Concerto per pianoforte n. 27 in si bemolle maggiore, K. 595
par Wolfgang Amadeus Mozart
Composizione e contesto
Il Concerto per pianoforte n. 27 in Si bemolle maggiore, K.595, di Mozart fu il suo ultimo concerto per pianoforte, composto nel suo ultimo anno di vita (1791)[1]. Il manoscritto autografo è datato 5 gennaio 1791, sebbene l'analisi della carta suggerisca che gran parte sia stata in realtà scritta verso la fine del 1788[2]. In effetti, Mozart probabilmente iniziò il concerto nel 1788 (completando due movimenti e parte del finale) e lo mise da parte, tornando a terminarlo solo all'inizio del 1791 quando si presentò una nuova occasione concertistica[3]. Ciò pose fine a una pausa di quasi tre anni dal precedente concerto per pianoforte – l'intervallo più lungo nella sua produzione concertistica da quando si era trasferito a Vienna[4]. All'inizio del 1791 Mozart era ottimista sul futuro, nonostante le recenti difficoltà economiche e il calo della popolarità presso il pubblico[5]. Era stato appena nominato vice maestro di cappella alla Cattedrale di Santo Stefano ed era impegnato a comporre altre opere di quel miracoloso ultimo anno (tra cui numerose danze, l'opera Il flauto magico, il Concerto per clarinetto e l'incompiuto Requiem)[6].
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Il concerto in Si bemolle sembra essere stato scritto senza una committenza specifica, probabilmente destinato all'uso dello stesso Mozart. Fu eseguito per la prima volta a Vienna il 4 marzo 1791, in un concerto privato alla Jahn’s Hall con Mozart come solista[7]. Questo evento – ospitato dal clarinettista Joseph Beer – è ritenuto essere stata l'ultima apparizione pubblica di Mozart come pianista[8][7]. Un resoconto contemporaneo di quella prima notò che “tutti ammirarono l'arte di Mozart, tanto nella composizione quanto nell'esecuzione”[9]. (Un altro resoconto suggerisce che il concerto possa essere stato eseguito in prima assoluta qualche settimana prima dalla pupilla di Mozart Barbara Ployer al Palais Auersperg, ma il consenso odierno propende per l'esecuzione del 4 marzo[10].) Purtroppo, più tardi nello stesso anno Mozart si ammalò e morì il 5 dicembre 1791, facendo di questo concerto una sorta di commiato musicale. Fu pubblicato postumo da Artaria nel 1793 e, in quanto ultimo dei 27 concerti per pianoforte di Mozart, occupa un posto speciale come sua dichiarazione finale nel genere.
Organico
Battute iniziali della partitura autografa del concerto di Mozart (1791), con i righi orchestrali. Sono notevolmente assenti parti per trombe e timpani, il che dona all'opera una tavolozza orchestrale più leggera e intima.
Il concerto è strumentato per una piccola orchestra classica: un solo flauto, due oboi, due fagotti, due corni in Si bemolle, e archi, con il pianoforte (fortepiano)[11]. A differenza della maggior parte degli altri concerti pianistici tardi di Mozart, il n. 27 omette volutamente trombe e timpani, con il risultato di una tessitura orchestrale più sottile[11]. (In effetti, tutti i tardi concerti viennesi di Mozart, eccetto il n. 23 in La maggiore, prevedono trombe e timpani, mentre il K.595 no[12].) Questa strumentazione sobria contribuisce a una sonorità più dolce. I legni hanno un ruolo di rilievo, spesso portando avanti dialoghi melodici con il pianoforte, il che conferisce al concerto un calore e un colore particolari. Commentatori contemporanei hanno notato che il frequente ricorso ai fiati in questa partitura “accresce quel calore che è la caratteristica più evidente del Concerto”[13]. L'assenza di squilli di ottoni e percussioni rafforza inoltre il carattere intimo, quasi cameristico, del pezzo. Nel complesso, l'orchestrazione sostiene il pianoforte con discrezione e chiarezza, in linea con l'indole morbida e lirica del concerto.
