교향곡 제13번 F장조, K. 112
par Wolfgang Amadeus Mozart
모차르트의 교향곡 제13번 F장조, K. 112는 두 번째 이탈리아 여행 중이던 1771년 11월 2일, 밀라노에서 작곡되었다. 당시 그는 겨우 열다섯 살이었다. 뒤이은 잘츠부르크 및 빈 시기의 교향곡들에 가려 자주 주목받지 못하지만, 이 작품은 청소년 작곡가가 이탈리아 극음악의 양식을 흡수하는 한편, ‘관습적’인 초기 고전주의 교향곡의 경계를 이미 시험하고 있던 순간을 생생하게 포착한다.
배경과 맥락
1771년 가을, 볼프강 아마데우스 모차르트(1756–1791)는 아버지 레오폴트 모차르트와 함께 두 번째로 장기간 이탈리아를 방문하기 위해 다시 길을 나섰다. 당시 오페라의 중심지였던 밀라노는 단순한 경유지가 아니라 ‘스타일의 작업장’이었다. 이탈리아의 취향은 명료함, 빠른 극적 대비, 기억에 남는 선율 윤곽을 중시했으며, 이러한 선호는 당대 모차르트의 관현악 작법에 분명한 흔적을 남겼다.[1])
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교향곡 제13번 F장조, K. 112는 1770~1771년에 집중적으로 쓰인 ‘이탈리아 시기’ 교향곡들의 촘촘한 묶음에 속한다. 겉으로는 규모가 소박하지만 모차르트의 성장 과정에서 결정적으로 중요한 작품들이다. 니컬러스 케니언은 K. 112를 ‘관습적인 양식’으로 쓴 모차르트 교향곡의 마지막으로 묘사하며, 이 시점부터 젊은 작곡가가 보다 개성적인 교향곡 언어를 향해 움직이기 시작했다고 시사했다.[1]) 궁정의 오락음악과 진정한 교향적 논증 사이에 걸쳐 있는 이러한 과도기적 성격이야말로, 이 작품이 주목받아야 할 핵심 이유다.
작곡과 초연
이 교향곡은 모차르트의 두 번째 이탈리아 여행 중 밀라노에서 쓰였으며, 통상 1771년 11월 2일로 연대가 정리된다.[1])[2]) 이 날짜는 K. 112가 연주 활동, 인맥 구축, 후원자를 만족시켜야 하는 현실적 요구가 빚어낸 여정의 한가운데 놓여 있음을 뜻한다. 그런 조건에서는 무엇보다 즉각적인 효과를 내는 음악이 보상을 받기 마련이었다.
초기의 연주와 관련해 유력하게 거론되는 것은 1771년 11월 22일 또는 23일, 알베르트 미하엘 폰 마이어의 저택에서 레오폴트와 볼프강 모차르트가 연주회를 열었다는 기록이다.[1]) 공공의 ‘기념비적’ 무대라기보다 친밀한 공간이라는 이 설정은 교향곡의 규모를 이해하는 데 도움이 된다. K. 112는 모차르트 후기 성숙기 교향곡의 중량감 있는 수사보다는, 빛나는 윤색과 세련됨을 목표로 한다.
실용적 유연성을 전제로 한 작품이라는 인상을 강화하는 흥미로운 정황도 있다. Menuetto는 더 이른 시기에 작곡된 뒤 나중에 이 교향곡에 편입되었을 가능성이 있으며, 자필 악보에는 미뉴에트가 레오폴트의 필체로 옮겨 적혀 있다고 전해진다.[1]) 즉, 모차르트는 열다섯 살의 나이에도 마감에 맞춰 작곡해야 하는 현실 속에서, 재활용 가능한 재료를 활용하며 작업하고 있었다.
편성
K. 112는 전형적인 ‘초기 모차르트’ 교향곡의 음향 팔레트를 사용한다. 관악기는 완전히 독립된 합주군으로 기능하기보다는, 현악의 작법을 보강하고 색채를 더하는 역할에 가깝다. 편성은 다음과 같다.[1])
- 관악기: 오보에 2대, 바순(대개 저음 성부를 보강하는 역할로 이해됨), 호른 2대
- 통주저음: 하프시코드/오르간 통주저음(18세기 연주에서 흔한 관행)
- 현악기: 바이올린 I & II, 비올라, 첼로, 더블베이스
특기할 만하게도 2악장은 현악기만으로 편성된다.[1]) 이 시대의 4악장 교향곡에서 관악이 ‘빠지는’ 효과는 단순한 경제성 이상의 의미를 지닌다. 마치 무대에서 장면이 갑자기 클로즈업으로 전환되듯, 빛과 질감이 확연히 달라지는 진짜 변화를 만들어낸다.
