les représentations d’opéra étaient limitées, offrant à des compositeurs comme Mozart l’occasion de présenter de nouvelles œuvres. L’opéra était considéré comme le genre musical le plus prestigieux de l’époque, mais les concertos pour piano constituaient le « pain quotidien » de Mozart – il en écrivait et en jouait régulièrement lors de concerts par souscription pour le public viennois[4]. En 1785, la vie quotidienne de Mozart était faite de concerts, d’enseignement auprès de ses élèves et de fréquentation des cercles aristocratiques de ses mécènes et de ses frères francs-maçons ; il était aussi un jeune mari et père s’efforçant de maintenir un train de vie élevé, ce qui le plaçait souvent sous pression financière[5].
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En décembre 1785, Mozart travaillait simultanément à son opéra bouffe Les Noces de Figaro (créé en 1786) tout en composant une série de nouveaux concertos pour piano[2]. Malgré ses ambitions lyriques, Mozart devait assurer des revenus ; il n’occupait aucun poste salarié et vivait au-dessus de ses moyens, accumulant des dettes[5]. Pour lever des fonds rapidement, il organisa une série de concerts par souscription à Vienne. En fait, Mozart programma trois Avent 1785 concerts (les 9, 16 et 23 décembre) avec environ 120 abonnés, un public considérable pour l’époque[7]. Le Concerto pour piano n° 22 en mi bémol fut achevé le 16 décembre 1785 et l’encre de la partition était à peine sèche lorsque Mozart lui-même en donna la création le soir même[8][9]. La première n’eut pas lieu dans le cadre d’un concert autonome, mais entre les actes d’une œuvre scénique de son collègue Carl Ditters von Dittersdorf[8]. Ce cadre de création inhabituel – insérer un concerto au cours de la représentation d’un opéra-oratorio d’un autre compositeur – reflète la pratique du XVIIIe siècle consistant à mêler les genres au sein d’un même programme.
Le nouveau concerto de Mozart fut accueilli avec enthousiasme dès le départ. Son père Leopold Mozart rapporta avec fierté que le public réclama un rappel du lent mouvement Andante, en notant que devoir répéter un mouvement central était « une occurrence quelque peu inhabituelle »[10][11]. (Les rappels étaient plus souvent réclamés pour des derniers mouvements enlevés ; l’insistance du public pour réentendre le poignant Andante montrait donc à quel point il l’avait touché[12].) Ce concerto en mi bémol faisait partie d’une trilogie de grands concertos pour piano que Mozart écrivit en l’espace de quelques mois, aux côtés du Concerto pour piano n° 23 en la majeur (K.488) et du Concerto pour piano n° 24 en ut mineur (K.491), qui suivirent au début de 1786[13][14]. Fait remarquable, il composa les trois tout en préparant Les Noces de Figaro.La capacité de Mozart à produire une « série stupéfiante » de concertos et de musique lyrique à la fois atteste qu’il était au sommet de ses pouvoirs créateurs[13].
Instrumentation et orchestration
Le Concerto pour piano n° 22 est écrit pour un orchestre classique relativement fourni, ce qui lui confère une palette sonore riche et variée. Outre le pianoforte (Mozart en fut lui-même le soliste lors de la création), l’œuvre est orchestrée pour :
Bois: 1 flûte, 2 clarinettes en si♭, 2 bassons
Cuivres: 2 cors en mi♭, 2 trompettes en mi♭
Percussions: Timbales (en mi♭ et si♭)
Cordes: Violons, altos, violoncelles et contrebasses (section de cordes standard)[16].
Fait notable, il s’agit du premier des concertos pour piano de Mozart à intégrer des clarinettes dans l’orchestration[17]. En réalité, les clarinettes étaient encore un ajout relativement nouveau aux orchestres dans les années 1780, et Mozart souhaitait depuis longtemps les utiliser pour leur timbre chaud et moelleux[18]. Ici, il remplace les hautbois habituels par des clarinettes, ce qui confère un timbre plus doux et plus boisé à l’ensemble que le son plus brillant du hautbois. Mozart exploite les clarinettes notamment dans les épisodes doux et lyriques du concerto – par exemple, dans le mouvement lent et les sections tendres du finale – où leur « hautement polyvalent » et son moelleux ajoute de la profondeur émotionnelle[19][14]. L’adjonction des trompettes et des timbales, en revanche, apporte une couleur festive et majestueuse aux mouvements extérieurs, renforçant l’association de la tonalité de mi bémol majeur avec la grandeur. (Ces cuivres et percussions se taisent dans l’intime Andante, garantissant que son climat plus sombre ne soit pas perturbé[16].) Mozart fut également attentif aux progrès des instruments à clavier de l’époque – le pianoforte au milieu des années 1780 offrait une meilleure tenue du son et une palette dynamique accrue – ce qui lui permit d’écrire des lignes mélodiques plus expressives et « chantantes » pour le piano, notamment dans les passages plus lents[20]. Globalement, l’instrumentation du concerto était innovante pour son époque, élargissant les couleurs orchestrales disponibles dans un concerto pour piano et préfigurant les sonorités plus pleines que des compositeurs ultérieurs (comme Beethoven) exploreraient.