Forma e carattere musicale
Il concerto segue la tradizionale struttura in tre movimenti veloce–lento–veloce dei concerti per pianoforte di Mozart:
Allegro (Si bemolle maggiore) – Il primo movimento è in forma di sonata per concerto. Si apre con un'esposizione orchestrale che introduce diversi temi aggraziati. Il tema principale è una melodia dolcemente lirica condivisa tra violini e legni, che instaura un elegante “lirismo fluttuante” nell'orchestra[14]. Seguono diverse idee contrastanti: un tema è più arguto e giocoso, con figurazioni di violino cinguettanti, e un altro è cantabile e sereno[15]. È notevole che, sebbene il movimento sia in tonalità maggiore, Mozart alluda a ombre di minore: per esempio, il secondo tema compare nella tonalità della dominante minore (Fa minore), e all'inizio della sezione di sviluppo si ha una breve sortita in una tonalità minore lontana[16]. Il pianoforte entra riproponendo il tema principale con delicati ricami, poi procede a elaborare e variare i temi in dialogo con l'orchestra[15][17]. Lo sviluppo è conciso ma ricco dal punto di vista tematico – Mozart frammenta e ricombina i motivi ed esegue modulazioni ardite (cambiando tonalità circa 20 volte in 60 battute)[17][18]. Nonostante la sua sofisticazione strutturale, il movimento mantiene un carattere misurato e spontaneo. La scrittura solistica è limpida e relativamente poco impegnativa (specie rispetto allo sfavillio virtuosistico dei concerti precedenti di Mozart)[13], il che suggerisce che a Mozart interessasse più il dialogo espressivo che l'esibizione tecnica. Dopo una ricapitolazione sfumata, Mozart inserisce una cadenza (un passaggio solistico improvvisato). Alla prima probabilmente la improvvisò, ma in seguito mise per iscritto delle cadenze per questo movimento (e per il finale) – una fortunata sopravvivenza, perché offre agli interpreti l'ornamentazione di Mozart stesso[19]. La cadenza riprende temi precedenti (in particolare il secondo tema lirico) prima che un ultimo tutti orchestrale chiuda dolcemente il movimento[20]. Nel complesso, il primo movimento bilancia l'eleganza classica con una sottotraccia toccante; la sua “intimità sommessa” e le trame limpide non lasciano trasparire apertamente le difficoltà personali del compositore[21].
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Larghetto (Mi bemolle maggiore) – Il secondo movimento è un tranquillo movimento lento indicato come Larghetto, impostato nella tonalità di sottodominante di Mi bemolle. La sua forma è un semplice schema ternario (A–B–A) di carattere cantabile. Il pianoforte presenta subito il tema principale: una “melodia incantevole”, dolce e sentita, che l’orchestra riprende a sua volta[22]. Questa melodia si dispiega con un carattere quasi da aria, spesso paragonata a un cantabile – in effetti, un autore definisce il movimento “pristino miniaturismo operistico” per la sua delicata espressività[23]. La sezione centrale (B) introduce un nuovo tema aggraziato e modula verso una tonalità lontana, offrendo un contrasto di colore[24]. Nonostante la generale serenità in tonalità maggiore, Mozart lascia di nuovo affiorare un’ombra fugace: a un certo punto del Larghetto, la musica sfiora la tonica minore (Si bemolle minore), e a un certo punto l’orchestra introduce una dissonanza sorprendente prima che la frase si risolva[22]. Questi momenti di tensione sono però fugaci e servono ad accentuare l’intensità emotiva del movimento. Il ritorno della sezione iniziale ripropone il tema di apertura, ormai arricchito dal percorso compiuto. L’atmosfera complessiva è di calma e introspezione poetica – i commentatori rilevano spesso un senso di appagamento venato di malinconia. Come recita una descrizione, il Larghetto lascia che la linea solistica della mano destra del pianoforte “si innalzi e fluttui” con dolce malinconia sopra l’accompagnamento[25]. Il trattamento mozartiano del movimento lento è straordinariamente intimo e spoglio**, lasciando che la pura bellezza della melodia e dell’armonia parli con semplicità.
