Mozart y el auge del piano
Del clavecín al fortepiano – una nueva era dinámica
A mediados del siglo XVIII, el mundo del teclado estaba dominado por el clavecín (a menudo llamado cémbalo) y el clavicordio. Las cuerdas del clavecín se punteaban, lo que significaba que no podía cambiar de volumen con el toque: las notas sonaban a una intensidad fija. El clavicordio, por su parte, permitía un control expresivo pero producía solo un sonido suave, adecuado para la práctica privada. Con el amanecer de la era clásica, los gustos musicales empezaron a anhelar cambios dramáticos en la dinámica —fortes súbitos y pianos susurrados— que estos viejos instrumentos no podían ofrecer plenamente. La solución fue un nuevo invento: el pianoforte (o fortepiano), que golpeaba las cuerdas con macillos y podía tocar suave (piano) o fuerte (forte) según cómo se presionaran las teclas. Esta innovación —lograda por primera vez por Bartolomeo Cristofori hacia 1700— puso en marcha lentamente una revolución sonora.
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Mozart creció tocando el clavecín; en sus primeras giras como niño prodigio lo presentaban como un wunderkind en ese instrumento. Las teclas del clavecín no ofrecían dinámicas, así que el joven Mozart dominó inicialmente un estilo de articulación nítida y adornos recargados adecuados a las cuerdas punteadas. Sin embargo, los tiempos estaban cambiando. En las décadas de 1760 y 1770, los pianos iban ganando terreno en Europa. Es probable que Mozart se encontrara con sus primeros fortepianos de niño en Londres, donde Johann Christian Bach ofreció en 1768 uno de los primeros conciertos de piano del mundo. Sin duda tocó un piano en público en Múnich en 1775. Estas experiencias insinuaban el potencial del piano, y Mozart tomaba nota. El fortepiano prometía algo revolucionario: un teclado en el que el intérprete podía comunicar emoción mediante el toque, moldeando las frases con crescendos y diminuendos que un clavecín sencillamente no podía ejecutar.
Una visita al taller del señor Stein
Un momento decisivo llegó en 1777. Mozart, entonces de 21 años, visitó el taller de Johann Andreas Stein en Augsburgo, Alemania, uno de los grandes constructores de pianos de la época. Allí Mozart pudo ver de primera mano lo más avanzado del diseño pianístico. Quedó asombrado con lo que encontró. En una carta entusiasmada a su padre, Mozart prodigó elogios a los pianofortes. «Antes de ver ninguno de sus instrumentos, los clavicordios de Späth siempre habían sido mis favoritos. Pero ahora prefiero mucho más los de Stein», escribió Mozart, señalando que los instrumentos de Stein tenían una amortiguación superior (enmudecimiento de las cuerdas) de modo que, cuando se soltaba una nota, el tono se detenía exactamente cuando él quería. Nada de zumbidos persistentes ni borrones sonoros: Stein había resuelto uno de los principales desafíos técnicos. Mozart se maravilló de que «de cualquier manera que toque las teclas, el sonido nunca chirría; en una palabra, es siempre uniforme». El piano de Stein podía tocarse fuerte o suave sin traquetear ni descontrolarse. El secreto era el desarrollo por parte de Stein de un mecanismo de escape que permitía que el macillo golpeara y luego retrocediera sin rebotar contra la cuerda. Esto era tecnología de punta en 1777 —«ni uno entre cien» fabricantes se molestaba en poner un escape, anotó Mozart—, pero hacía que los instrumentos de Stein fueran extraordinariamente sensibles y de timbre limpio.
Fundamentalmente, Stein también había introducido una nueva manera de levantar los apagadores y sostener las notas: palancas de rodilla. En teclados anteriores a veces había tiradores o palancas manuales para levantar todos los apagadores (¡lo que requería una mano extra o incluso un asistente!), pero los pianos de Stein incorporaban una palanca accionada con la rodilla bajo el teclado. Mozart quedó impresionado por la implementación de este dispositivo por parte de Stein. «También hace el mecanismo que se pulsa con la rodilla mejor que nadie», escribió Mozart. «Apenas necesito tocarlo y va de maravilla, y en cuanto uno retira la rodilla… no se oye absolutamente nada que siga sonando». En otras palabras, el sustain de palanca de rodilla de Stein era suave y sensible: un leve empuje con la rodilla levantaba los apagadores para un legato fluido o un efecto resonante, y una liberación rápida silenciaba al instante las cuerdas. Fue el precursor del pedal de sustain actual, y a Mozart le encantaba .