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Le pianiste Hannes Minnaar et la Philharmonie Zuidnederland, sous la direction de Kevin John Edusei, interprètent le Concerto pour piano n° 22 en mi bémol, K.482 :
Forme et caractère musical
Comme la plupart des concertos de Mozart, le n° 22 en mi bémol comporte trois mouvements, suivant le schéma rapide–lent–rapide. Cependant, il se distingue comme l’un des plus longs concertos (environ 35 minutes)[21] et il est exceptionnellement riche en idées musicales et en contrastes. Chaque mouvement possède son caractère et sa forme propres :
Allegro (mi bémol majeur) : Le premier mouvement est un vaste forme sonate-allegro qui présente une abondance de matière thématique. L’orchestre s’ouvre par un grand tutti saisissant : un thème à la manière d’une fanfare en mi bémol majeur, ponctué de trompettes et de timbales[22]. Cette entrée vigoureuse reçoit aussitôt la réponse d’une idée plus douce et plus lyrique, présentée par les bois (les clarinettes et les bassons reprenant de façon joueuse la fanfare dans un mode plus feutré)[23]. Mozart « n’a jamais été plus généreux quant au nombre de thèmes » que dans ce mouvement – l’introduction orchestrale présente toute une suite de motifs contrastés, allant du majestueux à tendre, presque comme s’il annonçait des personnages d’opéra[24][25]. Lorsque le piano solo entre, c’est avec un thème entièrement nouveau qui lui est propre, plutôt que de se contenter de reprendre les mélodies de l’orchestre[26]. Un dialogue animé s’engage entre le pianiste et l’orchestre, plein de contrastes dramatiques et de rapides changements d’humeur que l’on a comparés à des scènes d’opéra[27]. Mozart traite le piano et l’orchestre comme des partenaires égaux – parfois presque en conversation spirituelle, en échangeant des thèmes et des commentaires. La section de développement s’aventure dans plusieurs tonalités éloignées, dont un détour surprenant par le si bémol mineur initié par un passage de piano agité et sombre[28]. À un moment saisissant, le piano introduit au cours du développement une nouvelle mélodie brève mais d’une beauté obsédante — une oasis sereine qui n’apparaît qu’une seule fois, offrant un moment de répit avant que la musique ne revienne vers la réexposition[29]. Tout au long du mouvement, les vents (en particulier les clarinettes) ajoutent de la couleur et dialoguent avec le piano. Fait notable, Mozart n’a laissé aucune cadence écrite pour ce concerto, ce qui signifie que, lors de la cadence soliste près de la fin du mouvement, les interprètes doivent fournir la leur (Mozart lui-même en aurait improvisé une en concert)[30]. Après la cadence, le mouvement se conclut par une coda enlevée, affirmant l’humeur claire et vigoureuse. Globalement, cet Allegro équilibre des passages « d’une théâtralité grandiose » avec un humour délicat et un jeu d’échanges élégant, emblématiques du style concertant de la maturité de Mozart[27].