Allegro (Si bemolle maggiore) – Il finale è un Allegro sereno e senza fretta in Si bemolle, che combina elementi di rondò e di forma-sonata. Il suo tema principale è una melodia aggraziata, dal sapore popolare che Mozart riprese in realtà da una sua canzone tedesca, “Sehnsucht nach dem Frühlinge” (Desiderio di primavera, K.596)[26]. Ciò conferisce al movimento un sapore caldo, quasi nostalgico – Mozart collocò quella canzone primaverile subito dopo il concerto nel suo catalogo, suggerendo di averli composti uno di seguito all’altro all’inizio del 1791. Il testo del tema di rondò (“Vieni, dolce maggio…”) lascia intravedere l’atteggiamento fiducioso di Mozart mentre scriveva il pezzo[27]. Il movimento procede alternando il tema del ritornello a episodi contrastanti. In uno di questi compare un’idea più energica e una breve puntata in tonalità minore, che aggiunge un tocco di drammaticità prima che torni il sereno. Per tutto il finale, l’umore resta di buon umore e appagato, senza i finali travolgenti o il virtuosismo vistoso che si trovano in alcuni concerti mozartiani precedenti. Una breve cadenza (di cui Mozart lasciò anche una propria versione scritta) compare prima dell’ultima ripresa e della coda[28][19]. Questa cadenza, come quella del primo movimento, è di proporzioni modeste e punta sul lirismo melodico più che sull’esibizione tecnica. Il concerto si chiude quindi in modo pacato e sereno, in uno spirito di dolce congedo. Degna di nota è la sottile integrazione ciclica tra i movimenti: il tema principale del Larghetto ricompare brevemente nel finale (come tema secondario)[29], creando un legame che per l’epoca costituiva un tratto insolito e proiettato in avanti. Questo richiamo tematico, insieme al riuso della melodia della canzone primaverile, conferisce al concerto una qualità narrativa coesa.
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Dal punto di vista stilistico, il K.595 si distingue dai grandi concerti virtuosistici che Mozart scrisse a metà degli anni 1780. Invece di uno sfarzo scintillante, emana una “serenità matura” e una semplicità che alcuni hanno definito “morbida” o “toccante nella sua ritrosia”[21]. Il ruolo del pianoforte è spesso riflessivo e integrato con l’orchestra, più che apertamente estroverso. Eppure, sotto la superficie gentile, la musica reca un’inconfondibile profondità di sentimento. Alcuni critici dell’Ottocento e del Novecento (il più famoso è Cuthbert Girdlestone) interpretarono questo concerto come venato di tristezza autunnale – “rassegnazione e nostalgia [che] stendono un velo di tristezza su tutto il concerto… gettando una luce vespertina, ad annunciare la fine di una vita”[30]. Sebbene tali interpretazioni poetiche nascano verosimilmente dalla consapevolezza che questo fosse l’ultimo concerto di Mozart, esse mettono in rilievo le quiete correnti emotive dell’opera. In effetti, la placida bellezza del brano non è priva di una qualità nostalgica e introspettiva. Tuttavia, molti analisti mettono in guardia dal leggere troppa tragedia nella musica in quanto tale. L’equilibrio formale e la grazia melodica del concerto proiettano un’atmosfera di appagamento che “non offre alcun reale indizio musicale del destino imminente del compositore”[31]. Come osservano le note di sala della Los Angeles Philharmonic, Mozart sembra “chiudere la porta sulla sua impareggiabile letteratura per concerto per pianoforte senza eroismi, senza autocommiserazione – con appena un sorriso”, sia pure velato da “una triste rassegnazione” agli angoli[23]. In sintesi, il Concerto per pianoforte n. 27 è caratterizzato da una bellezza discreta e lirica e da un profondo senso di chiusura – un’opera spesso descritta come autunnale, intima, e toccante, che offre un dolce commiato più che un grandioso congedo., offering a gentle farewell rather than a grand valediction.