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El encuentro de Mozart con los pianos de Stein fue más que palabras: condujo a la música. Durante aquella estancia en Augsburgo en 1777, Mozart y Stein organizaron juntos un concierto público. Para la ocasión, Mozart compuso e interpretó un Concierto para tres pianos (K.242), con Stein y otro pianista acompañándolo en tres de los fortepianos de Stein. Solo podemos imaginar la escena: tres primeros pianos de cola reluciendo a la luz de las velas, sus tapas armónicas reforzadas por las cuidadosas técnicas de Stein (solía estacionar y preagrietar la madera deliberadamente para asegurar la estabilidad), y Mozart en uno de los teclados, deleitándose con las nuevas posibilidades dinámicas. El concierto fue un éxito, y el entusiasmo de Mozart por el fortepiano no hizo más que crecer. A finales de ese año, había “hecho el cambio”: desde entonces, todas sus composiciones para teclado fueron concebidas para piano y no para clavecín. Ya era un fortepianista.
La “carrera armamentista” del piano en la Viena de la década de 1780
La capital austríaca en la década de 1780 era un bullicioso mercado de pianos nuevos y música nueva. Constructores de instrumentos, intérpretes y compositores se impulsaban mutuamente en un rápido ciclo de innovación: una verdadera “carrera armamentista del piano”. Johann Andreas Stein, el mismo a quien Mozart se había hecho amigo, había presentado sus diseños en Viena e inspirado a los artesanos locales. Uno de ellos fue Anton Walter, quien empezó a construir pianos en Viena a comienzos de la década de 1780 y pronto se convirtió en el fabricante más famoso de la ciudad. Walter tomó la acción vienesa ligera y sensible de Stein e introdujo sus propias mejoras: reforzó los armazones de madera y retocó el diseño para obtener un sonido más grande y potente. Los resultados fueron lo bastante impresionantes como para que el propio Mozart acabara comprando un instrumento de Walter hacia 1782–1783. A pesar de los elogios previos de Mozart a Stein, fue el piano de Anton Walter el que se convirtió en su orgullo personal en Viena.
Mozart no fue en absoluto el único pianista que alimentó este ambiente competitivo. La década de 1780 también vio la llegada de virtuosos como Muzio Clementi, un pianista-compositor italiano que pasó por Viena en una gira europea. Clementi había sido enviado en parte para promocionar los últimos pianos ingleses (de la firma Broadwood), instrumentos con una acción más pesada y más potencia en el registro grave. En Nochebuena de 1781, el emperador José II no pudo resistirse a enfrentar esos talentos y tecnologías: organizó un famoso duelo entre Mozart y Clementi en la corte. Ante un público deslumbrante, los dos leones del teclado se batieron en el fortepiano. Clementi deslumbró con pasajes vertiginosos y alardes técnicos; Mozart respondió con sus propias improvisaciones brillantes. El emperador declaró el duelo un empate (ambos recibieron una bolsa de 50 ducados), pero en privado José II creía que Mozart había ganado, y de hecho la elegancia sin esfuerzo de Mozart causó una fuerte impresión en la élite vienesa. El episodio subraya lo alto que estaban las apuestas en este auge del piano: incluso el emperador se presentó como aficionado a la música pianística más reciente. (Curiosamente, Mozart contó que el emperador había apostado por su victoria y cobró la apuesta a una dama noble que se inclinaba por Clementi). Estas pruebas y rivalidades públicas animaron a los fabricantes a construir instrumentos cada vez mejores. Los pianos vieneses empezaron a ganar octavas —superando el ámbito de aproximadamente cinco octavas (61 teclas) que había sido estándar en la juventud de Mozart. La tesitura del teclado se fue ampliando paso a paso hacia las seis y siete octavas que la siguiente generación (Hummel, Beethoven, etc.) demandaría. Se reforzaron los armazones con mejores travesaños para soportar cuerdas más gruesas y tensas. Los inventores añadieron artilugios novedosos: un constructor en Londres, John Broadwood, incluso introdujo pedales hacia 1783, sustituyendo las palancas de rodilla por los ya familiares pedales de sustain y una sordina accionados con el pie. La fabricación de pianos era el Silicon Valley del último tercio del siglo XVIII: una industria vertiginosa, con Viena como su centro neurálgico. Hacia 1800, alrededor de 60 fabricantes de pianos trabajaban solo en Viena, una explosión notable frente al único piano o los dos que existían allí a mediados de siglo. Mozart vivió en el mismísimo centro de ese fermento, como contribuyente y beneficiario. Conocía personalmente a muchos de esos fabricantes y, sin duda, ayudó a impulsar nuevas mejoras.
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La experiencia del fortepiano: palancas de rodilla, tacto más ligero y nuevos sonidos
¿Cómo era tocar o escuchar esos primeros pianos que conoció Mozart? En una palabra, diferente: emocionantemente distinto de la experiencia del piano de cola moderno. El fortepiano de la época de Mozart era un instrumento más ligero y delicado. El propio instrumento de Mozart, construido por Anton Walter, tenía un armazón de madera sin los refuerzos metálicos de los pianos modernos. Era mucho más pequeño y liviano que los actuales de concierto. Sus cuerdas eran más finas y estaban dispuestas en línea recta (no cruzadas en el grave como en un piano moderno), lo que le daba un tono transparente y cantable. Las descripciones contemporáneas y las restauraciones modernas indican que un fortepiano de la era clásica tiene un sonido brillante y claro con un agudo campanilleante y un grave resonante pero no atronador. «Su sonido es más fresco y brillante que el de un piano moderno», observó un experto sobre el piano Walter de Mozart, «con una acción y unos macillos más ligeros, pero [el sonido] se apaga más rápido». En efecto, las notas en el piano de Mozart no se sostenían por mucho tiempo, especialmente en comparación con el tono persistente y potente de un Steinway moderno. Esto significaba que el pianista debía emplear un toque finamente controlado y, cuando estaba disponible, la palanca de elevación de apagadores (sustain) para conectar frases cantables.
El instrumento invitaba a la conversación con la orquesta más que a su dominio. En los conciertos para piano de Mozart de la década de 1780 se percibe ese equilibrio: el piano canta y brilla, pero las cuerdas y las maderas son socios iguales en el diálogo musical. En parte era una elección artística de Mozart, pero en parte era una realidad práctica: el fortepiano simplemente no podía imponerse sobre una orquesta completa de la época, así que Mozart escribió cadencias e interacciones que funcionaban con los colores tímbricos de la orquesta. Los relatos contemporáneos comentaban a menudo el «plateado» timbre de los pianos vieneses: un sonido plateado y claro que podía hablar con rapidez. Los pasajes rápidos y las carreras articuladas salían nítidos en estos instrumentos, como perlas sobre vidrio. El célebre tacto ligero de la acción vienesa también permitía una digitación veloz: un virtuoso podía realmente volar, logrando trinos rápidos y delicadas sutilezas que podrían perderse en un piano moderno más pesado.
Por otro lado, la gama dinámica y el sustain del primer piano eran limitados en comparación con los pianos de cola actuales. Un fortepiano ciertamente podía tocar fuerte (¡el fortissimo de Mozart sobresaltaba a públicos acostumbrados al volumen gentil del clavecín!), pero su fuerte era más como una audaz exclamación hablada que el grito orquestal que puede producir un Steinway moderno. El extremo suave del espectro era deliciosamente susurrante. Los oyentes señalaban lo expresivamente que intérpretes como Mozart podían matizar las dinámicas y caer de repente hasta un pianissimo etéreo, un efecto dramático nuevo para la música de entonces. Los compositores aprovecharon rápidamente estos efectos. El propio término crescendo (aumentar gradualmente el volumen) se convirtió en un sello del estilo clásico, inaugurado por orquestas como la de Mannheim y adoptado por los compositores para teclado en cuanto el piano lo hizo posible. Las partituras de Mozart empezaron a incluir matices dinámicos y acentuaciones que tienen poco sentido en un clavecín pero brillan en un fortepiano (por ejemplo, los acordes acentuados en sforzando y las dinámicas contrastantes de su Concierto para piano n.º 20 en re menor). Y como el timbre del fortepiano se desvanecía con relativa rapidez, la escritura de Mozart incorporó patrones rápidos de bajo de Alberti y trinos para sostener la armonía en lugar de acordes mantenidos largos. El musicólogo Nathan Broder señaló que, una vez que Mozart tuvo el piano a su disposición, su estilo evolucionó: los adornos rococó floridos «tendieron a desaparecer», las líneas melódicas se volvieron más «fluidas y canoras», y sonidos sostenidos empezaron a aparecer con fines expresivos, todo gracias a que la acción de macillos del piano permitía nuevas posibilidades.
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El propio fortepiano de Mozart: un vínculo tangible con el pasado
Asombrosamente, el piano personal de Mozart ha sobrevivido hasta hoy. Es un fortepiano de Anton Walter, construido en 1782, que Mozart compró por unos 900 florines, una suma considerable, pero de la que nunca se arrepintió. Este instrumento fue el compañero constante de Mozart en Viena: componía en él, daba clase con él y ofrecía sus conciertos privados en él. Durante unos nueve años (1782–1791) fue «tocado casi a diario» por Mozart. En este mismo teclado escribió más de 50 obras, incluidos sus conciertos y sonatas para piano de madurez. Tras la prematura muerte de Mozart en 1791, el piano pasó a su hijo Carl y, finalmente, al museo Mozarteum de Salzburgo. En tiempos modernos, estudiosos y músicos han podido estudiar e incluso tocar esta preciosa reliquia. Es un instrumento de cuatro octavas y media (aproximadamente cinco octavas, de F₁ a C₆), de menor rango que un piano moderno: no se encontrarán las notas graves profundas ni el brillo muy agudo más allá de su tesitura. Su timbre se describe como brillante, íntimo y claro. El pianista Robert Levin, que ha tocado y grabado en el fortepiano Walter de Mozart, señaló que tocarlo revela secretos de la música de Mozart. El peso de las teclas, la poca profundidad de su carrera y el equilibrio del sonido hacen que ciertos pasajes «clic» de formas en que no lo hacen en un piano moderno. «Entiendes cosas sobre el peso de las teclas al bajar, la repetición y el equilibrio del sonido», dice Levin sobre el piano de Mozart, «y todas estas cosas te acercan muchísimo a la música y te hacen decir: “Ajá, por eso está escrito así”». En efecto, sentarse ante el propio instrumento de Mozart es como viajar en el tiempo para un pianista: una conexión auditiva directa con la década de 1780. La experiencia puede ser abrumadora: un intérprete moderno la calificó como «fácilmente el día más grande en la vida de un músico».
El piano Walter de Mozart en su casa conmemorativa de Salzburgo
Este piano en particular fue sometido a una cuidadosa restauración para que pudiera volver a sonar. Cuando se exhibió en el antiguo apartamento vienés de Mozart en 2012, los expertos le montaron cuerdas más suaves de estilo del siglo XVIII para lograr un timbre más redondo y auténtico. Escuchar la música de Mozart en este instrumento es revelador: el equilibrio entre piano y orquesta en los conciertos, la claridad de los pasajes rápidos y la tibia calidez de la voz del piano cobran todo el sentido. Nos recuerda que Mozart, siempre músico práctico, escribía para el instrumento que tenía a mano, y sabía exactamente cómo hacerlo brillar.
Un compositor en plena revolución: el legado de Mozart
A finales de la década de 1780, obras como el Concierto para piano en do menor, K. 491, explotan matices oscuros y expresivos y audaces contrastes dinámicos que eran impensables una generación antes. Mozart era muy consciente de la “revolución del sonido” que ocurría a su alrededor; al fin y al cabo, la estaba viviendo. Nuevos instrumentos se incorporaban a la orquesta (fue de los primeros en dar protagonismo al clarinete, por ejemplo), y el piano se estaba expandiendo en tiempo real. Las salas de concierto de Viena seguían siendo íntimas en comparación con las de hoy, pero crecían, y el público ansiaba experiencias musicales poderosas. El desarrollo del fortepiano marchó de la mano de esta tendencia: los constructores respondieron a la demanda de más volumen y tesitura, permitiendo a los compositores ir más allá de los límites.
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A finales de la década de 1780, obras como el Concierto para piano en do menor, K. 491, explotan matices oscuros y expresivos y audaces contrastes dinámicos que eran impensables una generación antes. Mozart era muy consciente de la “revolución del sonido” que ocurría a su alrededor; al fin y al cabo, la estaba viviendo. Nuevos instrumentos se incorporaban a la orquesta (fue de los primeros en dar protagonismo al clarinete, por ejemplo), y el piano se estaba expandiendo en tiempo real. Las salas de concierto de Viena seguían siendo íntimas en comparación con las de hoy, pero crecían, y el público ansiaba experiencias musicales poderosas. El desarrollo del fortepiano marchó de la mano de esta tendencia: los constructores respondieron a la demanda de más volumen y tesitura, permitiendo a los compositores ir más allá de los límites.
La carrera de Mozart muestra cómo un gran artista puede ser a la vez producto de la tecnología y agente de su progreso. Tomó el piano naciente y lo hizo hablar, transformando para siempre la composición para teclado. Su colaboración con el piano en evolución enriqueció el diseño del instrumento, impulsando a los constructores a nuevas cotas, lo que a su vez abrió nuevos horizontes artísticos. La siguiente generación —Beethoven y los que siguieron— se beneficiaría de esas innovaciones al asaltar los cielos musicales. Pero fue Mozart, en aquel emocionante momento de las décadas de 1770 y 1780, quien demostró por primera vez el verdadero espíritu poético del piano.
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Referencias
- The Metropolitan Museum of Art – “The Piano: Viennese Instruments” (ensayo sobre los pianos vieneses del siglo XVIII y los constructores Stein y Walter).
- https://www.metmuseum.org/essays/the-piano-viennese-instruments
- Wolfgang Amadeus Mozart – Carta a Leopold Mozart, 17 de octubre de 1777 (Augsburgo), en Digital Mozart Edition (traducción al inglés), que describe los pianofortes de Stein y sus cualidades.
- https://dme.mozarteum.at/DME/objs/raradocs/transcr/pdf_eng/0352_WAM_LM_1777.pdf
- Reuters (Georgina Prodhan) – “Mozart’s piano returns home to Vienna”, 25 de octubre de 2012. Artículo periodístico sobre el fortepiano Walter de 1782 de Mozart, sus características y su exhibición moderna.
- https://www.reuters.com/article/business/mozarts-piano-returns-home-to-vienna-idUSLNE89O02P
- Philharmonia Baroque Orchestra – “Piano, Pianoforte, Fortepiano: To-may-to, To-mah-to?” de Bruce Lamott (2016). Entrada de blog que contrasta las dinámicas del clavecín y el fortepiano y describe las acciones vienesa y inglesa del piano.
- https://philharmonia.org/piano-pianoforte-fortepiano
- Christina Kobb – “#12: A Grand Piano was not always Grand!” (2020). Artículo de blog sobre el desarrollo temprano del piano, incluido el ámbito, las palancas de rodilla y la evolución de los pedales.
- https://www.christinakobb.com/a-grand-piano-was-not-always-grand
- Die Welt der Habsburger – “The pianist: Mozart as virtuoso performer” de Julia T. Friehs. Describe el duelo de 1781 entre Mozart y Clementi y el contexto de la vida musical vienesa.
- https://www.habsburger.net/en/chapter/pianist-mozart-virtuoso-performer
- Robert Greenberg – “Dr. Bob Prescribes: Mozart Piano Sonatas” (2017), que cita a Nathan Broder sobre cómo el estilo pianístico de Mozart se adaptó al nuevo instrumento y recoge la carta de 1777 de Mozart sobre Stein.
- https://robertgreenbergmusic.com/dr-bob-prescribes-mozart-piano-sonatas
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