Mozarts große Opern (1781–1791)
Einleitung
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) komponierte 22 Opern in einem erstaunlichen Spektrum von Stilen – von den sakralen und mythologischen Dramen seiner Kindheit bis zu den glanzvollen Meisterwerken seines letzten Jahrzehnts. Während seine frühen Werke eine frühreife Faszination für theatralischen Ausdruck erkennen lassen, verwandelte Mozart die Gattung erst in seinen reifen Opern vollständig.
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Zwischen 1781 und seinem Tod im Jahr 1791 schuf er eine Reihe abendfüllender Bühnenwerke, die das Musikdrama durch psychologische Tiefe, melodischen Reichtum und eine nahtlose Verbindung von Musik und Text neu definierten.
Diese „großen Opern“, während seiner Jahre in Wien und darüber hinaus entstanden, umfassen heroische Tragödien wie Idomeneo, beißende Gesellschaftskomödien wie Le nozze di Figaro und Don Giovanni sowie die zeitlose Verschmelzung von Fantasie und Philosophie in der Zauberflöte. In ihnen erhob Mozart die Oper von höfischer Unterhaltung zu universeller Menschenerzählung – jede Figur mit Empathie, Witz und emotionaler Wahrhaftigkeit gezeichnet.
Dieser Artikel gibt einen Überblick über Mozarts große Opern von Idomeneo (1781) bis Die Zauberflöte (1791) und zeichnet nach, wie das letzte Jahrzehnt des Komponisten die moderne Operntradition geprägt hat. Wir untersuchen, wann und warum jedes Werk entstand und ihre dramatischen Kontexte.
Idomeneo, re di Creta (1781)
Im Jahr 1781 trat Mozarts Karriere in eine neue Phase. Vom Salzburger Gnadenstandssystem frustriert, löste sich der 25-jährige Komponist von seiner provinziellen Stellung und ging nach Wien, um größere Möglichkeiten zu verfolgen. Kurz vor diesem Umzug vollendete er Idomeneo, re di Creta („Idomeneus, König von Kreta“), das im Januar 1781 in München uraufgeführt wurde.
Idomeneo war ein Auftrag des bayerischen Hofes und gilt als Mozarts erste große reife Oper.
Eine dramatische Opera seria in drei Akten: Sie erzählt die Geschichte von König Idomeneus, der nach der Rettung aus einem Sturm auf See gelobt, die erste Person zu opfern, der er begegnet – tragischerweise ist dies sein eigener Sohn Idamante.
Die Themen der Oper – Opfer, Schicksal und Milde – entfalten sich in einer emotional reichen Partitur; letztlich kann Idomeneo das Opfer nicht vollziehen, und durch göttliches Eingreifen sowie seine eigene Abdankung wird Idamante verschont und mit seiner Geliebten Ilia vereint.
Mozart widmete Idomeneo enorme Sorgfalt, erweiterte Chor und Orchester und schuf lebendige accompagnato-Rezitative und Ensembles.
Er hatte jedoch Schwierigkeiten mit der Besetzung: Der betagte Tenor in der Titelrolle (Anton Raaff) war steif und wenig ausdrucksvoll, was Mozart frustrierte (er beklagte, Raaff sei „wie eine Statue“ auf der Bühne[14]).
Trotz solcher Herausforderungen war Mozart auf diese Oper stolz.
Idomeneo war innovativ in der Verbindung französischer und italienischer Stile sowie im reichen Einsatz von Ensembles[15][16].
In Münchens Hof wurde sie gut aufgenommen – ein Durchbruchswerk, das zeigte, wie Mozart die alten Opera-seria-Formeln hinter sich ließ und sich zu einem menschlicheren, ausdrucksstärkeren Terrain vorwagte. Moderne Kritiker zählen Idomeneo häufig zu Mozarts edelsten Opern – wegen ihrer vornehmen Musik und dramatischen Tiefe[17][18].
Die Entführung aus dem Serail (1782)
In den Jahren 1781–82, nachdem er sich in Wien niedergelassen hatte, wandte sich Mozart dem deutschen Singspiel zu. Kaiser Joseph II. förderte das deutschsprachige Musiktheater, und Mozart kam dem Ruf mit Die Entführung aus dem Serail („Die Entführung aus dem Serail“) nach, das im Juli 1782 im Wiener Burgtheater uraufgeführt wurde.