Andante (do mineur) : Le deuxième mouvement bascule dans la tonalité inattendue de do mineur, offrant un contraste émotionnel dramatique. Il est conçu sous la forme d’un thème et variations, quoique avec quelques écarts créatifs par rapport à une stricte forme de variations[31]. Le ton y est sombre, introspectif et richement expressif – au point que les auditeurs de l’époque l’ont trouvé profondément émouvant. Mozart réservait le do mineur (une tonalité « sombre », passionnée pour lui) à certaines de ses musiques les plus empreintes d’émotion, et cet Andante en est un exemple marquant[32]. Il s’ouvre sur les cordes avec sourdines seules, présentant un thème principal grave et soupirant, dans un 3/8 lent[33]. Le piano entre alors, développant ce thème par des ornements et de légères variations, ajoutant sa propre voix au chant mélancolique[34]. S’ensuit une série de variations et d’épisodes inventifs : l’orchestre et le soliste se relaient pour développer le thème, parfois en en accentuant la gravité mélancolique, et d’autres fois en offrant des moments de consolation ou de clarté[32]. Dans une variation, un duo pour flûte et basson en mode majeur tente d’alléger l’atmosphère, introduisant une nouvelle mélodie douce comme une offrande d’espoir[35][36]. Le piano répond par une autre variation empreinte de nostalgie du thème principal, laissant entendre que la tristesse ne se dissipe pas aisément[37]. Des dialogues s’installent entre le piano et les vents – par exemple, les bois, à un moment, interviennent avec une idée tendre en mode majeur, que le piano surmonte doucement en revenant au thème plaintif en mineur[38]. Ce tiraillement entre l’ombre et la lumière confère au mouvement un caractère profondément poignant. À la coda, les bois finissent par se joindre au piano en accord, et ensemble ils mènent le mouvement à une conclusion calme et émouvante[39]. Les auditeurs de l’époque furent frappés par la profondeur expressive de cet Andante – comme on l’a noté plus haut, il était si sincère que le public en réclama le bis lors de la création[40]. Des commentateurs modernes entendent même des prémices de Beethoven dans l’intensité émotionnelle de ce mouvement et l’emploi du do mineur (une tonalité que Beethoven rendra célèbre pour son caractère dramatique)[35]. Dans l’œuvre de Mozart, cet Andante s’impose comme l’incarnation de son pathos lyrique, utilisant l’orchestre (les clarinettes y ajoutant une douce lueur) comme un « outil d’expression » pour soutenir les soliloques intimes du piano[35].
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Allegro (mi bémol majeur), avec un Andantino cantabile épisode : Le final est un rondo qui ramène le concerto à une atmosphère exubérante et festive . Son thème principal est une mélodie lumineuse et dansante en 6/8, souvent décrite comme ayant un caractère de chasse ou folklorique (le mi bémol majeur était couramment utilisé pour évoquer les cors et les scènes en plein air, d’où le style « cor de chasse »)[41] . Ce thème alerte – avec ses rythmes entraînants et son charme rustique – revient périodiquement, séparé par des épisodes contrastés selon la forme de rondo classique[42] . Mozart, toutefois, insuffle au rondo des surprises et des touches sophistiquées . Après l’énoncé du thème bondissant initial, la musique s’interrompt brièvement et bascule vers une idée entièrement nouvelle : les cordes entament un accompagnement doux et pulsé, au-dessus duquel le piano introduit une mélodie délicate et lyrique indiquée andantino cantabile (à un tempo plus lent et chantant)[43] . Cette gracieuse parenthèse au milieu du rondo rapide a des allures d’aria d’opéra qui éclot tendrement au cœur d’une danse vive – et, de fait, les commentateurs y entendent des échos des Noces de Figaro de Mozart dans cette section douce et cantabile[44] . Bientôt apparaît un troisième thème : une mélodie lyrique et ample, fluide qui ajoute encore un autre caractère à l’ensemble[45] . Malgré ces détours, le joyeux thème principal revient toujours pour maintenir le rondo sur sa trajectoire. Au milieu du final, Mozart écrit même une brève cadence : la musique plonge dans une courte pause dramatique, offrant au soliste une arabesque qui conduit inopinément à un lent, onirique, Andante cantabile passage[46] . Ici, les bois, en particulier les clarinettes, brillent dans un dialogue « à la manière d’une aria » aux côtés du piano, rappelant brièvement la tendre atmosphère du deuxième mouvement[47] . Mais l’esprit enjoué de Mozart fait que l’atmosphère ne reste pas sérieuse bien longtemps – une autre brève cadence du piano ramène prestement la musique vers le thème principal enjoué[48] . Alors que le rondo file vers sa conclusion, Mozart insère un dernier trait d’esprit : au moment où l’auditeur s’attend aux dernières mesures, la musique s’interrompt et le piano se remémore subrepticement la délicate mélodie d’autrefois une fois encore (un clin d’œil amical à ce beau moment)[49] . Ce n’est qu’alors que l’orchestre éclate pour conclure la pièce dans un final fougueux. Cette malice de fausse fin arrache souvent des sourires ; c’est la manière qu’a Mozart de dire qu’il n’a oublié aucun des fils musicaux. Le mélange, dans le final, d’une atmosphère « légère et joyeuse » et d’une section centrale empreinte de sincérité met en valeur l’habile équilibre que Mozart sait trouver entre séduction populaire et art[47].
