Concerto per pianoforte n. 22 in Mi bemolle
av Wolfgang Amadeus Mozart
Contesto e composizione
Mozart compose il suo Concerto per pianoforte n. 22 in Mi bemolle maggiore, K. 482 a Vienna durante l’inverno del 1785[1][2]. In quel periodo Mozart era all’apice della sua popolarità a Vienna, dopo essersi liberato dalla servitù presso la corte di Salisburgo e prosperando come compositore-esecutore indipendente[3]. Culturalmente, la Vienna della metà degli anni 1780 era un vivace centro musicale e di idee illuministiche sotto il regno relativamente liberale dell’imperatore Giuseppe II. I concerti pubblici (o “accademie”) erano popolari, soprattutto durante periodi come l’Avvento e la Quaresima, quando le rappresentazioni operistiche erano limitate, offrendo a compositori come Mozart l’opportunità di presentare nuove opere. L’opera era considerata il genere musicale più prestigioso dell’epoca, ma i concerti per pianoforte erano il “pane quotidiano” di Mozart – li scriveva e li eseguiva regolarmente nei concerti in abbonamento per il pubblico viennese[4]. Nel 1785, la vita quotidiana di Mozart era piena di concerti, lezioni agli allievi e frequentazioni di ambienti aristocratici di mecenati e fratelli di loggia massonica; era anche un giovane marito e padre che cercava di mantenere uno stile di vita agiato, il che spesso lo metteva sotto pressione finanziaria[5].
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Nel dicembre 1785, Mozart stava lavorando contemporaneamente alla sua opera buffa Le nozze di Figaro (debuttata nel 1786) mentre produceva una serie di nuovi concerti per pianoforte[2]. Nonostante le sue ambizioni operistiche, Mozart aveva bisogno di assicurarsi un reddito; non aveva un incarico stipendiato e viveva al di sopra dei propri mezzi, accumulando debiti[5]. Per raccogliere fondi rapidamente, organizzò a Vienna una serie di concerti in abbonamento. In effetti, Mozart organizzò tre Avvento 1785 concerti (il 9, 16 e 23 dicembre) con circa 120 abbonati, un pubblico considerevole per l’epoca[7]. Il Concerto per pianoforte n. 22 in Mi bemolle fu completato il 16 dicembre 1785 e l’inchiostro sul manoscritto era appena asciutto quando fu lo stesso Mozart a eseguirne la prima quella stessa sera[8][9]. La prima esecuzione avvenne non nell’ambito di un concerto autonomo formale, ma tra gli atti di un’opera teatrale del collega di Mozart Carl Ditters von Dittersdorf[8]. Questa insolita modalità di debutto – inserire un concerto durante l’esecuzione di un’opera-oratorio di un altro compositore – riflette la prassi settecentesca di mescolare i generi in un unico programma.
Il nuovo concerto di Mozart fu accolto con entusiasmo fin dall’inizio. Suo padre Leopold Mozart riferì con orgoglio che il pubblico chiese un bis del movimento lento, l’Andante, osservando che dover ripetere un movimento centrale era “un fatto piuttosto inconsueto”[10][11]. (I bis venivano più spesso richiesti per i vivaci movimenti finali, perciò l’insistenza del pubblico nel voler riascoltare il toccante Andante mostrò quanto li avesse profondamente colpiti[12].) Questo concerto in Mi bemolle faceva parte di una trilogia di grandi concerti per pianoforte che Mozart scrisse nell’arco di pochi mesi, insieme al Concerto per pianoforte n. 23 in La maggiore (K.488) e al Concerto per pianoforte n. 24 in Do minore (K.491), che seguirono all’inizio del 1786[13][14]. È notevole che abbia composto tutti e tre mentre preparava anche Le nozze di Figaro. La capacità di Mozart di produrre una simile “sequenza stupefacente” di concerti e musica operistica allo stesso tempo attesta che si trovava all’apice delle sue facoltà creative[13][15].
