“Così dunque tradisci… Aspri rimorsi atroci”(K. 432/421a): F단조 바스 레치타티보와 아리아
par Wolfgang Amadeus Mozart
모차르트의 Così dunque tradisci… Aspri rimorsi atroci(K. 432/421a)는 바스와 오케스트라를 위한, 짧지만 극도로 드라마틱한 콘서트 스체나로, 대체로 1783년 빈에서 작곡된 것으로 여겨진다(오래된 목록에서는 1782년으로 분류되는 경우가 많다). 이례적으로 어두운 F단조로 쓰인 이 작품은 배신과 후회의 오페라적 극을 하나의 자족적인 미니어처로 응축한다. 스물여섯에서 스물일곱 살 무렵의 모차르트가, 단 하나의 목소리에 얼마나 큰 심리적 무게를 실을 수 있는지 시험하는 순간을 보여준다.
배경과 맥락
1780년대 초 빈에서 모차르트의 삶은 점점 더 ‘극장’에 의해 형성되어 갔다. 그는 프리랜서 작곡가이자 피아니스트로 막 자리 잡았고, 빈에서의 첫 대성공 무대작인 Die Entführung aus dem Serail(K. 384)이 1782년에 초연되었다. 같은 환경 속에서 그는 이탈리아 콘서트 아리아와 스체나라는 또 하나의 레퍼토리를 병행해 가꿔 나갔다. 이는 완결된 오페라를 위한 음악이 아니라, 콘서트홀에서 성악가가 부르거나 기존 오페라에 ‘삽입곡’으로 끼워 넣기 위해 만들어진 작품들이다.
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Così dunque tradisci… Aspri rimorsi atroci는 바로 그 세계에 정확히 속한다. 이 작품은 (자필 악보를 포함해) 전승이 확실하며, 일반적으로 1783년경 빈 작품으로 연대가 잡히지만, 목록과 음반 해설에서는 1782년을 반복해 적는 경우도 있다. 표준 서지 정보를 요약한 IMSLP는 작곡 연도를 “1783?”로 제시하고, 이 작품을 F단조의 바스와 오케스트라를 위한 2부 구성 스체나(레치타티보+아리아)로 분류한다.[1]
이처럼 비교적 덜 알려진 스체나가 왜 주목할 만할까? 한편으로는 바스 성부가—흔히 희극적 하인, 가장, 혹은 악역으로 배치되곤 하는—집중된 비극의 중심에 놓이기 때문이다. 또 다른 한편으로는, 모차르트가 대중의 취향과 개인적 야망 사이에서 균형을 배워 가던 빈 초기 시기에, 작은 캔버스 위에 ‘큰’ 오페라적 감정을 그려내는 작곡가의 면모를 보여주기 때문이다.
대본과 작곡
대본은 18세기 가장 영향력 있는 이탈리아 오페라 시인 피에트로 메타스타지오(1698–1782)의 것으로 전해진다.[1] 이 귀속만으로도 모차르트의 의도를 짐작할 수 있다. 메타스타지오의 언어는 고귀하고 궁정적인 오페라 세리아의 아우라를 지니고 있었고, 원래의 극적 맥락에서 떼어 내 콘서트 스체나로 재활용되었을 때조차 그 위상을 유지했다.
이 작품은 서로 이어진 두 악장으로 남아 있다. 레치타티보(Così dunque tradisci)가 곧바로 아리아(Aspri rimorsi atroci)로 이어진다.[1] 그리고 편성은 단순한 통주저음 반주 수준이 아니라, 콘서트 아리아 치고는 충분히 ‘전(全)오케스트라’적이다.
- 성부: 바스
- 목관: 플루트 2, 오보에 2, 바순 2
- 금관: 호른 2
- 현악: 바이올린 I & II, 비올라, 첼로, 더블베이스[1]
이 음색 팔레트는 중요하다. 오케스트라의 색채를 통해 단지 성악적 선언에만 기대지 않고, 비난에서 충격으로, 다시 자기혐오로 꺾이는 감정의 전환을 ‘무대화’할 수 있게 해주기 때문이다.
음악적 성격
이 스체나의 뚜렷한 윤곽은 조성에서부터 시작된다. F단조는 모차르트에게 특별한 표현 영역으로, 여러 주요 작품에서 고조된 긴장과 내면의 동요와 연결되어 왔다. 여기서는 분노와 쓰라린 자기 인식 사이에 붙잡힌 바스 주인공을 감싼다. 레치타티보는 드라마의 도화선 역할을 한다. 오페라적 의미에서의 ‘줄거리’라기보다, 수사학적 대결이 펼쳐지며 그 종지는 거스를 수 없이 아리아를 향한다.
Aspri rimorsi atroci에서 모차르트는 바스 성부에 극적이면서도 형식적으로 단단한 음악을 부여한다. 콘서트에서 단독으로도 설 수 있는 아리아이지만, 동시에 마치 한 장면이 실시간으로 계속되는 듯한 감각을 준다. 성악선은 선언적 강도(긴장된 리듬 속에서 이탈리아어 텍스트를 또렷하게 던지는 능력)와 레가토의 폭을 동시에 요구하며, 오케스트라는 자주 심리적 해설자로 기능한다. 그 결과는 압축된 오페라 세리아 독백에 가깝다. 여러 막에 걸쳐 구축되는 인물 초상이 아니라, 화성과 관현악법, 그리고 바스가 지닌 중량감이 합쳐져 한순간의 위기를 선명하게 드러낸다.
1780년대 후반 모차르트의 더 유명한 바스 역할들(피가로의 바르톨로, Don Giovanni의 콤멘다토레, 레포렐로의 빠른 말붙임)과 나란히 놓고 들으면, K. 432는 진지함과 관객을 향한 ‘윙크’를 단호히 거부하는 태도에서 특히 눈에 띈다. 이 작품은 모차르트 빈 시대의 성숙함 가운데 쉽게 지나치기 쉬운 한 면을 포착한다. 완성 오페라 밖의 ‘기회적’ 성악 작품을 쓰면서도, 그는 4~5분 안에 완결된 극적 세계를 만들어낼 수 있었다.[1]
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[1] IMSLP work page with general information: key (F minor), form (2 movements: recitative + aria), scoring details, Metastasio as librettist, and composition year given as 1783?