Dieses komische Singspiel – mit gesprochenen Dialogen neben Arien – spielt in einem türkischen Harem und nutzt die damalige Mode für „türkische“ Exotik. Die Handlung folgt dem spanischen Edelmann Belmonte und seinem Diener Pedrillo, die versuchen, Belmontes Verlobte Konstanze und deren Zofe Blonde aus dem Palast des Pascha Selim zu befreien.
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Mozart durchzog die Partitur mit „Janitscharen“-Schlagwerk und orientalischer Farbe, um den türkischen Schauplatz zu evozieren, setzte aber zugleich auf tief empfundene Arien: Konstanzes virtuose Arie „Martern aller Arten“ ist teuflisch schwierig, und die Oper balanciert burleske Momente (der tölpelhafte Osmin, der den Harem bewacht) mit Themen von Liebe und Vergebung.
Am Ende verzichtet der aufgeklärte Pascha Selim, statt an den gefangenen Europäern Rache zu nehmen, großmütig darauf, und er verzeiht und entlässt sie in die Freiheit – eine dramatische Lösung, die das Publikum durch ihre moralische Ernsthaftigkeit im komischen Rahmen erstaunte.
Die Entführung war ein Triumph bereits am Premierenabend, wurde rasch zu Mozarts populärster Oper zu seinen Lebzeiten[19]. Das Wiener Publikum war begeistert von der Mischung aus atemberaubender vokaler Virtuosität und komischer Romanze, und selbst der Kaiser (der nach der Uraufführung angeblich spöttelte: „Zu viele Noten, mein lieber Mozart!“) erkannte die Brillanz der Oper an[20].
The Abduction from the Seraglio hatte eine lange Spielserie in Wien und wurde in Städten in ganz Europa aufgeführt; sie festigte Mozarts Ruf als Meister der deutschen Oper[19][21]. Mozart selbst war stolz auf diesen Erfolg – er hatte gezeigt, dass die deutsche Oper der italienischen ebenbürtig sein konnte, und sich damit die Gunst des Publikums erworben.
L’oca del Cairo (1783)
Beflügelt vom Erfolg der Entführung war Mozart begierig, weitere Opern zu schreiben, doch die folgenden Jahre verliefen holprig.
1783 begann er mit der Arbeit an L’oca del Cairo („Die Gans von Kairo“), einer komischen italienischen Oper, und arbeitete erneut mit dem Librettisten Giovanni Paisiello zusammen (obwohl das Libretto tatsächlich von Giambattista Varesco stammte, der den Text zu Idomeneo verfasst hatte).
Die possenhafte Handlung – eine riesige mechanische Gans hilft Liebenden bei der Flucht aus einem Turm – erwies sich als zu albern für Mozarts Geschmack. Zunächst gefiel ihm einiges von Varescos Entwurf „ganz gut“[22] und er komponierte mehrere Nummern (bis Ende 1783 hatte er den Großteil des ersten Aktes geschrieben[23]). Doch je weiter die Arbeit voranschritt, desto unzufriedener wurde Mozart mit den Schwächen des Librettos. So erkannte er etwa, dass die beiden Hauptheldinnen erst im Finale auf die Bühne treten – ein strukturelles Problem, das seiner Meinung nach die Oper zum Scheitern verurteilen würde[24]. Mozart drängte auf Überarbeitungen und schrieb seinem Vater mit wachsender Frustration, dass die Geschichte „drastische Änderungen“ brauche und er nicht wolle, dass seine gute Musik „durch eine schlechte Handlung verdorben“ werde[24][25].
Trotz umfangreicher Korrespondenz und Versuche, das Libretto zu reparieren, gab Mozart L’oca del Cairo auf – als hoffnungsloses Projekt[26][25]. In einem Brief deutete er sogar an, Abbé Varesco fehle „die geringste Kenntnis vom Theater“[26].
