현악 5중주 제6번 E♭장조 (K. 614)
von Wolfgang Amadeus Mozart
모차르트의 현악 5중주 E♭장조, K. 614는 1791년 4월 12일 빈에서 완성된 작품으로, 그의 성숙기 비올라 5중주들 가운데 마지막이자 여러모로 가장 수수께끼 같은 작품으로 꼽힌다. 35세에 쓴 이 곡은 겉으로는 상냥하고 거의 ‘야외풍’이라 할 만큼 밝은 광채를 띠지만, 질감과 음역, 악기 역할을 다루는 방식에서는 유난히 노련하고 자의식적인 놀이를 펼친다.
배경과 맥락
1791년 4월의 빈에서 모차르트의 직업적 삶은, 후대 전기들이 종종 암시하듯 일직선의 ‘쇠퇴’ 서사가 아니었다. 오히려 여러 프로젝트가 강렬하게 겹쳐 돌아가고, 기회를 포착해 음악을 만들어내던 시기였으며, 실내악은 사적인 예술인 동시에 사회적 통화로도 기능할 수 있었다. K. 614는 바로 그런 생태계에 속한다. 이 작품은 연주자이자 친구, 후원자, 감식가이기도 한 이들을 위해 구상된 실내악이며, 친교와 진지한 감상이 뒤섞인 자리들을 염두에 둔 음악이다.
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이 분위기를 드러내는 단서 하나는, 빈의 직물 상인이자 프리메이슨 동료였던 미하엘 폰 푸흐베르크에게 보낸 모차르트의 편지에서 찾을 수 있다. 1791년 4월 21~27일 사이에 쓰인 편지에서 모차르트는 프란츠 폰 그라이너의 집에서 열린 실내악 모임을 언급하며, 첼리스트 요제프 오르슬러를 통해 바이올린 한 대와 비올라 두 대를 빌려 달라고 요청한다(“그라이너 댁에서의 an à quattro”). 겉으로는 실무적인 부탁이지만, 그 안에는 빈 실내악 생활의 인적·물적 현실이 조용히 그려진다. 악기들은 돌려 쓰이고, 모임은 급히 꾸려지며, 모차르트 5중주의 음향 세계에서 그토록 핵심적인 비올라는 때로 희소한 물품처럼 ‘조달’해야 한다.[2]
같은 인맥은 또 한 가지를 설명해 준다. 모차르트의 현악 5중주들이 유난히 ‘내부에서’ 쓰인 듯 들리는 이유다. 동시대 기록과 후대의 회고는, 친구들 사이에서 5중주를 시험 연주할 때 모차르트가 자주 제1비올라 자리에 앉았다고 반복해서 전한다. 이는 독주적 과시보다 내성부의 재치를 선호하게 만드는 관점이다. 독일의 한 실내악 안내서는(이 전통에 기대어) 두 명의 바이올리니스트 실명, 비올라에 모차르트와 슈타들러 신부, 첼로에 오르슬러라는 전형적 편성까지 보존하고 있는데, 이는 이 작품들이 추상적 ‘이상적 앙상블’이라기보다 실제로 반복되던 사회적 관행 속에 얼마나 자연스럽게 자리했는지를 시사한다.[3]
작곡과 헌정
모차르트는 자신의 작품 목록에 이 곡을 이렇게 날짜로 남겼다. 빈, 1791년 4월 12일.[1] 이 날짜가 푸흐베르크에게 말한 그라이너의 모임과 가깝다는 점 때문에, 이 5중주가 ‘즉시 사용’을 염두에 둔—감식가들의 특정한 밤을 활기 있게 만들고(그리고 수입으로도 연결할) 새 음악이었다는 그럴듯한 추정이 종종 제기되어 왔다. 앞서의 독일 자료는 더 노골적으로 같은 제안을 내놓는다. E♭장조 5중주는 그 실내악의 밤에 “아마도” 초연되었을 것이라고 말한다.[3]
출판 경로는 해석에 또 하나의 변수를 보탠다. 1793년 아르타리아가 모차르트 사후에 간행한 초판에는 “Composto per un Amatore Ongarese”—즉 “헝가리의 아마추어를 위해 작곡됨”이라는 도발적인 문구가 실려 있었다. 쾨헬 목록의 해당 항목은 이 문구를 초판의 제목 정보 일부로 기록해 두어, 이를 일화가 아니라 구체적인 서지학적 증거에 고정시킨다.[1] 이 ‘아마추어’가 누구인지는 여전히 논쟁적이다. 하이든 오케스트라의 전 바이올리니스트였다가 상인이 된 요한 토스트가 종종 거론되며, 다른 가설들은 빈의 헝가리 연고 귀족 사회로 눈길을 돌린다. 그러나 음악적으로 중요한 것은 이름보다 사회적 유형이다. 5중주를 원할 만큼 숙련되어 있고, 이를 뒷받침할 만큼 부유하며, 모차르트의 네트워크와 충분히 가까워 시장에 나오기 전에 사적으로 시험해 볼 수 있는 사람.
관련된 또 하나의 문헌은 ‘위촉’ 이야기의 단순함을 생산적으로 흔든다. 현대 판본들의 서문은 Wiener Zeitung (1793년 5월 18일)에 실린 공지를 인용하는데, 거기에는 K. 593과 K. 614가 “음악을 사랑하는 친구의 매우 열성적인 권유”(sehr thätige Aneiferung eines Musikfreundes)로 쓰였다고 되어 있다. 이 표현은 상업적 계약이라기보다, 신뢰하는 내부자의 ‘등 떠밀기’—어쩌면 이 5중주들을 살아 있게 한 바로 그 모임의 누군가—를 암시한다.[4]
형식과 음악적 성격
모차르트의 후기 빈 시기 비올라 5중주는 대체로 4악장을 취하고, 미뉴에트와 트리오가 3악장에 놓인다. K. 614도 이 관례를 따른다.[1] 그러나 그 방식은, ‘마지막 작품’이라면 청자가 기대할 법한 음향을 반복해서 장난스럽게 비튼다. g단조 5중주 K. 516이 비극적 정점처럼 느껴질 수 있다면, K. 614는 훨씬 더 포착하기 어렵다. 밝음은 순진하지 않고, 기교는 너무도 노골적이다—의도적으로 짜인 ‘역할’과 악기적 무대화로 가득해, 상냥함 자체가 하나의 주제가 된다.
I. Allegro di molto (E♭장조, 6/8)
도입부는 모차르트 실내악에서 특히 의미심장한 수 중 하나다. 두 비올라가 화성의 받침이 아니라 주역으로 시작한다. Villa Musica의 분석은 이들이 6도로 나란히 울리며 마치 호른의 신호처럼 들린다고 설명하는데, 18세기 귀에 이는 즉각적으로 야외의 alla caccia 연상을 불러일으킨다—다만 이것은 내성부가 연출하는 ‘실내의’ 사냥이다.[3]
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이는 단순한 색채 효과를 넘어선다. 현악 5중주의 질감에 대한 하나의 주장이다. 통상적인 4중주 위계에서 내성부는 ‘채우는’ 역할을 맡지만, 여기서는 내성부의 한 쌍이 선언하고 바이올린은 지배가 아니라 우아한 응답으로 맞선다. 그 결과 앙상블은 두 평면 사이를 민첩하게 회전할 수 있는 대화적 지형을 얻는다. (1) 밝고 공적인 수사(호출, 응답, 눈부신 패시지)와 (2) 사적 공예로서의 수사—트릴, 반복음, 진자처럼 오가는 반주형 음형 같은 미세 동기들이 거의 과시적으로 공평하게 돌아다니는 세계. 이런 의미에서 K. 614는 ‘고전적’이라는 말을 사회적 의미로도 체현하는 듯 들린다. 문명화된 차례 지키기의 음악.
II. Andante (B♭장조)
느린 악장에서 추가된 비올라는 연극적 목소리라기보다 음영을 매개하는 장치가 된다. 더블링은 모서리를 부드럽게 만들고, 촘촘한 음정 배치는 템포나 음역을 바꾸지 않고도 음색을 어둡게 한다. 일부 청자들은 여기서 후기 양식의 의식적인 절약을 듣는다. 교향곡 Adagio들처럼 저음을 두텁게 해서가 아니라, 중간 성부를 재분배함으로써 따뜻함을 만든다는 점에서.
이 악장은 K. 614에 대한 더 큰 해석—즉 이 작품의 명랑함이 후기 모차르트의 더 깊은 표현 세계를 부정하는 것이 아니라, 그 아래의 미묘한 긴장을 가능하게 하는 표면의 선택이라는 주장—을 뒷받침한다. ‘비극적 대비’ 대신 드라마는 균형의 문제다. 단순함을 어디까지 밀어붙일 수 있는가, 그리고 그 선을 넘는 순간 얼마나 기묘해질 수 있는가.
III. Menuetto. Allegretto – Trio
미뉴에트는, 모차르트에게 실내악의 Menuetto가 거의 결코 단순한 춤 장식에 그치지 않는다는 사실을 상기시킨다. 이곳은 악기적 성격의 실험실이다. 바이올린이 궁정 무도회의 무용수처럼 행동할 수 있는 반면, 비올라들은—또다시—의미심장한 곁말로 표면을 찌를 수 있다. 반대로 트리오는 종종 앙상블의 음역을 다시 중심으로 끌어오며, 피날레의 더 노골적인 장난기에 앞서 청자에게 청각적 ‘방 바꾸기’를 제공한다.
IV. Allegro (E♭장조)
피날레는 학계에서 가장 자주 논쟁의 무대가 되는 악장이다. 모차르트가 여기서 하이든에게 경의를 표하는가, 그를 패러디하는가, 아니면 우호적인 작곡 대결을 벌이는가? 여러 논자들은 모차르트의 주요 주제와 하이든의 현악 4중주 E♭장조 Op. 64 No. 6 피날레(요한 토스트와 연관된 세트)의 현저한 유사성을 지적해 왔다. 한 프로그램 노트는 이 악장을 그런 종류의 “최고의 헌사”로 명시적으로 규정하며, 주제적 닮음을 지적한 찰스 로즌의 관찰을 인용한다.[5]
이 비교가 밝혀 주는 핵심은 ‘모델 찾기’ 놀이가 아니라, 모차르트가 하이든풍의 재치를 5중주 특유의 작동 원리로 어떻게 번역하느냐에 있다. 추가 비올라는 희극적 타이밍을 위한 레버를 하나 더 제공한다. 예상되는 외성부 대신 내성부가 구절에 응답할 수 있고, 종지는 중음역의 끼어듦으로 김이 빠질 수 있으며, 앙상블은 2중주와 3중주로 갈라졌다 합쳐지기를—4중주 변증법이라기보다 대화극에 가까운 유연함으로—수행할 수 있다. 한 독일 자료가 시적으로 제안하듯 피날레가 “런던을 향한” 메시지라면, 그것은 모차르트 자신의 매체로 전달된다—사회적 지능으로서의 5중주 텍스처.[3]
수용과 유산
K. 614는 모차르트 사후에야 출판되었기 때문에(아르타리아 초판 1793), 초기 수용은 사후의 모차르트 문화와 얽혀 있다. 작품은 이미 기념비화된 ‘후기 양식’의 일부로 도착하지만, 정작 우리가 기대하는 후기 양식의 어두운 수사를 거부한다.[1] 이런 불일치는, 이 5중주가 연주자들에게 오랫동안 사랑받아 왔음에도, 더 노골적으로 극적인 g단조(K. 516)와 규모가 큰 C장조(K. 515)의 그늘에 가려 있다고 종종 말해지는 이유를 설명해 줄지도 모른다.[3]
현대의 연주사는 점점 더 바로 그 특성—밝음, ‘반(反)기념비성’—을 핵심으로 다루어 왔다. 오늘날 이 작품은 가벼운 코다가 아니라, 사회로서의 실내악에 관한 후기 모차르트의 발언으로 듣는다. 즉, 기교는 공동의 것이고, 권위는 분산되며, 기쁨은 슬픔만큼이나 복잡할 수 있는 형식이라는 발언. 공적 장르(협주곡, 오페라, 교향곡)를 심리극으로 바꾸어 놓곤 했던 그의 작품 세계에서, K. 614는 사적 장르를 ‘듣기의 윤리’로 바꾼다. 다섯 연주자가 실시간으로 공간과 책임, 재치를 협상하는 음악이다.
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[1] Internationale Stiftung Mozarteum, Köchel-Verzeichnis entry for K. 614 (dating, instrumentation, and first-edition details including “Composto per un Amatore Ongarese”).
[2] Digital Mozart Edition: Mozart to Michael Puchberg (Vienna, between 21–27 April 1791), letter mentioning borrowing a violin and two violas for a chamber-music evening at Greiner’s.
[3] Villa Musica Rheinland-Pfalz, Kammermusikführer: background on K. 614, Greiner evening context, typical players (Mozart on first viola), and interpretive remarks on the finale’s Haydn-facing wit.
[4] Bärenreiter edition preface excerpt referencing the Wiener Zeitung notice (18 May 1793) that K. 593 and K. 614 were composed through the “very spirited instigation of a musically-minded friend.”
[5] Parlance Chamber Concerts program note discussing K. 614, including the reported thematic kinship between Mozart’s finale and Haydn’s Op. 64 No. 6 (via Charles Rosen).