Concerto para piano nº 22 em mi bemol maior

Contexto histórico e composição

Mozart compôs seu Concerto para piano nº 22 em mi bemol maior, K. 482, em Viena, durante o inverno de 1785[1][2]. Naquela época, estava no auge da popularidade em Viena, após libertar-se do serviço à corte de Salzburgo e prosperar como compositor e intérprete independente[3]. Em termos culturais, a Viena de meados da década de 1780 era um centro vibrante de música e ideias iluministas, sob o reinado relativamente liberal do imperador José II. Os concertos públicos (ou “academias”) eram populares, especialmente em épocas como o Advento e a Quaresma, quando as apresentações de ópera eram limitadas, e ofereciam a compositores como Mozart a oportunidade de mostrar novas obras. A ópera era considerada o gênero musical de maior prestígio daquele tempo, mas os concertos para piano eram o “ganha-pão” de Mozart — ele os escrevia e executava regularmente em concertos por assinatura para o público vienense[4]. Em 1785, seu cotidiano era preenchido por concertos, aulas e encontros em círculos aristocráticos de mecenas e irmãos de lojas maçônicas; era também um jovem marido e pai que tentava manter um padrão de vida elevado, o que frequentemente o colocava sob pressão financeira[5].

Em dezembro de 1785, Mozart trabalhava simultaneamente em sua ópera cômica As bodas de Fígaro (estreada em 1786) e em uma série de novos concertos para piano[2]. Apesar de suas ambições operísticas, precisava garantir rendimentos: não tinha emprego assalariado, vivia acima de suas possibilidades e acumulava dívidas[5]. Para arrecadar recursos rapidamente, organizou uma série de concertos por assinatura em Viena. De fato, Mozart programou três concertos no Advento de 1785 (nos dias 9, 16 e 23 de dezembro), com cerca de 120 assinantes, público considerável para a época[7]. O Concerto para piano nº 22, em mi bemol, ficou pronto em 16 de dezembro de 1785, e a tinta mal havia secado no manuscrito quando o próprio Mozart o estreou naquela mesma noite[8][9]. A primeira execução não ocorreu como parte de um concerto formal independente, mas entre os atos de uma obra cênica de seu colega Carl Ditters von Dittersdorf[8]. Esse contexto incomum para uma estreia — inserir um concerto durante a apresentação de uma ópera-oratório de outro compositor — reflete a prática, no século XVIII, de misturar gêneros em um mesmo programa.

O novo concerto foi recebido com entusiasmo desde o início. Seu pai, Leopold Mozart, relatou com orgulho que o público exigiu a repetição do movimento lento, Andante, observando que a necessidade de repetir um movimento intermediário era “algo um tanto incomum”[10][11]. (O público costumava pedir mais frequentemente a repetição de finales animados; por isso, a insistência em ouvir novamente o comovente Andante demonstrava a profundidade da emoção que a música despertara[12].) Esse concerto em mi bemol integrou uma trilogia de grandes concertos para piano que Mozart escreveu no espaço de poucos meses, ao lado do Concerto para piano nº 23 em lá maior (K.488) e do Concerto para piano nº 24 em dó menor (K.491), que vieram no início de 1786[13][14]. É notável que tenha composto os três enquanto preparava também As bodas de Fígaro. Sua capacidade de produzir simultaneamente uma “sequência espantosa” de concertos e música operística atesta que vivia o auge de sua criatividade[13][15].

Instrumentação e orquestração

O Concerto para piano nº 22 foi escrito para uma orquestra clássica relativamente grande, o que lhe confere uma paleta sonora rica e variada. Além do fortepiano solista (o próprio Mozart foi o solista da estreia), a instrumentação prevê:

Madeiras: 1 flauta, 2 clarinetes em si bemol, 2 fagotes

Metais: 2 trompas em mi bemol, 2 trompetes em mi bemol

Percussão: tímpanos (em mi bemol e si bemol)

Cordas: violinos, violas, violoncelos e contrabaixos (seção habitual de cordas)[16].

