Sinfonía n.º 41 en do, «Júpiter»

Mozart terminó su Sinfonía n.º 41, K.551 (la Sinfonía «Júpiter») el 10 de agosto de 1788[1]. Fue su última sinfonía, escrita inmediatamente después de las n.º 39 y 40, en un arrebato creativo durante el verano de 1788[1]. Mozart vivía entonces en Viena, donde tanto sus finanzas como su salud eran precarias. En 1788 sus ingresos habían caído en picado a medida que cambiaban los gustos del público[2]. La propia ciudad atravesaba dificultades: el emperador José II había iniciado a comienzos de 1788 una costosa guerra contra los turcos otomanos, lo que provocó inflación y redujo el apoyo aristocrático a las artes[3]. La vida personal de Mozart también estaba agitada. Él y su esposa Constanze acababan de mudarse a un suburbio más barato (Alsergrund) para ahorrar, y su hija Theresia, de cuatro meses, murió en junio de 1788[4][5]. Mozart enfermó durante aquel verano húmedo[5], y aun así, pese a estas penurias, compuso de manera asombrosa tres sinfonías completas en el verano de 1788, con fechas de catálogo del 26 de junio, 25 de julio y 10 de agosto[1][6].

Composición y contexto

Mozart escribió la sinfonía «Júpiter» en Viena sin encargo externo. Anotó su finalización en su catálogo el 10 de agosto de 1788[1]. Ningún mecenas ni empresario había solicitado nuevas sinfonías; en cambio, los historiadores creen que Mozart esperaba utilizar estas obras en conciertos que planeaba organizar por su cuenta[7]. De hecho, una carta de junio de 1788 muestra a Mozart pidiendo dinero prestado con urgencia para financiar los próximos conciertos en el Casino vienés de San Esteban, presumiblemente para presentar sus obras más recientes[6]. Estos conciertos proyectados en Viena no están documentados con certeza. Tampoco está zanjada la afirmación de que Mozart nunca escuchó «Júpiter»: una sinfonía en do mayor incluida en su programa de Leipzig del 12 de mayo de 1789 podría haber sido la K.551[21][8]. Solo se publicó póstumamente, en 1793[9]. El célebre sobrenombre de la sinfonía también se le asignó tras la muerte de Mozart: el empresario alemán Johann Peter Salomon (promotor de conciertos en Londres) la bautizó «Júpiter», aludiendo al rey romano de los dioses y a la grandeza de la obra[10][9].

Instrumentación

La sinfonía «Júpiter» está escrita para una orquesta de la época clásica: una flauta, dos oboes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas, timbales y cuerdas[11]. (De manera llamativa, Mozart prescinde de clarinetes en esta partitura, a pesar de que ya había empezado a utilizarlos en sus obras orquestales tardías[12].) Emplea los instrumentos de viento de un modo particularmente inventivo: en lugar de limitarse a doblar a las cuerdas, oboes, fagotes y trompas llevan a menudo melodías independientes y figuraciones ornamentales. Los críticos señalan que el equilibrio entre vientos y cuerdas en esta sinfonía es «el más ingenioso» que Mozart alcanzó jamás[13]. El metal brillante (trompetas y timbales) refuerza la tonalidad de do mayor, dotando a la sinfonía de una sonoridad festiva y poderosa.

Forma y carácter musical

La sinfonía tiene cuatro movimientos según el esquema clásico habitual rápido–lento–minueto–rápido. Son los siguientes:

• I. Allegro vivace (do mayor): Este movimiento inicial está en forma de sonata y comienza con un tema audaz y enérgico. Destaca por sus contrastes ingeniosos e incluso por un toque de humor. Cerca del final de la exposición Mozart cita brevemente una melodía de una de sus óperas: su aria de inserción «Un bacio di mano», K.541, escrita para Le gelosie fortunate (1788) de Anfossi, aparece de manera inesperada justo antes de la repetición[14]. Esta autocita no cumple una función formal, pero añade un aire juguetón, de sabor operístico. Por lo demás, el movimiento se despliega de un modo típicamente mozartiano, con temas elegantes y briosos, cambios dinámicos y un desarrollo trabajado con gran concisión.

• II. Andante cantabile (fa mayor): El movimiento lento es lírico y expresivo. Se abre con un tema sencillo, de carácter casi ingenuo, pero Mozart lo transforma gradualmente en pasajes de intenso dramatismo. De manera inusual para 1788, las armonías se vuelven por momentos muy audaces y cromáticas, incrementando la tensión emocional[15]. La sección de vientos desempeña un papel importante: delicadas figuras de madera se entretejen alrededor de las cuerdas, creando un rico contrapunto y no un mero acompañamiento[15]. Los críticos describen este Andante como uno de los movimientos lentos más sensuales y emocionalmente ambiguos de Mozart[16], porque equilibra la ternura lírica con repentinas sorpresas armónicas.
• III. Menuetto: Allegretto – Trio (do mayor): El tercer movimiento es un minueto solemne en compás de 3/4, con un trío contrastante. El tema del Menuetto es rítmicamente firme y grácil, evocando el estilo de danza cortesana. Resulta interesante que este minueto guarde una conexión velada con el primer movimiento: su melodía inicial es una versión transformada del segundo tema del Allegro[17]. (Dicho de otro modo, Mozart recupera sutilmente una melodía anterior en un nuevo contexto.) La sección del Trio, de carácter más suave, introduce una melodía nueva y ondulante. Ese tema del Trio, a su vez, presagia el motivo principal del finale[17]. Así, Mozart enlaza cíclicamente los movimientos mediante estas referencias motívicas.
• IV. Molto allegro (do mayor): El finale es un movimiento brillante y de enorme energía. Se abre con un motivo sencillo de cuatro notas (alturas do–re–fa–mi) en unísono rítmico. Mozart trata este motivo como sujeto de fuga: a continuación introduce cuatro temas adicionales, y a lo largo del desarrollo y la reexposición los combina de manera contrapuntística. En la extensa coda se lanza a un contrapunto pleno, hasta entretejer finalmente los cinco temas[22] en un glorioso fugato a cinco voces[18]. El resultado es un finale de auténtico tour de force: un clímax de apariencia fugal que exhibe una maestría técnica soberbia y un impulso exultante. (Un detalle fascinante es que el propio sujeto de cuatro notas no es original de Mozart. Procede del himno medieval «Pange lingua», que Mozart conocía por sus estudios de contrapunto[19]. Para la época clásica, este motivo se había convertido en un ejercicio canónico de escritura fugada, y Mozart lo integró con ingenio en su sinfonía.)

Recepción y legado

No se ha identificado una primera audición definitiva de la Sinfonía n.º 41; sigue siendo posible que se interpretara en vida de Mozart[21]. Las partes orquestales se publicaron en 1793[9], y aunque no existe una primera interpretación documentada de forma concluyente, se cree que Salomon ofreció una temprana ejecución en Londres antes de 1815[9]. El propio Mozart nunca la conoció con el nombre de «Júpiter»; ese honorífico se le otorgó más tarde por Salomon y los círculos de conciertos, como reflejo del carácter majestuoso de la obra[10]. Con el tiempo, «Júpiter» ha pasado a considerarse de manera generalizada una de las grandes obras maestras de Mozart y una cumbre de la sinfonía clásica. Musicólogos e intérpretes suelen describirla como la culminación de la escritura sinfónica del siglo XVIII[20]. Su amplitud emocional, su inventiva contrapuntística y su brillante finale le han asegurado un lugar permanente en el repertorio orquestal. Hoy la sinfonía se graba y se interpreta con frecuencia, y los músicos siguen asombrándose ante su artesanía y su fulgor. En suma, la Sinfonía «Júpiter» se alza como un broche perfecto para el legado de Mozart: una obra de invención extraordinaria que tiende un puente entre la era clásica y la profundidad expresiva romántica que estaba por llegar[20].