형식과 음악적 성격
K. 112는 1771년 무렵 모차르트가 점차 채택해 가던 4악장 구성, 즉 빠름–느림–미뉴에트–빠름의 틀을 따른다.[1]) 이 교향곡의 개성은 설계의 새로움에 있다기보다, 열다섯 살의 작곡가가 익숙한 형식을 극적인 타이밍과 음향적 대비로 생동감 있게 살려내는 능력에 있다.
I. Allegro (F장조, 3/4)
서두의 Allegro는 의외로 경쾌한 3/4박자에 놓여 있는데, 이는 음악이 ‘1악장다운’ 역할을 수행하는 동안에도 춤곡 같은 탄력을 부여할 수 있는 박자다.[1]) 모차르트는 3박자를 단지 장식적 요소로 다루지 않고, 음악을 끊임없는 운동감 속에 머물게 하는 원동력으로 활용한다. 이는 리듬의 명료함과 전진감을 선호한 이탈리아 취향과도 맞닿아 있다.
II. Andante (B♭장조, 2/4) — 현악기만
Andante는 B♭장조로 옮겨가며 오케스트라를 현악기로만 축소한다.[1]) 그 결과 실내악을 연상시키는 친밀한 음향이 형성된다. 프레이징과 내성부가 더 또렷이 들리고, 청자의 관심은 ‘관현악 색채’에서 선율과 화성으로 이동한다. 젊은 작곡가에게서 이러한 선택은 특히 의미심장하다. 서로 다른 음향 세계를 대비시키며 다악장 작품의 호흡을 설계하려는 모차르트의 본능이 이른 단계부터 드러나는 신호이기 때문이다.
III. Menuetto – Trio (C장조, 3/4)
트리오를 포함한 Menuetto는 C장조로, 으뜸조보다 완전5도 위에서 밝고 탁 트인 음향을 제시한다.[1]) 이 악장이 실제로 별도로 기원했을 가능성이 있다 해도, 여기에서의 존재는 예술적으로 적절하다. 느린 악장의 내향적 분위기 뒤에 전 편성을 다시 불러들이며, 교향곡의 공적이고 사교적인 ‘톤’을 재설정해 주기 때문이다.
IV. Molto allegro (F장조, 3/8)
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피날레는 3/8박자의 Molto allegro로, 빠르고 응축되어 있으며 리듬 감각이 또렷하다.[1]) 이탈리아 관현악 전통에서 피날레는 종종 커튼콜처럼 기능한다. 짧고 미소 짓는 듯하며, 관객을 활력 있게 내보내도록 설계된 음악이다. 모차르트 초기의 피날레는 겉보기에 단순해 보일 수 있지만, 그 솜씨는 명료한 아티큘레이션, 적절히 계산된 반복, 그리고 큰 번거로움 없이도 오케스트라 전체가 움직이기 시작하는 듯한 추진감에 있다.
수용과 유산
K. 112는 모차르트의 현대적 명성을 떠받치는 교향곡들(특히 1788년의 후기 3부작)보다 앞선 시기의 작품이기에, 단지 ‘수련기 작품’으로만 들리기 쉽다. 그러나 이 곡의 가치는 바로 역사적·양식적 의미에 있다. 국제적 환경에서 열다섯 살의 작곡가가 직업적 확신을 지닌 필치로 작곡하며, 이탈리아풍의 즉각성과 새롭게 자리 잡아 가던 4악장 교향곡 규범을 균형 있게 결합하고 있음을 기록하기 때문이다.[1])
오늘의 청자에게 K. 112는 적어도 세 가지 방식으로 귀 기울일 만한 보상을 준다. 첫째, 모차르트의 양식 교육을 더 날카롭게 이해하게 해 준다. 밀라노 같은 오페라 도시가 그의 관현악적 본능을 어떻게 길렀는지를 보여준다. 둘째, 교향곡의 명료한 질감 설계—특히 현악기만 쓰는 Andante—는 대비를 단지 표면적 효과가 아니라 구조적 도구로 다루는 초기의 능숙함을 드러낸다.[1]) 셋째, 모차르트 후기 교향곡의 심오함이 무(無)에서 갑자기 나타난 것이 아님을 일깨운다. 그것은 실제 연주 조건 속에서 형식, 호흡, 관현악 음향을 다듬어 간 수많은 응축된 작품들로부터 자라난 결과였다.
요컨대 교향곡 제13번 F장조, K. 112는 기념비성을 목표로 하지는 않지만, 단순한 유년기의 소품과는 거리가 멀다. 1771년 밀라노 작품이라는 고유한 조건에서 들을 때, 이 곡은 균형감과 매력, 그리고 ‘관습적’ 교향곡이 더 큰 무엇이 될 수 있다는 싹트는 감각으로 말한다.[1])
[1] Wikipedia: overview, context (Milan/second Italy journey), movements, instrumentation, and probable first performance information for Symphony No. 13, K. 112.
[2] IMSLP work page: general information and composition date listing (1771/11/02) plus access to scores for Symphony No. 13 in F major, K. 112.