피아노 협주곡 제6번 내림나장조

배경과 작곡

볼프강 아마데우스 모차르트는 1776년 1월, 잘츠부르크에 머물던 시기에 피아노 협주곡 제6번 내림나장조 K. 238을 작곡했다[1]. 당시 스무 살이던 모차르트는 신동으로서 유럽 각지를 순회하던 어린 시절을 마치고, 잘츠부르크 대주교(Prince-Archbishop) 궁정에서 콘서트마스터이자 궁정 오르가니스트로 자리를 잡은 상태였다[2]. 문화적으로 그는 고전주의 시대에 속해 있었는데, 이는 계몽주의 사상과 더불어 우아함과 명료함을 중시하는 음악적 미학이 자리한 시기였다. 이러한 경향은 흔히 갈랑 양식이라 불리며, 단순하고 노래하듯한 선율, 가벼운 짜임새, 즉각적인 청중 호소력을 강조했다[3][4]. 모차르트의 여섯 번째 협주곡은 이러한 갈랑의 흐름 속에서 쓰였으며, 이어지는 석 달 동안 작곡된 두 곡의 건반 협주곡(K. 242, K. 246) 역시 같은 경향을 보인다[1].

모차르트의 사생활 측면에서 1776년은 잘츠부르크 궁정 사회 속에서 비교적 규칙적인 일상이 이어지던 시기였다. 그는 궁정 연주회와 지역 살롱에서 자주 연주하며, 귀족들의 오락을 위한 새 작품을 꾸준히 공급했다[5]. 내림나장조 협주곡도 아마 이러한 자리들을 염두에 둔 작품이었을 가능성이 크다. 곧 1776년 카니발 시즌의 축제 분위기 속에서 젊은 작곡가(그리고 다른 유능한 연주자들)의 기량을 드러내기에 알맞은, 품위 있는 ‘보여주기용’ 레퍼토리였을 것이다[5]. 실제로 그해 카니발 연주회에서 모차르트 자신이 독주자로 이 작품을 초연했다[5]. 주목할 만한 점은, 남아 있는 기록에 따르면 이 협주곡의 초연이 오늘날의 피아노가 아니라 하프시코드에서 이루어졌다는 것이다. 1776년의 잘츠부르크에는 포르테피아노가 उपलब्ध하지 않았던 것으로 전해지며, 따라서 모차르트와 그의 누이 난네를은 초기 연주를 하프시코드로 했을 것이다[6]. 모차르트는 원고 악보에 아예 “Concerto di cembalo”(“하프시코드를 위한 협주곡”)라고 적어 두기도 했다[7].

이 협주곡은 모차르트가 해당 장르에서 기량을 다듬어가던 시기에 탄생했다. 밝은 소나타 형식의 1악장과 생기 있는 론도 피날레를 갖춘 구성은 이전의 피아노 협주곡 제5번 라장조(K. 175)의 틀을 따른다[8]. 작품이 깊은 드라마를 추구하지는 않지만, 세련된 매력과 기지 있는 착상이 모차르트가 훗날 남길 걸작들의 가능성을 암시한다[9]. 젊은 작곡가 자신도 K. 238을 자랑스럽게 여겼던 듯하다. 1777–78년 여행에 이 곡을 가지고 다니며 1777년 뮌헨과 아우크스부르크에서 연주했고, 10대 제자 로자 칸나비히에게 이 곡을 가르쳐 1778년 2월 13일 만하임 연주회에서 그녀가 연주하도록 했다[10]. 이러한 연주 이력은 이 협주곡이 우아한 오락 음악으로서 호평을 받았으며, 모차르트 자신의 비르투오시티뿐 아니라 재능 있는 아마추어의 역량에도 잘 맞는 작품이었음을 보여준다.