Ricezione e lascito
Al suo debutto nel 1791, l’ultimo concerto per pianoforte di Mozart fu, a quanto riportato, accolto favorevolmente dai presenti – come si è detto, gli ascoltatori ammirarono sia la composizione sia la stessa arte pianistica di Mozart alla prima[9]. Tuttavia, nei decenni successivi alla morte di Mozart, questo concerto non raggiunse subito la fama di alcuni dei suoi lavori precedenti. Nell’Ottocento fu eseguito più di rado rispetto a lavori più appariscenti come i concerti in re minore o in do maggiore. Lo stile tardo di Mozart nel K.595 – così sottile e discreto – potrebbe essere stato fuori passo con il gusto ottocentesco per concerti più esplicitamente drammatici. Il musicologo Simon Keefe osserva che né il Concerto “dell’Incoronazione” (n. 26) né il n. 27 figuravano tra le opere strumentali più popolari di Mozart nell’Ottocento, e che solo nel XX secolo il n. 27 iniziò a ricevere l’ammirazione accademica che merita[32]. In effetti, per lungo tempo i critici dedicarono a questo concerto relativamente poca attenzione rispetto ai primi concerti viennesi di Mozart[33].
Col tempo, tuttavia, interpreti e studiosi hanno finito per apprezzare il Concerto per pianoforte n. 27 per le sue qualità uniche. Il suo lirismo gentile e il tono introspettivo sono stati lodati come tratti distintivi dell’ultimo genio di Mozart. Se per i primi commentatori, come Girdlestone, vi si scorgeva un presagio della fine di Mozart[30], in seguito altri autori hanno bilanciato tale lettura sottolineando la serenità della musica e l’assenza di cupo pessimismo[21]. Questo dialogo di interpretazioni ha in realtà arricchito l’eredità del concerto: lo si può ascoltare tanto come un nostalgico congedo quanto, semplicemente, come un esempio della pura, raffinatezza classica. Le note di sala moderne mettono spesso in risalto il fascino autunnale dell’opera e la sua calma “trasfigurata”, paragonandola ad altri capolavori tardi di Mozart (come il Concerto per clarinetto o a certi passaggi del Requiem) che trasmettono una pace ultraterrena. Inoltre, gli studiosi hanno messo in luce come Mozart stesse reinventando, in modo sottile, la forma del concerto per pianoforte nei suoi ultimi due concerti. L’integrazione dei temi tra i movimenti e l’orchestrazione essenziale di K.595 possono essere viste come l’esplorazione, da parte di Mozart, di idee nuove e proiettate in avanti, sulla soglia del XIX secolo[34].
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Nel XX secolo la reputazione del concerto crebbe costantemente. Divenne un pilastro del canone dei concerti mozartiani, soprattutto man mano che pianisti–studiosi e interpreti storicamente informati ne riscoprivano le sfumature. A metà Novecento, i principali pianisti lo inserivano in programma e lo incidevano, mettendone spesso in luce i caratteri cameristici. Oggi K.595 è considerato un capolavoro di misura e lirismo. Pur non avendo forse la fama subito canticchiabile, per esempio, del Concerto “Elvira Madigan” (n. 21) o il dramma tempestoso del n. 20, molti considerano il n. 27 l’approdo profondamente toccante del lavoro di Mozart nel genere. La sua eredità è legata anche alla pregnanza del fatto che sia l’ultimo concerto di Mozart, circostanza che gli conferisce un posto speciale, seppur agrodolce, nella storia della musica. Alcuni hanno persino tracciato parallelismi con compositori posteriori: per esempio Johannes Brahms (il cui Secondo Concerto per pianoforte fu a sua volta l’ultimo) pare ammirasse il n. 27 di Mozart, e un analista ha rilevato un possibile cenno ad esso nell’orchestrazione concertistica di Brahms[35]. Che tali connessioni siano o meno intenzionali, è chiaro che l’ultimo concerto di Mozart ha ispirato generazioni di musicisti a riflettere su come un grande compositore dia l’addio.