Lo sposo deluso (1784)
Ähnlich begann Mozart 1784 eine weitere italienische komische Oper, Lo sposo deluso („Der getäuschte Bräutigam“), doch auch dieses Werk blieb nach nur wenigen Nummern unvollendet. Offenbar fand er kein zufriedenstellendes Libretto oder verlor seine Sänger; jedenfalls kam keine Produktion zustande und Mozart legte das Projekt ad acta.
Diese Fehlstarts zeigen Mozarts hohe Ansprüche – er wollte seine Energie nicht in ein Opera buffa-Libretto stecken, das er für albern oder unausführbar hielt. Er beschrieb sich als „in dieser kurzen Zeit hart genug arbeitend“ an diesen Opern, nur um zu erkennen, dass die Mühe vergeblich sein könnte[27]. Man spürt seine Verärgerung über die vertane Arbeit an L’oca und Lo sposo, die er wohl eher mühsam als vergnüglich fand.
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Le nozze di Figaro (1786)
Mozarts Glück wendete sich 1786 wieder. In diesem Jahr erhielt er den Auftrag zu einem seiner größten Meisterwerke: Le nozze di Figaro („Die Hochzeit des Figaro“).
Diese italienische Opera buffa in vier Akten markierte Mozarts erste Zusammenarbeit mit dem Dichter-Librettisten Lorenzo Da Ponte. Mozart selbst hatte Beaumarchais’ umstrittenes Stück The Marriage of Figaro als Opernstoff vorgeschlagen[28], und Da Ponte schuf ein Libretto (das den politischen Subtext des Stücks sorgfältig abschwächte, um die Zensur zu besänftigen). Die Oper, am 1. Mai 1786 in Wien uraufgeführt, ist ein Wunder an Ensemblekomik und Gesellschaftssatire.
Sie knüpft an die Figuren aus The Barber of Seville einige Jahre später an und folgt einem „Tag des Wahnsinns“ im Haushalt des Grafen Almaviva. Die Diener Figaro und Susanna schmieden Pläne, um den Versuch des Grafen zu vereiteln, Susanna an ihrem Hochzeitstag zu verführen; dabei werden die Gräfin, der Page Cherubino und andere in eine Kaskade von Verkleidungen, Verwechslungen und geistreichen Intrigen hineingezogen. Am Ende bittet der gedemütigte Graf um Vergebung, und Ehemann und Ehefrau versöhnen sich – der Wirbel aus „missglückten Verführungen, Verkleidungen, Missverständnissen und Enthüllungen“ endet in einem versöhnlichen Ton[29][30].
Musikalisch ist Figaro eine Meisterleistung: Mozarts Partitur wimmelt von einprägsamen Arien und großartigen Ensembles, die jede Figur vertiefen und die komplexe Handlung vorantreiben. Von der geschäftigen Ouvertüre über das strahlende Finale des zweiten Akts bis zu den berührenden Arien (wie der der Gräfin „Dove sono“ oder Figaros „Se vuol ballare“) erreicht Mozart eine perfekte Mischung aus komischer Energie und menschlicher Wärme.
Mozart genoss das Komponieren von Figaro sehr – er war von Da Pontes klugem Libretto und der Möglichkeit inspiriert, eine neue Art von ensemblegetriebener Komödienoper zu schaffen. Er „trieb“ Da Ponte bei Bedarf an und bearbeitete ihn, um das Drama seinen musikalischen Erfordernissen anzupassen (Mozart war dafür bekannt, auf dramatisch strukturierte Ensembles zu bestehen)[31]. Das Ergebnis war derart befriedigend, dass Figaro als Mozarts komisches Meisterwerk gilt und oft als Gipfel der Opera buffa bezeichnet wird[30].
Bei seiner Wiener Uraufführung erhielt The Marriage of Figaro eine positive Aufnahme, wenn auch keine überwältigende. Der Kaiser schätzte die Oper so sehr, dass er Sondervorstellungen in seinem Schloss anordnete[32], doch in Wien blieb die Aufführungsserie begrenzt (neun Vorstellungen im Jahr 1786), teilweise aufgrund fraktioneller Intrigen und vielleicht auch wegen der Komplexität der Partitur[33][34].
Als Figaro jedoch Ende 1786 nach Prag kam, löste er eine Sensation aus. Das Prager Publikum liebte die Oper – eine Zeitung dort pries sie als „ein Meisterwerk“ und berichtete, „noch kein Stück hat je eine solche Sensation verursacht“[35]. Mozart war begeistert; er schrieb aus Prag, „hier spricht man von nichts als Figaro“, und diese begeisterte Resonanz führte direkt zu einem neuen Opernauftrag in Prag.
Heute gilt sie oft als Mozarts größte Oper, gepriesen für ihre perfekte Mischung aus comédie und tiefer Menschlichkeit[30]. Mozart wiederum dürfte das Komponieren von Figaro als zutiefst erfüllend empfunden haben – ein Projekt, in dem sein Talent auf ein ideales Libretto traf und das seinen Nachruhm sichern sollte.
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Don Giovanni (1787)
Mozarts nächste Oper entstand, um den Prager Erfolg des Figaro zu nutzen. Don Giovanni, ein dramma giocoso (Mischung aus Komischem und Ernstem) in zwei Akten, wurde am 29. Oktober 1787 in Prag uraufgeführt. Wieder mit Da Ponte als Partner nahm Mozart sich der legendären Don-Juan-Gestalt an – des charismatischen Edelmannes, der Frauen verführt und verlässt und schließlich eine übernatürliche Strafe erleidet.
Don Giovanni gilt oft als Mozarts kühnste Oper, die zwischen Komödie, Melodram und Schrecken pendelt. In der Oper sind Don Giovannis ungeheuerliche Streiche (vom Ständchen für Bauernmädchen bis zum Töten des Komturs, des Vaters einer seiner Eroberungen) abwechselnd amüsant und schockierend. Sein Diener Leporello sorgt mit der berühmten Katalog-Arie (in der er Giovannis Tausende von Geliebten aufzählt) für Komik, doch der Ton verfinstert sich, als der rachsüchtige Geist des Komturs – in Gestalt einer Steinstatue – zum Leben erwacht. In der kulminierenden Abendszene stellt die Statue des Komturs Don Giovanni zur Rede und zieht ihn, als er nicht bereut, in die Hölle hinab.
Mozarts reiche und bewegte Partitur entspricht der Intensität des Dramas[36]. Die Vielfalt der Oper ist erstaunlich: strahlende Liebesduette, funkelnde komische Ensembles und die schaurig intensive Schlusszene mit Posaunen, die das Erscheinen des Komturs verkünden. Mozart erreicht ein geradezu wundersames Gleichgewicht von Komödie und Tragödie, wie spätere Kommentatoren hervorhoben[37][38]. In Don Giovanni verbindet sich die geistreiche Ensemblekunst des Figaro mit neuem Gewicht und Dunkel: Das Werk lässt sich als Moralität oder als „harmloser Unfug“ deuten, und bis heute diskutieren die Zuschauer über seinen Tonfall[39][40].
Mozart empfand Don Giovanni als herausfordernd, aber belebend. Er arbeitete unter Druck (der Legende nach orchestrierte er die Ouvertüre noch Stunden vor der Premiere), doch er wuchs an der Aufgabe. Die Prager Uraufführung war ein Triumph – die Stadt, die den Figaro liebte, nahm auch Don Giovanni begeistert auf.
Als Mozart Don Giovanni 1788 nach Wien brachte, fiel die Aufnahme jedoch gemischter aus. Das Wiener Publikum fand die dunklen Themen und das Fehlen einer klaren moralischen Auflösung offenbar ungewohnt. Kaiser Joseph II. soll geäußert haben, Don Giovanni sei vielleicht „göttliche“ Musik, aber „nicht nach dem Geschmack der Wiener“.
Ungeachtet dessen wuchs der Rang von Don Giovanni nach Mozarts Tod rasch; innerhalb weniger Jahrzehnte galt die Oper als eine der höchsten Leistungen des Musiktheaters. Beethoven und andere Komponisten bewunderten ihre Tiefe, und E. T. A. Hoffmann verglich Mozarts Genie in Don Giovanni berühmt mit dem Shakespeares[41].
Aus Mozarts Sicht war Don Giovanni vermutlich eine beglückende Komposition – er konnte sich dramatisch und musikalisch ausdehnen und eine Oper schreiben, die seinen Unterhaltungssinn mit einer tieferen, fast philosophischen Ebene vereinte. Viele Gelehrte betrachten Don Giovanni als Mozarts beste Oper, und sie rangiert beständig unter den größten Opern überhaupt – wegen ihrer „perfekten Proportionen“ und der Verbindung von Komischem und Erhabenem[37][42].