Este foi, notadamente, o primeiro dos concertos para piano de Mozart a incorporar clarinetes à orquestração[17]. Na verdade, os clarinetes ainda eram uma adição relativamente recente às orquestras na década de 1780, e Mozart havia muito desejava utilizá-los pelo timbre quente e suave[18]. Aqui, substitui os oboés habituais pelos clarinetes, conferindo ao conjunto um timbre mais suave e amadeirado do que o som mais brilhante dos oboés. Mozart explora os clarinetes especialmente nos episódios suaves e líricos do concerto — por exemplo, no movimento lento e nas seções ternas do finale —, em que seu som “extremamente versátil” e aveludado acrescenta profundidade emocional[19][14]. Por outro lado, a presença de trompetes e tímpanos contribui para uma coloração festiva e majestosa nos movimentos extremos, reforçando a associação da tonalidade de mi bemol maior com a grandiosidade. (Esses metais e tambores se calam no intimista Andante, para não perturbar seu clima mais sombrio[16].) Mozart também estava atento aos avanços dos instrumentos de teclado: em meados da década de 1780, o fortepiano havia melhorado sua capacidade de sustentação do som e sua extensão dinâmica, permitindo-lhe escrever linhas melódicas mais expressivas e “cantáveis” para o piano, especialmente nas passagens lentas[20]. Em conjunto, a instrumentação era inovadora para seu tempo, ampliando as cores orquestrais disponíveis no concerto para piano e antecipando as sonoridades mais encorpadas que compositores posteriores, como Beethoven, explorariam.

O pianista Hannes Minnaar e a Philharmonie Zuidnederland, sob regência de Kevin John Edusei, interpretam o Concerto para piano nº 22 em mi bemol maior, K. 482, de Mozart:

Forma e caráter musical

Como a maior parte dos concertos de Mozart, o nº 22 em mi bemol tem três movimentos, seguindo a estrutura rápido–lento–rápido. Destaca-se, porém, como um dos concertos mais longos do compositor (cerca de 35 minutos)[21] e é excepcionalmente rico em ideias musicais e contrastes. Cada movimento possui forma e caráter próprios:

Allegro (mi bemol maior): O primeiro movimento emprega uma ampla forma sonata-allegro, que apresenta abundante material temático. A orquestra abre com um grandioso tutti que chama imediatamente a atenção: um tema enérgico, semelhante a uma fanfarra, em mi bemol maior, pontuado por trompetes e tímpanos[22]. Essa abertura vigorosa recebe logo a resposta de uma ideia mais suave e lírica, apresentada pelas madeiras (com clarinetes e fagotes ecoando a fanfarra de maneira brincalhona e delicada)[23]. Mozart “nunca foi tão generoso com a quantidade de temas” quanto neste movimento — a introdução orquestral apresenta uma sucessão de motivos contrastantes, do majestoso ao terno, quase como se anunciasse personagens de uma ópera[24][25]. Quando o piano solista entra, traz um tema inteiramente novo, em vez de simplesmente ecoar as melodias da orquestra[26]. Segue-se um diálogo vivo entre piano e orquestra, repleto de contrastes dramáticos e rápidas mudanças de clima comparadas a cenas operísticas[27]. Mozart trata piano e orquestra como parceiros em pé de igualdade, trocando temas e comentários em uma espécie de conversa espirituosa. A seção de desenvolvimento percorre várias tonalidades distantes, incluindo um desvio surpreendente para si bemol menor, iniciado por uma passagem agitada e sombria do piano[28]. Em um momento marcante, o piano apresenta durante o desenvolvimento uma melodia nova, breve, mas de beleza assombrosa — um oásis sereno que aparece apenas uma vez, oferecendo um instante de alívio antes que a música retorne em direção à recapitulação[29]. Ao longo do movimento, os sopros, especialmente os clarinetes, acrescentam cor e dialogam com o piano. É importante notar que Mozart não deixou cadências escritas para este concerto; por isso, na cadência solista próxima ao fim do movimento, os intérpretes precisam fornecer sua própria versão (o próprio Mozart teria improvisado uma na execução)[30]. Após a cadência, o movimento termina com uma coda vigorosa, reafirmando o clima luminoso e enérgico. Em suma, este Allegro equilibra passagens “grandiosamente teatrais” com humor delicado e interação elegante, exemplificando o estilo maduro de Mozart no gênero[27].