Tout au long de ce concerto, les traits stylistiques de la dernière période viennoise de Mozart s’y déploient pleinement : un sens opératique du dialogue entre soliste et ensemble, une écriture raffinée pour les vents, des bascules soudaines du majeur au mineur à des fins expressives, et la fusion sans heurt de l’élégance mélodique avec la virtuosité technique. D’environ 35 minutes de durée, l’ampleur et la grandeur de l’œuvre sont remarquables[21], sans que la musique perde jamais la clarté et la grâce caractéristiques du style classique. Mozart a aussi taillé l’écriture pianistique à la mesure de son propre jeu virtuose mais de bon goût – des témoignages contemporains (comme le souvenir du ténor irlandais Michael Kelly) louent les « doigts rapides, la grande exécution et l’inspiration » de ses improvisations au clavier[50]. De fait, dans ce concerto la partie de soliste requiert à la fois une agilité étincelante et une nuance expressive, ce qui en fait l’un des concertos de Mozart les plus exigeants pour l’interprète (les passages de bravoure abondent, mais doivent être exécutés avec une élégance mozartienne plutôt qu’avec une grandiloquence tapageuse[26]).
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Réception et postérité
Dès sa création et du vivant de Mozart, le Concerto pour piano n° 22 fut tenu en haute estime, même s’il ne devint pas immédiatement le plus célèbre de ses concertos. Comme indiqué, sa première en 1785 fut un succès – le fait que le public ait demandé la reprise de l’Andante atteste de son fort impact[40]. Mozart interpréta lui-même le concerto à de multiples occasions. Les documents conservés indiquent qu’il le joua au moins trois fois : deux fois à la fin de 1785 (y compris la première informelle lors du programme de Dittersdorf) et à nouveau lors de l’un de ses concerts par abonnement au début de 1786 pendant le Carême[51]. Son père Leopold se vantait, dans ses lettres, de la réception du concerto, et l’on peut imaginer la satisfaction de Mozart face au chaleureux accueil de l’œuvre dans la scène musicale viennoise, très compétitive.
Dans les décennies qui suivirent la mort de Mozart (1791), le Concerto en mi bémol – comme beaucoup d’œuvres pour piano de Mozart – fut quelque peu éclipsé par la montée du répertoire romantique. Au XIXe siècle, les concertos de Mozart furent moins souvent programmés que ceux de Beethoven ou les concertos de virtuosité de compositeurs plus tardifs, et le n° 22 fut donné moins fréquemment que certains des concertos de Mozart à la popularité plus immédiate (comme le dramatique Concerto en ré mineur n° 20, K.466, ou le gracieux Concerto en do majeur n° 21, K.467). Des musicologues ont noté que le n° 22 « n’a jamais été tout à fait aussi populaire que ses proches voisins », peut-être parce que les n° 21 et 23 ont gagné davantage de notoriété ; ils se hâtent toutefois d’ajouter qu’il recèle une musique magnifique, égale à n’importe laquelle de la production de Mozart[52]. De fait, le Concerto en mi bémol a été « injustement éclipsé » par ses frères pendant un certain temps[11]. La raison en était en partie pratique : l’inclusion de clarinettes (pas encore standard dans tous les orchestres tout au long des années 1800) faisait que l’œuvre n’était pas aussi facile à programmer tant que les orchestres ne comptaient pas universellement des clarinettistes. Lors de certaines exécutions du début du XIXe siècle, des éditeurs publièrent même des versions des derniers concertos de Mozart avec des parties de clarinette adaptées pour le hautbois, afin d’accommoder les théâtres sans clarinettes. Cependant, à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, les concertos de Mozart connurent un renouveau au concert, et le n° 22 recommença à être apprécié par les pianistes et les auditoires comme une œuvre à la fois avenante et substantielle.
Au XXe siècle, l’héritage de ce concerto s’est solidement ancré au cœur du répertoire des concertos de Mozart. Il a été défendu par de grands pianistes et chefs d’orchestre, sur scène comme au disque. Par exemple, le légendaire pianiste Sviatoslav Richter a choisi le Concerto en mi bémol n° 22 de Mozart pour une prestation célèbre dans les années 1960 au Festival d’Aldeburgh, avec le compositeur Benjamin Britten à la baguette – un événement notable, car Britten composa lui-même un ensemble spécial de cadences pour le concerto[53]. Les cadences imaginatives de Britten (quoique stylistiquement aventureuses), ainsi que le jeu magistral de Richter, ont contribué à mettre en lumière l’éclat du concerto. De nombreux autres pianistes renommés, de Daniel Barenboim et Mitsuko Uchida aux interprètes plus contemporains comme Angela Hewitt, ont joué et enregistré le K.482, l’associant souvent au Concerto en ut mineur K.491 afin de mettre en valeur le contraste entre le « noble et élégant » style de Mozart en mi bémol et sa veine plus orageuse dans les tonalités mineures[54]. Les critiques louent souvent le n° 22 pour son écriture colorée des bois et le charme unique apporté par les clarinettes[55].