Così fan tutte (1790)
Mozarts letzte Zusammenarbeit mit Da Ponte war Così fan tutte („So machen’s alle Frauen“), uraufgeführt im Januar 1790 im Burgtheater.
Diese Opera buffa ist eine zynische Liebeskomödie über zwei Offiziere, Ferrando und Guglielmo, die wetten, dass ihre Verlobten (die Schwestern Dorabella und Fiordiligi) ihnen treu bleiben werden. Die Männer verkleiden sich und versuchen jeweils, die Geliebte des anderen zu verführen – gelenkt vom verschlagenen Philosophen Don Alfonso und unterstützt durch die komischen Streiche der Zofe Despina. Im Verlauf der Farce wanken beide Frauen tatsächlich und verlieben sich in den „falschen“ Mann, womit Alfonsos These, alle Frauen seien wankelmütig, bestätigt scheint – doch Mozarts Behandlung ist humaner als misogyn, denn auch die Männer erweisen sich als launisch. Am Ende wird die Charade aufgedeckt und die Paare versöhnen sich vermutlich, doch die Oper hinterlässt einen bittersüßen Nachgeschmack über die Zerbrechlichkeit des Vertrauens.
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Così fan tutte war ihrer Zeit gewagt – mit dem etwas pikanten Ansatz und einem ironischen, von Ambivalenz geprägten Schluss. Mozart aber spendete dieser scheinbar leichten Handlung einige seiner exquisitesten Einfälle. Die Oper bietet eine Fülle geistreich ausgeklügelter Ensembles und Arien, die die emotionalen Nuancen von Liebe und Täuschung ausloten[43][44]. Hervorzuheben sind Fiordiligis virtuose Arie „Come scoglio“ (Beteuerung der Treue) und das schmelzende Terzett „Soave sia il vento“, eines von Mozarts sublimsten Ensemble-Stücken.
Zur Zeit der Premiere von Così waren Mozarts Umstände schwierig – Krieg und wirtschaftliche Unsicherheit in Wien minderten das Interesse des Publikums an neuen Opern. Così fan tutte eröffnete am 26. Januar 1790 und wurde zunächst von denjenigen, die sie sahen, positiv aufgenommen, doch die Serie wurde abgebrochen: Nach nur fünf Aufführungen stürzte der Tod Kaiser Josephs II. im Februar 1790 den Hof in Trauer, und die Theater wurden vorübergehend geschlossen[45][46]. Dadurch hatte Così zu Mozarts Lebzeiten nicht die Chance, zu erblühen, und spätere Wiederaufnahmen waren spärlich (Moralisten des 19. Jahrhunderts hielten die Geschichte für trivial oder anstößig).
Erst im 20. Jahrhundert erlangte Così fan tutte volle Anerkennung als Meisterwerk der komischen Oper, geschätzt für seine raffinierte Musik und psychologische Einsicht. Heute wird es als Mozarts und Da Pontes „letzte Zusammenarbeit“ par excellence gefeiert und beschließt ihre Trilogie mit einem Werk, das musikalisch ebenso reich ist wie es hintergründig humorvoll ist[43][44].
La clemenza di Tito (1791)
Mozarts letztes Jahr (1791) sah ihn erstaunlich produktiv auf dem Gebiet der Oper. Im Sommer 1791 erhielt er den Auftrag für eine neue Opera seria zur Krönung Kaiser Leopolds II. in Prag. Das Ergebnis war La clemenza di Tito („Die Milde des Titus“), die am 6. September 1791 im Prager Ständetheater uraufgeführt wurde.
Unter Nutzung eines alten Librettos von Metastasio (stark gekürzt vom Hofdichter Caterino Mazzolà) erzählt Tito vom römischen Kaiser Titus, der für seine Barmherzigkeit gerühmt wird und eine Verschwörung gegen sich erlebt. In der Oper überredet Vitellia – verärgert darüber, von Titus verschmäht worden zu sein – ihren Verehrer Sesto (einen engen Freund des Kaisers), Rom in Brand zu setzen und einen Attentatsversuch auf Titus zu unternehmen. Als der Plan scheitert und Sesto gefasst wird, verzeiht Titus schließlich sowohl Sesto als auch Vitellia und wählt Milde statt Rache.
Mozart musste diese Oper in großer Eile schreiben (angeblich in nur 18 Tagen), während er gleichzeitig an The Magic Flute arbeitete. Die einfacheren Rezitative delegierte er sogar an seinen Schüler Süssmayr und konzentrierte sich selbst auf Arien und Ensembles. Trotz der Hast enthält La clemenza di Tito Momente von transzendenter Schönheit – etwa Sestos innige Arie „Parto, parto“ mit ihrem berühmten Klarinetten-Obbligato und das überwältigende Finale des ersten Aktes, in dem der erzürnte Titus auf den brennenden Kapitolshügel reagiert. Die gelassene Betonung auf Tugenden der Aufklärung (Vergebung und Wohlwollen) passte zum Anlass einer Krönung.
Die anfängliche Aufnahme von La clemenza di Tito in Prag war respektvoll, aber verhalten – der neoklassische Seria-Stil wirkte unmittelbar nach Mozarts lebhaften Komödien altmodisch.
Eine Gräfin im Publikum tat sie berüchtigt als „porcheria tedesca“ („deutscher Schund“) ab, andere hingegen bewunderten ihre würdige Einfachheit. Dennoch fand Tito in den 1790er Jahren sein Publikum: Die Oper wurde in mehreren Städten aufgeführt und blieb einige Jahrzehnte im Repertoire[47]. Tatsächlich war sie die erste Oper Mozarts, die London erreichte (dort 1806 produziert)[48][49].
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Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts war Tito in Vergessenheit geraten, doch moderne Wiederentdeckungen haben seinen Ruf rehabilitiert[47]. La clemenza di Tito wird heute wegen ihrer klassizistischen Eleganz und der edlen Grundhaltung geschätzt – ein spätes Beispiel für Mozarts Fähigkeit, auch konventionelles Material durch inspirierte Musik zu veredeln.
Die Zauberflöte (1791)
Nur wenige Wochen nach Tito erzielte Mozart einen seiner größten Publikumserfolge mit Die Zauberflöte („Die Zauberflöte“), uraufgeführt am 30. September 1791 in einem Vorstadttheater in Wien (Freihaus-Theater auf der Wieden).
Im Gegensatz zum hoforientierten Tito war The Magic Flute ein deutsches Singspiel für ein breites Publikum. Mozart arbeitete mit seinem Freund Emanuel Schikaneder zusammen, der das Libretto schrieb und bei der Uraufführung zudem die Rolle des Papageno übernahm.
Die Oper ist eine phantastische Allegorie, die seit über zwei Jahrhunderten Zuschauer jeden Alters begeistert.
In einem mythischen Land angesiedelt, folgt die Geschichte Prinz Tamino und dem Vogelfänger Papageno auf ihrer Suche, Pamina (Tochter der furchterregenden Königin der Nacht) aus den Händen des vermeintlich bösen Hohepriesters Sarastro zu retten. Sie unterziehen sich einer Reihe von Prüfungen der Tugend und Standhaftigkeit. In einer Wendung erweist sich Sarastro als wohlwollend, und die Königin der Nacht steht für Dunkelheit und Rache. Mit Hilfe einer Zauberflöte und magischer Glocken – und geleitet von Weisheit und Liebe – bestehen Tamino und Pamina ihre Prüfungen, die böse Königin wird besiegt, und das Licht triumphiert über die Dunkelheit. Verwoben ist Papagenos komische Nebenhandlung, in der er (schließlich erfolgreich) nach einer Papagena sucht – sie sorgt für bodenständigen Humor neben der spirituellen, freimaurerischen Symbolik der Oper.
Mozart schrieb The Magic Flute zu einer Zeit, als er wenige Hofaufträge erhielt, und es gibt das Missverständnis, er habe dieses Projekt widerwillig oder als „seichte“ Arbeit angenommen. In Wahrheit war Mozart schon lange mit Schikaneder befreundet und gehörte derselben Freimaurerloge an; er ergriff gern die Chance, zur lebendigen Wiener Volkstheaterszene beizutragen[50][51]. Weit davon entfernt, unter seiner Würde zu sein, war The Magic Flute ein Herzensprojekt – Mozart goss sein ganzes Herz in diese Mischung aus magischem Abenteuer, philosophischen Ideen der Aufklärung und derb-komischer Possen.
Das Ergebnis war zweifellos eine seiner allerbesten Opern[52], die publikumswirksame Elemente (volkstümliche Nummern wie Papagenos zwitschernde Arien, spektakuläre Koloraturen für die Königin der Nacht) mit erhabener Musik von tiefer Bedeutung verbindet (der feierliche Choral der Priester, das Duett der beiden Geharnischten).
Die Zauberflöte war ein sofortiger Erfolg. Ihre Premiere war ein unmittelbarer Publikumserfolg, und sie „eroberte Wien im Sturm“, sprach Adelige wie Bürger gleichermaßen an[53].
Mozart selbst dirigierte die ersten Aufführungen und soll häufig anwesend gewesen sein, voller Freude über die Begeisterung des Publikums – er notierte, welche Arien Lacher oder Applaus erhielten.
Die Oper lief vielfach im Spätsommer und Herbst 1791; sogar Salieri (einst Mozarts Rivale) kam und soll The Magic Flute als „operone“ – eine große Oper – gelobt haben.
Tragischerweise erlebte Mozart nicht, wie weit dieser Erfolg noch tragen würde: Er starb am 5. Dezember 1791, nur zwei Monate nach der Uraufführung. Doch die Popularität von The Magic Flute wuchs weiter – binnen Wochen und Monaten wurde sie andernorts gespielt und verbreitete sich bald in ganz Europa[53].
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Sie bleibt eine der weltweit am häufigsten gespielten Opern[53], ein Zeugnis ihrer universellen Anziehungskraft. Für Mozart war The Magic Flute ein letzter Triumph und, allem Anschein nach, eine Quelle großer Freude. Es gelang ihm, eine Oper zu schaffen, die zugleich ein verspieltes Märchen und ein tiefes Bekenntnis zu den Werten der Aufklärung ist (die Macht der Liebe, der Vernunft und der Brüderlichkeit, die über Unwissenheit siegen). Ihr anhaltender Erfolg ist vielleicht das größte Monument von Mozarts Opernerbe – ein Werk, das, wie so viele seiner Opern, über die Jahrhunderte hinweg Herz und Verstand anspricht.
Quellen
[31] Liste der Opern von Mozart
https://en-academic.com/dic.nsf/enwiki/10361044
[15] [16] [17] [18] [29] [30] [36] [39] [40] [43] [44] [48] [49] [50] [51] [52] Die besten Mozart-Opern: seine 11 größten Bühnenwerke, gereiht | Classical Music
https://www.classical-music.com/features/works/best-mozart-operas
[14] [20] [47] Mozart-Opern: 10 der besten – Classic FM
https://www.classicfm.com/composers/mozart/guides/mozart-operas-10-best/
[19] Die Entführung aus dem Serail, oder die Kunst der Synthese – Opera Online
https://www.opera-online.com/en/articles/the-abduction-from-the-seraglio-or-the-art-of-synthesis
[21] [PDF] SCHRIFTLICHE RESSOURCE – Victorian Opera
[22] [23] [24] [25] [26] [27] L’oca del Cairo: Die teilweise geschriebene Mozart-Oper
https://interlude.hk/mozart-cairo-goose/
[28] [37] [38] [41] [42] Die 20 besten Opern aller Zeiten | Classical Music
https://www.classical-music.com/features/works/20-best-operas-all-time
[32] [33] [34] [35] Die Hochzeit des Figaro - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/The_Marriage_of_Figaro
[45] [PDF] così fan tutte - Metropolitan Opera
[46] [PDF] Così fan tutte Keynotes | Pacific Opera Victoria
https://pacificopera.ca/wp-content/uploads/2023/04/Web-Keynotes_Cosi-fan-tutte.pdf
[53] Die Zauberflöte in Kürze
https://www.operanorth.co.uk/news/the-magic-flute-in-a-nutshell/