Interpretazioni e registrazioni
Per il suo carattere sottile, il Concerto per pianoforte n. 27 di Mozart è spesso considerato un concerto “per pianisti”, che premia sensibilità e chiarezza più che i fuochi d’artificio virtuosistici. Mozart stesso ne fu il primo interprete, dandole un avvio propizio con la sua esecuzione del 1791. Dopo la morte di Mozart, il concerto fu occasionalmente eseguito dai suoi allievi e poi da pianisti ottocenteschi, ma entrò davvero nel repertorio standard nel XX secolo, con l’affermarsi della rinascita mozartiana. Negli anni Trenta e Quaranta, pianisti come Artur Schnabel sostennero i concerti di Mozart; Schnabel, infatti, fu il solista della prima esecuzione di K.595 da parte della Los Angeles Philharmonic nel 1939[36]. Da allora, praticamente ogni celebre pianista mozartiano si è cimentato con il brano. È stato lodato nelle mani di artisti quali Clara Haskil, Lili Kraus, Wilhelm Kempff, e Walter Gieseking a metà Novecento, tutti capaci di metterne in risalto l’eleganza. In seguito, i grandi interpreti mozartiani Daniel Barenboim, Alfred Brendel, Murray Perahia, Mitsuko Uchida, Maria João Pires, Richard Goode, András Schiff (tra molti altri) hanno offerto esecuzioni e incisioni di rilievo.
Diverse impostazioni interpretative mettono in luce varie sfaccettature del concerto. Alcuni pianisti lo eseguono al fortepiano (l’antenato settecentesco del pianoforte moderno) per recuperare il mondo sonoro originario dell’opera; ad esempio Malcolm Bilson e Robert Levin lo hanno inciso con strumenti d’epoca, sottolineandone la scala intima. Sui pianoforti moderni, gli interpreti scelgono spesso un accompagnamento di orchestra da camera per mantenere la trasparenza della tessitura. L’intimità del brano si presta infatti a organici più piccoli, nei quali l’interazione tra pianoforte e fiati può essere finemente dettagliata. Un recensore recente ha osservato che il “intimo” n. 27 “mette in evidenza un maggiore livello di coesione d’insieme” in una cornice di orchestra da camera[37], e ha consigliato l’incisione di Maria João Pires con Claudio Abbado (e la selezionata Orchestra Mozart) come un equilibrio ideale tra compattezza sonora e sfumatura espressiva[38]. In generale, direttori e pianisti odierni mirano alla chiarezza del fraseggio, a tempi elastici e a un fraseggio dialogico in questo concerto, lasciando che la sua dolce poesia si dispieghi con naturalezza.
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Numerose incisioni di spicco di K.595 sono spesso citate per la loro capacità di penetrazione. Per esempio, la versione di Maria João Pires con Abbado è lodata per calore e intimità, quelle di Alfred Brendel (in particolare l’ultima con Sir Charles Mackerras) sono ammirate per la profonda comprensione dello stile mozartiano, e il leggendario pianista Emil Gilels ha realizzato un’incisione classica, apprezzata per la bellezza del suono. Le rassegne della critica includono spesso Richard Goode l’interpretazione di Richard Goode e quella della Pires tra i riferimenti, accanto a quella di Brendel[39]. Altre letture di pregio includono quelle di Murray Perahia (con la English Chamber Orchestra), Daniel Barenboim (che ha inciso l’intero ciclo due volte) e Mitsuko Uchida (con la English Chamber Orchestra diretta da Jeffrey Tate). Ogni pianista mette in luce sfumature diverse: Uchida, per esempio, privilegia una delicatezza cristallina, mentre Brendel imprime un fraseggio leggermente più robusto; tutti, però, trattano il concerto con la misura e la concentrazione lirica che richiede.
Vale anche la pena notare che le cadenze dello stesso Mozart per questo concerto sono comunemente utilizzate, data la loro autenticità e l’aderenza allo stile dell’opera[19]. Tuttavia, alcuni musicisti successivi hanno composto cadenze alternative: il compositore-pianista Johann Nepomuk Hummel (allievo di Mozart) scrisse cadenze per il n. 27, così come il virtuoso Carl Reinecke nel XIX secolo. Queste vengono talvolta eseguite, benché oggi gli interpreti preferiscano spesso gli originali di Mozart oppure improvvisino in modo storicamente appropriato.
Nell’esecuzione, il Concerto in Si bemolle maggiore è spesso apprezzato come un “autunnale” lavoro che chiude un recital o un programma di concerto con un tono riflessivo. Le sue battute finali, quiete, non mandano il pubblico in visibilio con gli applausi come farebbe un finale travolgente; piuttosto, gli ascoltatori restano spesso colpiti dalla sua bellezza misurata e dalla toccante consapevolezza che questo fu l’ultimo concerto per pianoforte di Mozart. Come ha opportunamente riassunto un critico, il n. 27 “è una composizione sublime che fonde lirismo, virtuosismo e profondità emotiva… un’apertura serena dà il tono a un viaggio dalla tenera malinconia all’esuberanza trionfante”, facendone un degno tributo all’eredità di Mozart[40]. Oggi, il concerto è tra i preferiti dai pianisti che privilegiano la poesia musicale alla bravura pianistica. I suoi migliori interpreti trasmettono il senso della matura semplicità – l’idea che, nel suo ultimo anno, egli parlasse alla tastiera con la massima chiarezza e grazia. Il Concerto per pianoforte n. 27 può essere un dolce commiato, ma è di profonda eloquenza, coronando la straordinaria serie dei concerti per pianoforte di Mozart con un’opera di .
Fonti:
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Mozart’s autograph manuscript and historical notes[41][42]; scholarly commentary by Simon Keefe[32]; program notes by Orrin Howard (LA Phil)[13][23]; Houston Symphony blog by Calvin Dotsey[3][43]; Interlude article by Georg Predota[7][31]; Cuthbert Girdlestone, Mozart and His Piano Concertos (quoted in LA Phil notes)[30]; Anne Queffélec album review (Tal Agam, The Classic Review)[37][39]; and other referenced musicological sources.
[1][2][8][10][11][12][16][19][26][29][34] Piano Concerto No. 27 (Mozart) - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._27_(Mozart)
[3][15][17][20][22][24][43] Mozart's Last Solo: The Piano Concerto No. 27 in B-flat Major, K. 595
https://houstonsymphony.org/mozart-piano-concerto-27/
[4][5][13][14][21][23][30][36] Piano Concerto No. 27, K. 595, Wolfgang Amadeus Mozart
https://www.laphil.com/musicdb/pieces/2767/piano-concerto-no-27-k-595
[6][7][9][18][25][27][31][35][40] Piano Concerto No. 27: Mozart's Final Piano Concerto
https://interlude.hk/on-this-day-4-march-mozart-piano-concerto-no-27-k-595-was-premiered/
[28][37][38][39] Review: Mozart - Piano Concertos No. 20&27 - Anne Queffélec
https://theclassicreview.com/album-reviews/review-mozart-piano-concertos-no-20-27-anne-queffelec/
[32][33] A Complementary Pair: Stylistic Experimentation in Mozart's Final Piano Concertos, No. 26 in D, K. 537 (the ‘Coronation’), and No. 27 in Bb, K. 595 (Chapter 3) - Mozart's Viennese Instrumental Music
[41][42] File:Mozart, Piano Concerto No.27 in Bb Major, K595, autograph manuscript (f.1r).jpg - Wikimedia Commons