Andante (dó menor): O segundo movimento passa à inesperada tonalidade de dó menor, criando um contraste emocional dramático. Adota a forma de tema e variações, embora com alguns afastamentos criativos da estrutura estrita de variações[31]. Seu tom é sombrio, introspectivo e profundamente expressivo, a ponto de comover intensamente os ouvintes da época. Mozart reservava dó menor — para ele uma tonalidade “sombria” e apaixonada — a algumas de suas músicas mais emotivas, e este Andante é um exemplo expressivo[32]. Começa apenas com as cordas com surdina, que apresentam um tema principal grave, marcado por suspiros, em lento compasso 3/8[33]. O piano entra em seguida, elaborando o tema com ornamentos e pequenas variações e acrescentando sua própria voz à melodia melancólica[34]. Segue-se uma série de variações e episódios inventivos: orquestra e solista se alternam no desenvolvimento do tema, ora intensificando sua gravidade melancólica, ora oferecendo instantes de consolo ou luminosidade[32]. Em uma das variações, um dueto para flauta e fagote em tonalidade maior tenta aliviar o clima, introduzindo uma nova melodia delicada, como se oferecesse esperança[35][36]. O piano responde com outra variação ansiosa do tema principal, sugerindo que a tristeza não pode ser afastada tão facilmente[37]. Há diálogos entre piano e sopros — em certo momento, por exemplo, as madeiras intervêm com uma ideia terna em modo maior, à qual o piano se sobrepõe suavemente ao voltar ao tema lamentoso em menor[38]. Esse vaivém entre sombra e luz confere ao movimento um caráter profundamente comovente. Na coda, os sopros finalmente se unem ao piano em concordância, conduzindo juntos o movimento a um encerramento silencioso e tocante[39]. Os ouvintes da época ficaram impressionados com a profundidade expressiva do Andante — como já mencionado, seu sentimento era tão intenso que o público exigiu sua repetição na estreia[40]. Comentaristas modernos chegam a ouvir antecipações de Beethoven na intensidade emocional do movimento e no emprego de dó menor (tonalidade que Beethoven tornaria famosa em sua escrita dramática)[35]. Na produção de Mozart, este Andante se destaca como expressão de seu páthos lírico, utilizando a orquestra (com os clarinetes acrescentando um brilho suave) como “instrumento expressivo” para sustentar os solilóquios intimistas do piano[35].

