オーボエ四重奏曲 ヘ長調 K. 370
von Wolfgang Amadeus Mozart
モーツァルトの《オーボエ四重奏曲 ヘ長調 K. 370》は、作曲家が25歳だった1781年にミュンヘンで書かれた眩い室内楽作品で、弦楽四重奏のテクスチュアの中に、オーボエを協奏曲さながらの真の主役として据えている。[1] 親密さと高度な技巧性を同時に備えたこの曲は、管楽器が最も洗練された家庭的ジャンルの中でも、歌い、きらめき、対等な仲間として会話できるのだということを雄弁に示す、彼の代表的な証しの一つである。[2]
背景と文脈
モーツァルトの室内楽は鍵盤作品や弦楽四重奏曲を軸に語られることが多いが、彼の管楽器書法の精妙さも同様に啓示的であり、1781年頃には名人芸の専門奏者たちの存在によって、その書法はいっそう形づくられていった。オーボエ四重奏曲は、一本の管楽器と弦楽三重奏（フルートまたはオーボエに、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ）からなる四重奏曲群の一角に属し、作品数としては控えめながら、モーツァルトの創作の中で独自の位置を占めている。[2]
1780年から81年の冬、モーツァルトは《イドメネオ》をめぐって宮廷の音楽生活が活気づくミュンヘンに滞在していた。オーボエ四重奏曲は、当代屈指の名手として知られたオーボエ奏者フリードリヒ・ラムと密接に結びついている。モーツァルトはマンハイム圏で彼を知っており、ミュンヘンでも頻繁に顔を合わせていた可能性が高い。[2] モーツァルトが、管楽器を半ば協奏曲的な役割で「主役」に据える室内楽を常に書いていたわけではない。しかしこの四重奏曲はまさにそれを実現しており、実用的な動機（腕前を披露させる相手の存在）と、芸術的な好奇心――抒情的でオペラ的な思考を、室内楽の対話の世界へどこまで持ち込めるか――の双方を示唆している。
作曲と献呈
この作品の真作性と作曲時期は確かなものとされている。国際モーツァルテウム財団のケッヘル目録は、作曲時期を1781年1月から2月のミュンヘンとしている。[1] ベーレンライター版の序文によれば、自筆譜には作曲者自身による日付はないものの、「à Munic 1781」という書き込みが、表題および楽器指定と同じ（モーツァルトではない）筆跡で記されており、疑わしい後世の付加とは見なされていないという。またヨハン・アントン・アンドレの手稿目録には、より具体的に「1781年1月にミュンヘンで書かれた」とある一方、その月を厳密に証明することはできないとも注意を促している。[2]
正式な献呈先は伝わっていないが、この四重奏曲は広くフリードリヒ・ラムのために書かれたものと理解されている。[3] 編成は明快で、しかも象徴的だ。オーボエに、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ。つまり、これは「小さなセレナーデ」やオーケストラ作品の縮小版ではなく、真の室内楽的対話であり――それでもなお、最も明るいスポットライトはオーボエに当てられている。
編成
- 管楽器: オーボエ
- 弦楽器: ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ
形式と音楽的性格
モーツァルトはこの四重奏曲を3楽章にまとめ、当時の協奏曲や多くの室内楽作品に親しまれていた「急―緩―急」の枠取りに沿わせている。[3]
楽章
- I. Allegro
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- II. Adagio
- III. Rondeau. Allegro[3]
室内楽のスケールに宿る協奏曲の精神
K. 370をひときわ際立たせているのは、その絶妙な均衡感覚である。オーボエはプリマ・ドンナのように書かれている――息の長いcantabileの旋律、機敏なパッセージワーク、優雅な装飾――しかし同時に、オーケストラのtuttiに守られることなく、四声のテクスチュアに「収まらねばならない」。モーツァルトの解決策は、弦に二重の役割を担わせることだった。必要な場面では小編成オーケストラのような気品で伴奏し、次の瞬間には同格のパートナーへと滑らかに転じて、動機を受け渡し、オーボエが動かしたフレーズを結びきる。
第1楽章（Allegro）はとりわけ示唆的である。提示部―展開部―再現部というソナタ・アレグロ形式の感触を保ちつつ、サロン的なサイズへと凝縮されているように聴こえる。主題はくっきりと輪郭づけられ、移行は劇的な間合いで配され、オーボエはしばしば弦楽四重奏曲におけるソロ・ヴァイオリンに似た役割を担う――ただし、声質は別の種類の「歌う音色」だ。演奏では、モーツァルトが音の前面性と溶け合いをいかに慎重に管理しているかがわかる。オーボエの輝きは支配的になり得るため、弦は単なる伴奏に堕さぬよう、存在感を保てる音域やリズムで書かれていることが多い。
中間のAdagioは、作品の感情的な要となる楽章である。ここでモーツァルトは、古典派のオーボエが最も親密な表情で何を成し得るかを引き出す。持続する歌、繊細な装飾、そして引用こそしないもののオペラを思わせる「器楽のレチタティーヴォ」の趣。弦は単に和声を支えるのではなく、柔らかな応答や慰めるような内声の動きを与える――発音や母音のようなフレージングを揃え、声楽アンサンブルのように考える奏者にとって、報われる書法である。
終楽章（Rondeau. Allegro）は、機知に富んだ回帰と弾む推進力で作品を締めくくる。主要主題が繰り返し戻るロンド形式は、オーボエが舞台上の登場人物のように再入場する性格にふさわしい。各回帰は「再登場」のように響き、各エピソードでは、オーボエの人格を鮮やかに変奏する機会が生まれる――華麗に、からかうように、そして温かな抒情へと。その一方で弦は、劇のテンポを引き締めて保ち続ける。
受容と遺産
後世の伝播のされ方は、この作品の魅力と歴史的なニッチをともに物語る。IMSLPによれば、初版はフルート四重奏への編曲として出版され（1802年にN.シムロックから刊行、あるいはそれ以前の可能性もある）、こうした「一本の管＋弦」という作品が、有能なアマチュアやプロの間で柔軟に流通していたことを思い起こさせる。[3]
今日、K. 370がオーボエの室内楽レパートリーの礎であり続けるのは、弦の上にオブリガート・パートを貼り付けた類の作品ではないからだ。ここには、オーボエが導き、聴き、溶け合うことを――しばしば一つのフレーズの中で――求められる小さなドラマがある。聴き手にとっては、器楽テクスチュアを会話として振る舞わせるモーツァルトの才能を、驚くほど明瞭に見せてくれる窓口でもある。礼節に満ち、反応は素早く、ふいに優しさが差し込む。そしてより広い創作史の中では、この曲は転機の年――1781年初頭のミュンヘン――から放たれた凝縮されたマニフェストとして立ち現れる。宮廷の委嘱と自立への野心の狭間に立ちつつ、すでにウィーン成熟期の様式に通じる修辞的自信をもって室内楽を書いていたモーツァルトの姿が、そこにある。[1]
[1] International Stiftung Mozarteum (Köchel catalogue): KV 370 dating (Munich, 01–02/1781) and work identification
[2] Bärenreiter preface (Jaroslav Pohanka): autograph/dating discussion, Munich 1781 inscription, André catalogue note, likely connection to Friedrich Ramm
[3] IMSLP work page: instrumentation, movement list, composition year, publication note, and reference to being written for Friedrich Ramm