편성과 주목할 만한 특징

모차르트는 이 협주곡을 독주 건반 악기(원래는 하프시코드였으나 오늘날에는 피아노로 자주 연주됨)와, 오보에 2대, 호른 2대, 현악기로 이루어진 비교적 소규모 관현악을 위해 썼다[11]. 느린 악장에서는 오보에 대신 플루트 2대로 바꾸는데, 이 변화는 그 온화한 악장에 더 부드럽고 달콤한 음색을 부여한다[12]. 이러한 대체를 제외하면 클라리넷, 트럼펫, 팀파니는 사용되지 않는다. 관현악은 가볍고 실내악적인 성격으로 유지되며, 작품의 친밀한 규모에 잘 어울린다. 전체적인 음향의 짜임새 또한 모차르트 초기 협주곡 양식의 특징인 가볍고 투명한 질감을 보여준다[11].

작은 편성임에도 모차르트는 흥미로운 악기적 색채를 더한다. 서두부터 프랑스 호른이 경쾌한 구절로 존재감을 드러내며, 따뜻함과 장난기 어린 에너지를 보탠다. 이 특징은 피날레에서도 다시 나타난다[9]. 실제로 모차르트는 여덟 살 때 첫 교향곡을 쓰면서 ‘호른에게 할 만한 일을 줘야 한다’고 말했다고 전해지는데, 이 협주곡에서도 그는 호른 주자들이 빛날 순간을 마련해 준다[13][14]. 반면 느린 악장에서는 플루트가 약음 현 위로 서정적인 ‘한숨’ 같은 프레이즈를 그리며, 섬세한 대화를 만들어 음악의 부드러운 성격을 한층 강조한다[9]. 협주곡 전반에서 반주는 절제된 우아함으로 독주자를 받쳐 주며, 건반을 압도하지 않는다. 피아노와 오케스트라 사이의 이러한 균형—모차르트 협주곡의 표지와도 같은 특성—은 이 초기 작품에서도 이미 분명히 드러나며, 갈랑 양식 특유의 독주와 반주 사이의 명료한 구분과 맞닿아 있다[4].

형식과 음악적 성격

협주곡은 세 개의 악장으로 구성되며, 각 악장은 고유한 분위기와 양식을 지닌다[15]:

• I. Allegro aperto (내림나장조) – 1악장은 빠른 템포의 소나타 형식이며, Allegro aperto라는 표기를 갖는다. 이는 ‘열려 있는’, ‘밝은’이라는 뜻의 다소 이례적인 용어다. 모차르트는 몇몇 초기 협주곡에서 aperto를 사용해 빛나고 근심 없는 정신을 암시했다[16]. 실제로 이 악장은 명랑하고 성격적으로도 “열려 있으며, 광채와 유쾌함을 발산한다”[16]. 오케스트라가 우아한 주요 주제를 제시하면, 독주 건반은 가볍고 반짝이는 패시지로 이를 이어받는다. 처음에는 거친 폭풍이나 어두운 삽입구가 없고, 음악은 예의 바르고 귀족적인 매력을 유지한다. 다만 중심의 발전부에서 모차르트는 잠깐 단조로 방향을 틀어, 피아노가 단조 어법으로 소용돌이치는 아르페지오와 분산 옥타브를 연주하고, 여기에 애처로운 오보에 음정이 응답하며 한 줄기 비애를 더한다[16]. 한 연구자는 이 짧은 단조 에피소드에서 ‘정중한 표면 아래 숨은 진짜 모차르트’를 엿볼 수 있다고 지적했다[17]. 그러나 곧 햇살 같은 분위기가 되돌아오며, 음악은 단정한 태도로 처음의 주제들을 재현한다. 모차르트는 이 악장을 위해 약 12마디 분량의 짧은 카덴차를 써서, 오케스트라가 Allegro를 마무리하기 전 독주자가 마지막으로 화려하게 장식할 기회를 마련했다[17]. 전체적으로 이 악장은 가볍고, 또렷하며, 기분 좋게 노래되는 선율미를 지녀, 무거운 드라마 없이 모차르트 초기 고전 양식을 잘 보여 준다[18].
• II. Andante un poco adagio (내림마장조) – 2악장은 온화한 Andante로, 바깥 악장들의 활기와 대비되는 노래하듯한 서정성을 제시한다. 여기서 모차르트는 오보에 대신 플루트를 사용하며, 약음 현과 피치카토 베이스가 더해져 음악에 “더 달콤하고, 더 부드러운 성격”을 부여한다[12]. 피아노는 흔들리듯 이어지는 트리플릿 반주 위에 단순하고 유연한 선율을 엮어, 친밀한 따뜻함의 분위기를 만든다. 이 Andante는 겉으로는 “단순하고 부드럽다”[12]고 느껴지지만, 화성에서는 미묘한 세련미가 드러난다. 그는 장조와 단조 사이를 순식간에 전환하며, 감정의 깊이를 더하는 극적인 chiaroscuro(명암) 효과를 만든다[12]. 이러한 빠른 어둠과 밝음의 화성적 굴절은 모차르트 후기 작품의 특징으로 자리잡게 되는데, 여기서는 이후 느린 악장들에서 나타날 심오한 대비를 예고한다. 실제로 평자들은 이 악장에서 9년 뒤 작곡된 다장조 “엘비라 마디간” 협주곡, K. 467의 유명한 느린 악장으로 이어지는 씨앗을 듣는다고 말한다[12]. 두 악장은 섬세한 트리플릿 리듬과 장조/단조의 음영이 섞이는 특징을 공유하며, 모차르트의 서정적 양식이 이러한 초기 실험에서 어떻게 발전했는지 보여준다[12]. 다만 전체 분위기는 우아하고 사색적이며, 비극적 강도로 치닫지는 않는다. 이 세련된 삽입구는 잘츠부르크 청중에게 애잔한 아름다움과 ‘한숨’ 같은 목관의 프레이즈로 기쁨을 주었을 것이다[9].
• III. Rondeau: Allegro (내림나장조) – 피날레는 Allegro로 표시된 밝은 론도(되풀이되는 주제와 대비되는 에피소드가 교대로 나타나는 형식)이다. 오케스트라와 독주가 주고받는 우아하고 장난기 있는 리듬으로 가득한, 양식화된 춤 음악의 느낌을 지닌다[13]. 주요 론도 주제는 명랑하고 귀에 잘 붙으며, 오케스트라와의 대화 속에서 피아니스트의 민첩한 터치를 돋보이게 한다. 이 악장에서는 오보에가 다시 돌아오고(플루트는 더 이상 사용하지 않음), 모차르트는 특히 호른에 두드러진 역할을 부여한다[13]. 호른은 열정적인 신호와 화성으로 끼어들며, 젊은 모차르트가 약속했던 대로 “빛날” 기회를 얻는다[13]. 론도 중간에서 모차르트는 청자를 놀라게 하듯 사단조로 잠시 벗어나는데, 이 부분이야말로 독주 파트가 노골적으로 비르투오소적 면모를 드러내는 유일한 구간이다[19]. 사단조 에피소드에서 피아노는 바로크풍의 빠른 손가락 기교—예컨대 민첩함과 정확성을 요구하는 반복 분산 옥타브—를 수행해야 한다[19]. 이는 잠깐 스쳐 가는 비르투오소의 불꽃을 제공하지만, 곧 즐거운 장조의 후렴으로 해소된다. 모차르트는 피날레에도 짧은 카덴차를 남겼고, 또한 연주자가 적절한 쉼표에서 작은 꾸밈(Eingänge)을 즉흥적으로 더할 것을 기대했다[20]. 이례적으로 협주곡의 결말은 매력적이지만 소박하다. 마지막 독주 장식 후, 론도 주제의 최종 제시는 피아노가 아니라 단 한 대의 오보에에 맡겨져, 웅장한 독주 브라부라 대신 오보에가 건네는 부드러운 “마지막 미소”로 작품을 닫는다[21]. 이러한 효과는 작품의 품위 있는 성격에 걸맞은, 따뜻하고 재치 있는 작별 인사로 들린다.

수용과 유산

모차르트의 피아노 협주곡 제6번은 당대에 그의 젊은 재능을 보여 주는 즐거운 작품으로 호평을 받았지만, 후기 협주곡들만큼의 명성을 얻지는 못했다. 잘츠부르크에서는 1776년 초연 당시 궁정 청중을 만족시켰을 가능성이 크다. 모차르트가 이 작품에 느낀 만족은 그가 이를 여행에 가져갔다는 사실에서 드러난다. 1777년 뮌헨과 아우크스부르크에서 상류층을 위해 이 협주곡을 연주했고, 1778년에는 만하임에서 제자 로자 칸나비히가 독주 파트를 맡도록 하며 자랑스럽게 선보였다[10]. 당시 청중은 우아한 선율과 눈부신 건반 패시지를 즐겼을 텐데, 이는 귀를 긴장시키지 않으면서도 오락적 만족을 주는 음악이었다. 한 평자는 이 협주곡이 “청자에게 지나치게 부담을 주는 것은 아무것도 없지만” 그 매력으로 “완전히 사로잡는다”고 말했다[22]. 작품의 갈랑한 우아함은 당시의 예의 바른 살롱과 아카데미에 잘 어울렸다.

그러나 모차르트 사후, 이 내림나장조 협주곡은 오랫동안 비교적 잊힌 작품이 되었다. 모차르트는 악보 출판을 염두에 두었지만, 생전에는 필사본 상태로만 남아 있었다[23]. 결국 1790년대(대략 1793–1795년경)에 “Concerto di Cembalo”라는 표제로 출판되었는데, 이는 이 작품이 하프시코드 협주곡으로 출발했다는 기원을 반영한다[23][24]. 그 무렵에는 음악 취향이 변해 있었고, 모차르트의 후기이자 더 극적인 피아노 협주곡들(예: “Jeunehomme” K. 271 및 ‘빈 협주곡’의 대작들)이 이 초기 작품을 가려 버렸다. 1780년대 빈 시절에 모차르트가 K. 238을 연주했다는 기록은 없다. 그는 이미 새로운 작곡과, 공개 연주회를 위한 더 야심찬 협주곡들로 나아가고 있었기 때문이다[25][26]. 19세기 내내 제6번 협주곡은 아마도 연주회장에서 좀처럼 울려 퍼지지 않았을 것이며, 청중은 모차르트의 성숙한 걸작들로 발길을 돌렸다.

현대에 이르러 이 협주곡은 모차르트 전작의 일부로 재조명되며, 피아노 협주곡 전곡 사이클에서 자주 녹음·연주된다. 연주자와 연구자들은 오늘날 이 작품을 모차르트의 발전 과정에서 중요한 디딤돌로 평가한다. 후기 작품들에 비하면 비교적 가볍고 ‘예쁜’ 성격이지만, K. 238은 그 자체의 즐거움을 제공한다. 우아한 구성, 젊은 활기, 그리고 앞으로 도달할 더 큰 심연을 예감케 하는 단서들이 그것이다[27]. 피아니스트 안젤라 휴잇은 한때 모차르트의 초기 협주곡들이 그다지 흥미롭지 않다고 여겼지만, 이 작품을 연구하고 연주한 뒤에는 “생각이 완전히 바뀌었다”고 말하며, 그 안에 숨은 섬세한 매력과 정교한 디테일을 발견했다고 고백한다[28][29]. 오늘날 청중은 피아노 협주곡 제6번을 1776년 모차르트의 세계—세련된 취향과 기쁨에 찬 음악 만들기의 세계—를 비추는 창으로, 그리고 스무 살 무렵에도 우아함과 재치, 선율적 발명으로 충만했던 젊은 천재 작곡가의 초상으로 감상할 수 있다.