Allegro (mi bemol maior), com episódio Andantino cantabile: O finale é um alegre rondó que devolve ao concerto o clima exuberante e festivo. Seu tema principal é uma melodia luminosa, semelhante a uma dança, em compasso 6/8, frequentemente descrita como tendo um caráter de caça ou popular (mi bemol maior era comumente empregado em músicas que evocavam trompas e cenas ao ar livre, daí o estilo de “trompa de caça”)[41]. Esse tema saltitante, com ritmos animados e encanto rústico, retorna periodicamente entre episódios contrastantes, à maneira clássica do rondó[42]. Mozart, contudo, enche o rondó de surpresas e detalhes sofisticados. Depois da primeira exposição do tema impetuoso, a música para brevemente e passa a uma ideia inteiramente nova: as cordas iniciam um acompanhamento suave e pulsante, sobre o qual o piano apresenta uma melodia delicada e lírica marcada andantino cantabile (em andamento mais lento e cantável)[43]. Esse interlúdio gracioso no meio do rondó rápido lembra uma ária de ópera desabrochando ternamente dentro de uma dança animada — e, de fato, comentaristas ouvem ecos de As bodas de Fígaro, de Mozart, nessa doce seção cantabile[44]. Logo surge um terceiro tema: uma ampla melodia lírica e fluente, que acrescenta mais um caráter ao conjunto[45]. Apesar desses desvios, o alegre tema principal sempre retorna para manter o rondó em seu curso. Na parte intermediária do finale, Mozart escreve até uma breve cadência: a música mergulha numa pequena pausa dramática, permitindo ao solista um floreio que conduz inesperadamente a uma passagem Andante cantabile lenta, de caráter sonhador[46]. Aqui, os sopros, sobretudo os clarinetes, brilham em um diálogo “semelhante a uma ária” ao lado do piano, evocando por instantes a ternura do segundo movimento[47]. Mas o espírito brincalhão de Mozart faz com que a seriedade dure pouco — outra cadência rápida do piano leva a música de volta ao alegre tema principal[48]. Quando o rondó dispara rumo ao fim, Mozart introduz uma última brincadeira: justamente quando o ouvinte espera os compassos finais, a música faz uma pausa e o piano relembra astutamente, mais uma vez, a delicada melodia anterior (uma recordação amistosa daquele belo momento)[49]. Só então a orquestra irrompe para concluir a obra com entusiasmo. Esse engenhoso falso final costuma arrancar sorrisos; é como se Mozart dissesse que não esqueceu nenhum dos fios musicais. A combinação de atmosfera “leve e alegre” com uma seção central comovente revela o equilíbrio habilidoso que ele alcança entre apelo popular e qualidade artística[47].

Em todo o concerto, ficam evidentes as características estilísticas da fase vienense tardia de Mozart: o sentido operístico do diálogo entre solista e conjunto, a escrita sofisticada para sopros, as mudanças súbitas entre maior e menor para produzir efeitos expressivos e a fusão perfeita entre elegância melódica e virtuosismo técnico. Com cerca de 35 minutos de duração, a escala e a grandiosidade da obra são notáveis[21], mas a música nunca perde a clareza e a graça características do estilo clássico. Mozart também adaptou a parte do piano ao seu próprio modo de tocar, virtuosístico, porém de bom gosto — relatos contemporâneos (como as lembranças do tenor irlandês Michael Kelly) elogiam seus “dedos rápidos, grande execução e a inspiração” de suas improvisações ao teclado[50]. De fato, neste concerto, a parte solista exige agilidade cintilante e sutileza expressiva, tornando-o um dos concertos de Mozart mais desafiadores para quem o interpreta (há numerosas passagens de bravura, mas elas precisam ser executadas com elegância mozartiana, não com ostentação bombástica[26]).

Recepção e legado

Desde a estreia e ao longo da vida de Mozart, o Concerto para piano nº 22 foi muito estimado, ainda que não tenha se tornado imediatamente o mais famoso de seus concertos. Como vimos, sua estreia em 1785 foi um sucesso — o fato de o público ter exigido a repetição do Andante demonstra a força de seu impacto[40]. O próprio Mozart executou o concerto em várias ocasiões. Registros preservados indicam que o tocou pelo menos três vezes: duas no fim de 1785 (incluindo a estreia informal durante o programa de Dittersdorf) e novamente em um de seus concertos por assinatura no início de 1786, durante a Quaresma[51]. Seu pai, Leopold, vangloriou-se em cartas da recepção da obra, e é possível imaginar a satisfação de Mozart com a acolhida calorosa que recebeu na competitiva cena musical vienense.