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Aujourd’hui, le Concerto pour piano n° 22 en mi bémol est reconnu comme l’un des chefs-d’œuvre de la dernière période de Mozart, offrant une synthèse parfaite entre séduction mélodique, sophistication structurelle et riche sonorité orchestrale. Il n’a peut-être ni surnom célèbre ni référence à la culture populaire (à l’inverse de l’Adagio « Elvira Madigan » du n° 21), mais les connaisseurs le tiennent en haute estime pour sa profondeur et son élégance. Les publics contemporains et les musiciens apprécient sa « musique merveilleuse, en particulier le mouvement lent central », qui a encore le pouvoir de toucher le cœur des auditeurs comme à l’époque de Mozart[56]. Son premier mouvement, avec sa profusion de thèmes et sa majesté en mi bémol au caractère célébratoire, ainsi que son finale joyeux, riche en surprises, continuent tout autant d’enchanter. Le concerto est régulièrement programmé dans les salles du monde entier et demeure un pilier de la littérature du concerto pour piano – un témoignage du génie de Mozart à créer une musique qui transcende son époque.
En résumé, le Concerto pour piano n° 22 en mi bémol majeur, K. 482, de Mozart, constitue un portrait factuel du monde du compositeur en 1785 et un joyau musical qui a survécu au contexte viennois du XVIIIe siècle qui l’a vu naître. Son contexte est intimement lié à la vie de Mozart en tant que musicien entrepreneur dans une capitale culturelle florissante ; sa composition met en lumière sa capacité à innover (par de nouveaux instruments et de nouvelles formes) sous la pression du temps ; sa musique marie la forme classique à un lyrisme opératique et à une créativité audacieuse ; et son héritage montre comment une œuvre peut d’abord être un produit de son époque avant d’atteindre une stature intemporelle. Mozart écrivit ce concerto dans le but immédiat de plaire à son public et d’asseoir sa réputation (et ses finances) à Vienne, mais ce faisant il offrit aussi au monde une pièce qui continue de « donner un plaisir sans fin » – accomplir l’idéal même de l’art mozartien en reliant l’intellect et l’émotion à travers les siècles[24][35].
Sources :
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Program notes by Rhode Island Philharmonic and Hong Kong Philharmonic[57][20][10]
Houston Symphony and Henle Verlag essays on Mozart’s Piano Concerto No. 22[58][14]
Mozart’s letters and biography (cited in Mozart: New Documents/Jahn)[7][59]
Wikipedia entry on Piano Concerto No. 22 in E-flat, K.482[17][21]
Angela Hewitt’s liner notes (Hyperion Records) and BBC Music Magazine review[24][53], describing the work’s musical features and later performances.
[1][16][17][21][31] Piano Concerto No. 22 (Mozart) - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._22_(Mozart)
[2][4][34][36][37][38][39][42][43][45][46][48][49][50][51][55][58] Something Rare: Mozart's Piano Concerto No. 22 in E-flat major, K. 482
https://houstonsymphony.org/mozart-k482/
[3][10][12][19][20][22][23][27][32][33][40][44][47][52][56] MOZART | Piano Concerto no. 22 | HK Phil
https://www.hkphil.org/watch-and-listen/all-performances/mozart-piano-concerto-no-22
[5][7][9][15][18][24][26][28][29][54] Mozart: Piano Concertos Nos 22 & 24 - CDA68049 - Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Hyperion Records - MP3 and Lossless downloads
https://www.hyperion-records.co.uk/dc.asp?dc=D_CDA68049
[6] File:Mozart - Piano Concerto No. 22 - Opening Page of the Autograph Manuscript.jpg - Wikimedia Commons
[8][13][25][30][35][41][57]THE STORY BEHIND: Mozart's Piano Concerto No.22
https://www.riphil.org/blog/the-story-behind-mozart-s-piano-concerto-no-22
[11][14] Piano Concerto no. 22 E flat major K. 482 | HN1240 | HN 1240
https://www.henle.de/Piano-Concerto-no.-22-E-flat-major-K.-482/HN-1240
[53] Mozart: Piano Concerto No. 22 in E flat, K482; Sinfonia Concertante in E flat for violin & viola, K364 - Classical Music
https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/mozart-295
[59]7 April 1786