Organico e orchestrazione
Il Concerto per pianoforte n. 22 è scritto per una compagine classica relativamente ampia, che gli conferisce una tavolozza sonora ricca e varia. Oltre al fortepiano (alla prima fu lo stesso Mozart il solista), l’organico prevede:
Legni: 1 flauto, 2 clarinetti in Si♭, 2 fagotti
Ottoni: 2 corni in Mi♭, 2 trombe in Mi♭
Percussioni: Timpani (in Mi♭ e Si♭)
Archi: Violini, viole, violoncelli e contrabbassi (sezione d’archi standard)[16].
È degno di nota che questo fu il primo dei concerti per pianoforte di Mozart a incorporare i clarinetti nell’orchestrazione[17]. In effetti, negli anni 1780 i clarinetti erano ancora un’aggiunta relativamente nuova alle orchestre, e Mozart desiderava da tempo utilizzarli per il loro timbro caldo e morbido[18]. Qui sostituisce i consueti oboi con i clarinetti, il che conferisce un timbro più morbido e legnoso all’insieme rispetto al più brillante suono degli oboi. Mozart sfrutta i clarinetti soprattutto negli episodi soavi e lirici del concerto – ad esempio, nel movimento lento e nelle sezioni tenere del finale – dove il loro “altamente versatile” e suono morbido aggiunge profondità emotiva[19][14]. L’inclusione di trombe e timpani, per contro, dona un colore festoso e maestoso ai movimenti esterni, rafforzando l’associazione della tonalità di Mi bemolle maggiore con la grandiosità. (Questi ottoni e percussioni tacciono nel più intimo Andante movimento, così da non disturbare il suo umore più cupo[16].) Mozart fu anche sensibile ai progressi degli strumenti a tastiera dell’epoca – il fortepiano a metà degli anni 1780 aveva una migliore tenuta del suono e una gamma dinamica più ampia – il che gli permise di scrivere linee melodiche più espressive e “cantabili” per il pianoforte, soprattutto nei passaggi lenti[20]. Nel complesso, l’organico del concerto era innovativo per l’epoca, ampliando i colori orchestrali disponibili in un concerto per pianoforte e prefigurando le sonorità più piene che i compositori successivi (come Beethoven) avrebbero esplorato.
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Il pianista Hannes Minnaar e la Philharmonie Zuidnederland diretta da Kevin John Edusei eseguono il Concerto per pianoforte n. 22 in Mi bemolle K.482 di Mozart:
Forma e carattere musicale
Come la maggior parte dei concerti di Mozart, il n. 22 in Mi bemolle è in tre movimenti, secondo lo schema veloce–lento–veloce. Tuttavia si distingue come uno dei più lunghi concerti di Mozart (circa 35 minuti)[21] ed è eccezionalmente ricco di idee musicali e di contrasti. Ciascun movimento ha un proprio carattere e una propria forma:
Allegro (Mi bemolle maggiore): Il primo movimento è un ampio forma-sonata che introduce un'abbondanza di materiale tematico. L’orchestra si apre con un grandioso tutti che cattura l’attenzione: un energico tema simile a una fanfara in Mi bemolle maggiore, punteggiato da trombe e timpani[22]. A questa apertura vigorosa risponde subito un’idea più morbida e lirica introdotta dai legni (con clarinetti e fagotti che riecheggiano la fanfara in modo giocoso e più lieve)[23]. Mozart “non fu mai più prodigo nel numero di temi” che in questo movimento – l’introduzione orchestrale presenta un’intera sequenza di motivi contrastanti, da maestosi a teneri, quasi come ad annunciare i personaggi di un’opera[24][25]. Quando il pianoforte solista entra, lo fa con un tema del tutto nuovo, invece di limitarsi a echeggiare le melodie dell’orchestra[26]. Ne scaturisce un vivace dialogo tra pianista e orchestra, ricco di contrasti drammatici e rapidi mutamenti d’umore che sono stati paragonati a scene d’opera[27]. Mozart tratta pianoforte e orchestra come partner alla pari – a tratti in una conversazione quasi arguta, scambiandosi temi e commenti. La sezione di sviluppo si avventura attraverso diverse tonalità lontane, includendo una sorprendente deviazione in Si bemolle minore avviata da un passaggio pianistico agitato e scuro[28]. In un momento sorprendente, il pianoforte introduce durante lo sviluppo una nuova melodia breve ma di struggente bellezza – un’oasi serena che appare una sola volta, offrendo un attimo di tregua prima che la musica torni verso la ricapitolazione[29]. Per tutto il movimento, i fiati (soprattutto i clarinetti) aggiungono colore e dialogano con il pianoforte. È notevole che Mozart non abbia lasciato cadenze scritte per questo concerto, il che significa che, durante la cadenza solistica verso la fine del movimento, gli interpreti devono fornire la propria (lo stesso Mozart ne avrebbe improvvisata una in esecuzione)[30]. Dopo la cadenza, il movimento si conclude con una coda spigliata, confermando l’umore luminoso e vigoroso. Nel complesso, questo Allegro equilibra “grandiosamente teatrali” passaggi con garbato umorismo e un elegante gioco d’insieme, esemplificando lo stile concertistico maturo di Mozart[27].
Andante (Do minore): Il secondo movimento passa all’inaspettata tonalità di Do minore, offrendo un contrasto emotivo drammatico. È impostato nella forma di tema con variazioni, sebbene con alcune deviazioni creative rispetto a una forma di variazione rigorosa[31]. Il tono qui è cupo, introspettivo e riccamente espressivo – tanto che gli ascoltatori contemporanei lo trovarono profondamente commovente. Mozart riservava il Do minore (una “oscura”, appassionata tonalità per lui) ad alcune delle sue musiche più emotive, e questo Andante ne è un esempio emblematico[32]. Si apre con i archi con sordina soli che presentano un tema principale grave e sospirante in un lento 3/8[33]. Entra quindi il pianoforte, elaborando quel tema con abbellimenti e lievi variazioni, aggiungendo la propria voce al canto malinconico[34]. Segue una serie di variazioni ed episodi inventivi: orchestra e solista si alternano nello sviluppo del tema, talvolta intensificandone la serietà malinconica, altre volte offrendo momenti di consolazione o di luce[32]. In una variazione, un duetto per flauto e fagotto in tonalità maggiore tenta di alleggerire l’atmosfera, introducendo una nuova melodia gentile come a offrire speranza[35][36]. Il pianoforte risponde con un’altra variazione intrisa di struggimento del tema principale, suggerendo che la tristezza non possa essere facilmente dissipata[37]. Vi sono dialoghi tra pianoforte e fiati – per esempio, a un certo punto i legni intervengono con un’idea in tonalità maggiore, tenera, che il pianoforte supera dolcemente tornando al tema minore, lamentoso[38]. Questo tira e molla tra ombra e luce conferisce al movimento un carattere profondamente toccante. Alla coda, i legni alla fine si uniscono al pianoforte in accordo, e insieme portano il movimento a una chiusa quieta e toccante[39]. Gli ascoltatori del tempo rimasero colpiti dalla profondità espressiva dell’Andante – come già ricordato, fu tanto sentito che il pubblico ne chiese il bis alla prima esecuzione[40]. I commentatori moderni vi colgono persino prefigurazioni di Beethoven nell’intensità emotiva del movimento e nell’uso del Do minore (una tonalità che Beethoven avrebbe reso celebre per il dramma)[35]. Nell’opera di Mozart, questo Andante spicca come incarnazione del suo patetismo lirico, usando l’orchestra (con i clarinetti che aggiungono un tenue bagliore) come “strumento espressivo” per sostenere gli intimi soliloqui del pianoforte[35].
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Allegro (Mi bemolle maggiore), con un Andantino cantabile episodio: Il finale è un rondò che riporta il concerto a un’atmosfera esuberante e festosa . Il tema principale è un tema luminoso, dal carattere di danza in 6/8, spesso descritto come dal carattere di caccia o popolaresco (il Mi bemolle maggiore era comunemente usato per musica che evocava i corni e scene all’aperto, da cui lo stile “corno da caccia”)[41]. Questo tema vivace – con i suoi ritmi briosi e il suo fascino rustico – ritorna periodicamente, intervallato da episodi contrastanti secondo la classica prassi del rondò[42]. Mozart, però, costella il rondò di sorprese e tocchi sofisticati. Dopo l’enunciazione del tema iniziale, saltellante, la musica si arresta brevemente e passa a un’idea del tutto nuova: gli archi avviano un accompagnamento soffice e pulsante, e sopra di esso il pianoforte introduce una melodia delicata e lirica indicata andantino cantabile (a un tempo più lento e cantabile)[43]. Questo elegante intermezzo nel pieno del rondò veloce sembra un’aria operistica che sboccia teneramente dentro una danza vivace – e infatti i commentatori vi colgono echi delle Le nozze di Figaro in questa dolce sezione cantabile[44]. Poco dopo compare un terzo tema: una melodia ampiamente lirica e fluida che aggiunge un’ulteriore sfumatura al quadro[45]. Malgrado queste deviazioni, il tema principale, giulivo, ritorna sempre per tenere il rondò sulla rotta. A metà del finale, Mozart inserisce persino una breve cadenza: la musica precipita in una breve pausa drammatica, concedendo al solista un guizzo che conduce inaspettatamente a un lento, quasi onirico Andante cantabile passaggio[46]. Qui i legni, soprattutto i clarinetti, spiccano con un dialogo “da aria” accanto al pianoforte, richiamando per un attimo il tenero sentimento del secondo movimento[47]. Ma lo spirito giocoso di Mozart fa sì che l’atmosfera non resti seria a lungo – un’altra rapida cadenza del pianoforte riporta di slancio la musica al tema principale festoso[48]. Mentre il rondò si lancia verso la conclusione, Mozart aggiunge un’ultima trovata arguta: proprio quando l’ascoltatore si aspetta le battute finali, la musica si arresta e il pianoforte ricorda con malizia ancora una volta la precedente melodia delicata (un amichevole promemoria di quel bel momento)[49]. Solo allora l’orchestra irrompe per concludere il brano con un finale travolgente. Questo arguto scherzo della falsa conclusione strappa spesso un sorriso; è il modo di Mozart per dire che non ha dimenticato nessuna delle trame musicali. La miscela del finale di “leggera e gioiosa” atmosfera con una sezione centrale sentita mette in mostra il fine equilibrio di Mozart tra presa sul pubblico e arte[47].
In tutto questo concerto, i tratti stilistici dell’ultimo periodo viennese sono in piena evidenza: un senso operistico del dialogo tra solista e insieme, una scrittura dei fiati sofisticata, improvvisi passaggi tra maggiore e minore a fini espressivi, e la fusione senza soluzione di continuità dell’eleganza melodica con il virtuosismo tecnico. Con una durata di circa 35 minuti di durata, l’opera si distingue per la sua scala e grandiosità notevoli[21], e tuttavia la musica non perde mai la chiarezza e la grazia proprie dello stile classico. Mozart adattò anche la scrittura pianistica al suo stile esecutivo, virtuosistico ma di buon gusto – le testimonianze coeve (come il ricordo del tenore irlandese Michael Kelly) lodano le “dita rapide, grande perizia e l’ispirazione” delle sue improvvisazioni alla tastiera[50]. In effetti, in questo concerto la parte solistica richiede sia un’agilità scintillante sia finezza espressiva, rendendolo uno dei concerti mozartiani più impegnativi per l’esecutore (i passaggi di bravura abbondano, ma vanno eseguiti con eleganza mozartiana più che con ostentata pomposità[26]).
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Ricezione e lascito
Al suo debutto e durante la vita di Mozart, il Concerto per pianoforte n. 22 fu tenuto in grande considerazione, anche se non divenne subito il più famoso dei suoi concerti. Come accennato, la sua prima del 1785 fu un successo – il fatto che il pubblico abbia richiesto il bis dell’Andante ne attesta il forte impatto[40]. Lo stesso Mozart eseguì il concerto in più occasioni. I documenti superstiti indicano che lo suonò almeno tre volte: due volte alla fine del 1785 (inclusa la prima informale durante il programma di Dittersdorf) e di nuovo in uno dei suoi concerti in abbonamento all’inizio del 1786, durante la Quaresima[51]. Suo padre Leopold si vantò per lettera dell’accoglienza del concerto, e si può immaginare la soddisfazione di Mozart per il caloroso benvenuto riservato all’opera nella competitiva scena musicale viennese.
Nei decenni successivi alla morte di Mozart (1791), il Concerto in Mi bemolle – come molte opere pianistiche mozartiane – fu in parte offuscato dall’ascesa del repertorio romantico . Nel XIX secolo, i concerti di Mozart non venivano programmati con la stessa frequenza di quelli di Beethoven o dei concerti virtuosistici dei compositori successivi, e il n. 22 fu eseguito meno spesso di alcuni concerti mozartiani più immediatamente popolari (come il drammatico Concerto in re minore n. 20, K.466, o il grazioso Concerto in do maggiore n. 21, K.467). Gli studiosi hanno notato che il n. 22 “non è mai stato davvero popolare quanto i suoi vicini più prossimi,” forse perché i nn. 21 e 23 hanno guadagnato maggiore fama; si affrettano però ad aggiungere che contiene musica meravigliosa all’altezza di qualsiasi pagina di Mozart[52]. In effetti, il Concerto in Mi bemolle fu “ingiustamente eclissato” dai suoi “fratelli” per qualche tempo[11]. Una parte della ragione potrebbe essere stata pratica: l’inclusione dei clarinetti (non ancora standard in ogni orchestra per tutto l’Ottocento) rendeva il brano meno agevole da programmare finché le orchestre non ebbero universalmente clarinettisti. In alcune esecuzioni dei primi decenni del XIX secolo, gli editori pubblicarono persino versioni dei concerti tardi di Mozart con le parti di clarinetto adattate per oboe, per venire incontro ai teatri sprovvisti di clarinetti. Tuttavia, tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo, i concerti di Mozart conobbero una rinascita nel repertorio, e il n. 22 tornò a essere apprezzato da pianisti e pubblico come lavoro amabile e di sostanza.
Nel XX secolo, l’eredità di questo concerto si è consolidata come parte del repertorio centrale dei concerti mozartiani. È stato sostenuto dai maggiori pianisti e direttori, sul palco e in registrazione. Per esempio, il leggendario pianista Sviatoslav Richter scelse il Concerto in mi bemolle n. 22 di Mozart per una celebre esecuzione degli anni Sessanta all’Aldeburgh Festival con il compositore Benjamin Britten sul podio – un evento degno di nota perché Britten stesso compose una speciale serie di cadenze per il concerto[53]. Le cadenze di Britten, fantasiose (benché stilisticamente avventurose), e la maestria pianistica di Richter contribuirono a richiamare l’attenzione sulla brillantezza del concerto. Molti altri pianisti acclamati, da Daniel Barenboim e Mitsuko Uchida a interpreti contemporanei come Angela Hewitt, hanno eseguito e inciso il K.482, spesso abbinandolo al Concerto in do minore K.491 per mettere in luce il contrasto tra lo stile in mi bemolle di Mozart “nobile ed elegante” e la sua voce più tempestosa nelle tonalità minori[54]. I critici lodano spesso il n. 22 per la sua scrittura colorita dei legni e il fascino singolare conferito dai clarinetti[55].
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Oggi, il Concerto per pianoforte n. 22 in mi bemolle è riconosciuto come uno dei capolavori dell’ultimo periodo di Mozart, offrendo una perfetta sintesi di fascino melodico, raffinatezza strutturale e ricca sonorità orchestrale. Potrà non avere un soprannome celebre o un riferimento alla cultura pop (a differenza dell’Adagio “Elvira Madigan” del n. 21), ma i conoscitori lo tengono in grande considerazione per profondità ed eleganza. Il pubblico e i musicisti di oggi apprezzano la sua “musica meravigliosa, soprattutto il movimento lento centrale,” che ha ancora il potere di toccare il cuore degli ascoltatori come ai tempi di Mozart[56].Il primo movimento, con la sua profusione di temi e la maestà festosa del mi bemolle, e il suo finale gioioso, ricco di sorprese, continuano ugualmente a incantare. Il concerto è regolarmente presente nelle sale da concerto di tutto il mondo e rimane un – una testimonianza del genio di Mozart nel creare musica che trascende la propria epoca.
In sintesi, il Concerto per pianoforte n. 22 in mi bemolle maggiore, K. 482, di Mozart è un ritratto fedele del mondo del compositore nel 1785 e un gioiello musicale che ha superato il contesto viennese del XVIII secolo che lo ha visto nascere. Il suo retroterra è intrecciato con la vita di Mozart come musicista imprenditore in una fiorente capitale culturale; la sua composizione mette in mostra la capacità di innovare (attraverso nuovi strumenti e forme) sotto la pressione del tempo; la sua musica fonde la forma classica con il lirismo operistico e una creatività audace; e la sua eredità mostra come un’opera possa inizialmente essere un prodotto del proprio tempo e infine raggiungere uno statuto senza tempo. Mozart scrisse questo concerto con l’immediato scopo di compiacere il suo pubblico e consolidare la propria reputazione (e le proprie finanze) a Vienna, ma così facendo donò al mondo un brano che continua a “dare piacere senza fine” – realizzare l’ideale stesso dell’arte mozartiana, nel coniugare intelletto ed emozione attraverso i secoli[24][35].
Fonti:
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Program notes by Rhode Island Philharmonic and Hong Kong Philharmonic[57][20][10]
Houston Symphony and Henle Verlag essays on Mozart’s Piano Concerto No. 22[58][14]
Mozart’s letters and biography (cited in Mozart: New Documents/Jahn)[7][59]
Wikipedia entry on Piano Concerto No. 22 in E-flat, K.482[17][21]
Angela Hewitt’s liner notes (Hyperion Records) and BBC Music Magazine review[24][53], describing the work’s musical features and later performances.
[1][16][17][21][31] Piano Concerto No. 22 (Mozart) - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._22_(Mozart)
[2][4][34][36][37][38][39][42][43][45][46][48][49][50][51][55][58] Something Rare: Mozart's Piano Concerto No. 22 in E-flat major, K. 482
https://houstonsymphony.org/mozart-k482/
[3][10][12][19][20][22][23][27][32][33][40][44][47][52][56] MOZART | Piano Concerto no. 22 | HK Phil
https://www.hkphil.org/watch-and-listen/all-performances/mozart-piano-concerto-no-22
[5][7][9][15][18][24][26][28][29][54] Mozart: Piano Concertos Nos 22 & 24 - CDA68049 - Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Hyperion Records - MP3 and Lossless downloads
https://www.hyperion-records.co.uk/dc.asp?dc=D_CDA68049
[6] File:Mozart - Piano Concerto No. 22 - Opening Page of the Autograph Manuscript.jpg - Wikimedia Commons
[8][13][25][30][35][41][57]THE STORY BEHIND: Mozart's Piano Concerto No.22
https://www.riphil.org/blog/the-story-behind-mozart-s-piano-concerto-no-22
[11][14] Piano Concerto no. 22 E flat major K. 482 | HN1240 | HN 1240
https://www.henle.de/Piano-Concerto-no.-22-E-flat-major-K.-482/HN-1240
[53] Mozart: Piano Concerto No. 22 in E flat, K482; Sinfonia Concertante in E flat for violin & viola, K364 - Classical Music
https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/mozart-295
[59]7 April 1786