Nas décadas posteriores à morte de Mozart (1791), o Concerto em mi bemol — como muitas de suas obras para piano — ficou um tanto ofuscado pela ascensão do repertório romântico. Durante o século XIX, os concertos de Mozart não eram programados com a mesma frequência que os de Beethoven ou os concertos virtuosísticos de compositores posteriores, e o nº 22 era apresentado menos vezes do que alguns concertos mozartianos de popularidade mais imediata (como o dramático Concerto nº 20 em ré menor, K.466, ou o gracioso nº 21 em dó maior, K.467). Musicólogos observaram que o nº 22 “nunca foi tão popular quanto seus vizinhos mais próximos”, talvez porque os nºs 21 e 23 tenham alcançado maior fama, mas fazem questão de acrescentar que ele contém música maravilhosa, à altura de qualquer outra obra de Mozart[52]. De fato, o Concerto em mi bemol ficou por algum tempo “injustamente ofuscado” pelos concertos irmãos[11]. Parte da razão pode ter sido prática: a presença de clarinetes (que ainda não eram padrão em todas as orquestras ao longo do século XIX) dificultava a programação da obra até que as orquestras passassem a contar universalmente com clarinetistas. Em algumas apresentações do início do século XIX, editores chegaram a publicar versões dos concertos tardios de Mozart com as partes dos clarinetes adaptadas para oboés, a fim de atender teatros sem clarinetes. Contudo, do fim do século XIX ao início do XX, os concertos de Mozart voltaram a ganhar espaço no repertório, e o nº 22 passou a ser novamente valorizado por pianistas e públicos como uma obra generosa e substancial.

No século XX, o legado deste concerto consolidou-se como parte do núcleo do repertório de concertos mozartianos. Grandes pianistas e regentes o defenderam no palco e em gravações. Por exemplo, o lendário pianista Sviatoslav Richter escolheu o Concerto nº 22 em mi bemol de Mozart para uma célebre apresentação no Festival de Aldeburgh, na década de 1960, com regência do compositor Benjamin Britten — evento notável porque o próprio Britten compôs um conjunto especial de cadências para a obra[53]. As cadências imaginativas de Britten (embora estilisticamente ousadas) e a execução magistral de Richter ajudaram a chamar a atenção para o brilho do concerto. Muitos outros pianistas aclamados, de Daniel Barenboim e Mitsuko Uchida a intérpretes modernos como Angela Hewitt, executaram e gravaram K. 482, muitas vezes associando-o ao Concerto em dó menor, K. 491, para mostrar o contraste entre o estilo “nobre e elegante” de Mozart em mi bemol e sua expressão mais tempestuosa em modo menor[54]. Os críticos frequentemente elogiam o nº 22 por sua escrita colorida para madeiras e pelo encanto singular conferido pelos clarinetes[55].

Hoje, o Concerto para piano nº 22 em mi bemol é reconhecido como uma das obras-primas da fase tardia de Mozart, oferecendo uma síntese perfeita entre atratividade melódica, sofisticação estrutural e rica sonoridade orquestral. Talvez não possua um apelido célebre nem uma referência na cultura popular (como o Adagio “Elvira Madigan” do nº 21), mas os conhecedores o estimam muito por sua profundidade e elegância. Públicos e músicos modernos apreciam sua “música maravilhosa, especialmente o movimento lento central”, que ainda tem o poder de tocar o coração dos ouvintes, como no tempo de Mozart[56]. Seu primeiro movimento, com abundância de temas e majestade festiva em mi bemol, e seu finale alegre e cheio de surpresas também continuam encantando. O concerto aparece regularmente em salas de concerto do mundo inteiro e permanece como uma peça fundamental da literatura para piano e orquestra — testemunho do gênio de Mozart para criar música que transcende sua época.

Em síntese, o Concerto para piano nº 22 em mi bemol maior, K. 482, de Mozart, constitui um retrato factual do universo do compositor em 1785 e uma joia musical que sobreviveu ao contexto vienense do século XVIII que lhe deu origem. Sua história está entrelaçada com a vida de Mozart como músico empreendedor em uma capital cultural florescente; sua composição demonstra a capacidade de inovar (com novos instrumentos e formas) sob pressão de tempo; sua música combina a forma clássica com lirismo operístico e criatividade ousada; e seu legado mostra como uma obra pode nascer como produto de seu tempo e, com o passar dos anos, adquirir um estatuto atemporal. Mozart escreveu este concerto com o objetivo imediato de agradar ao público e garantir sua reputação (e suas finanças) em Viena, mas, ao fazê-lo, também ofereceu ao mundo uma peça que continua a “proporcionar prazer sem fim” — realizando o próprio ideal da arte mozartiana ao aproximar intelecto e emoção através dos séculos[24][35].

Fontes: