피아노 협주곡 제26번 D장조, ‘대관식’

작곡 및 시대적 배경

볼프강 아마데우스 모차르트는 1788년 2월 24일, 피아노 협주곡 제26번 D장조 K. 537을 완성했다[1]. 이 작품은 모차르트의 마지막에서 두 번째 피아노 협주곡으로, 빈에서의 만년기에 쓰였다. 당시에는 그의 연주회에 대한 대중적 수요가 줄어들고 재정 형편도 빠듯해지고 있었다[2][3]. 실제로 모차르트는 1788년 사순절 연주회 시즌에 빈에서 이 협주곡을 선보일 계획이었지만, 연주회 시리즈 자체가 실현되지 않았고, 모차르트 생전에 K.537이 빈에서 공개 연주되었다는 증거도 없다[4].

널리 알려진 별칭 ‘대관식(Coronation)’은 모차르트 본인의 명명이 아니다. 1790년 10월, 황제 레오폴트 2세의 대관식 축제 기간에 모차르트가 이 협주곡을 연주한 사실을 활용하기 위해, 출판사가(아마도 마케팅 목적에서) 붙인 이름으로 알려져 있다[5]. 모차르트는 대관식 행사에 공식적으로 고용된 것은 아니었지만, 1790년 10월 15일 프랑크푸르트에서(자비로) 독자적인 연주회를 마련해 이 협주곡과 더불어 앞서 작곡한 D장조 협주곡(제19번, K.459)도 연주했다[6][7]. 이러한 왕실 행사와의 연관성이 K.537에 ‘대관식’이라는 별칭을 굳혀 주었다.

편성

모차르트는 이 협주곡을 독주 피아노와, 다음과 같은 고전주의 관현악 편성으로 작곡했다.

목관: 플루트 1, 오보에 2, 바순 2

금관: 호른 2, 트럼펫 2

타악기: 팀파니(D와 A로 조율)

현악: 바이올린, 비올라, 첼로, 콘트라베이스 [8][9]

이처럼 완전하고 축제적인 관현악 편성—특히 트럼펫과 팀파니를 포함한다는 점—은, 별칭에 걸맞은 밝고 의식적인 성격을 협주곡에 부여한다. (반대로 모차르트는 클라리넷을 넣지 않았고, 목관은 대체로 화성을 보강하는 역할에 머문다. 또한 전통적으로 군대적·축제적 연상을 불러일으키는 D장조는 왕실 축제에 적절한 선택이었다[10].)

형식과 음악적 성격

모차르트의 피아노 협주곡 제26번은 전통적인 빠름–느림–빠름의 3악장 구조를 따른다. I. Allegro (D장조); II. Larghetto (A장조); III. Allegretto (D장조)[11]. 1악장은 모차르트 협주곡에서 전형적으로 볼 수 있는 변형된 소나타-알레그로 형식으로, 흔히 ‘concerto-ritornello’ 또는 이중 제시부 형식으로 설명된다[12]. 먼저 관현악이 주요 주제들(위엄 있는 팡파레 풍의 제1주제와 유려한 제2주제)을 제시하고, 이어 피아노가 등장해 이 아이디어들을 자신만의 제시부로 펼쳐 나간다[13]. 이 악장은 모차르트의 기준으로 볼 때 비교적 느슨하고 에피소드적인 구조를 보이는데, 관현악 도입부에는 강한 조성 전조보다 선율을 강조하는 연결구가 여러 번 나타나며, 그 결과 아이디어가 보다 자유로운 galant한 흐름으로 전개된다[14]. 이러한 접근은 화성적 골격을 ‘느슨하게’ 만들고, 대신 모차르트는 피아노를 위해 빠른 음계, 아르페지오, 그리고 끝부분의 즉흥 카덴차 등 풍성한 기교적(virtuosic) 음형을 제공한다[15][16]. 전체 분위기는 화려하고 경축적이며, 작품을 즉각적으로 친근하고 즐겁게 들리게 하는 우아한 rococo적 세련미가 돋보인다[17].

2악장 Larghetto는 A장조로, 부드러운 대조를 제공한다. 서정적인 느린 악장으로, 3부분 형식(ABA)으로 쓰였다[18]. 피아노가 다정하고 노래하듯한 주제를 제시하면, 관현악과 독주자가 대화하듯 이를 확장해 간다. 여기의 짜임새는 친밀하고 표현적이며, 모차르트의 선율적 재능과 섬세한 장식음을 돋보이게 한다. 중간부에서는 단조 또는 변화된 양상으로 대비를 이루어 약간의 긴장을 제공한 뒤, 도입부의 재료가 돌아오며 절제된 온기로 악장을 마무리한다.

마지막 악장 Allegretto는 D장조로 돌아오며, 소나타적 요소를 포함한 론도 형식—즉 본질적으로 소나타-론도 설계로 쓰였다[19]. 경쾌한 주요 주제(“A” 구간)가 ABACBA의 패턴으로 삽입 에피소드(B, C 등)와 번갈아 되돌아오는데, 이는 모차르트 후기 협주곡 피날레에서 흔히 보이는 배치다[19]. 이 악장은 가볍고 장난기 있는 성격을 띠며, 독주자를 위한 활기찬 bravura passages가 풍부하다. 피아노와 관현악은 생동감 있게 주고받고, 협주곡은 눈부신 마무리로 끝난다.

주목할 만한 특징: 특이하게도 모차르트는 이 협주곡의 자필 악보에서 독주 피아노 파트를 완전히 기보하지 않았다. 왼손 반주부의 상당 부분—Larghetto 악장 전체를 포함해—이 모차르트의 악보에서는 공란으로 남아 있다[20]. 그는 연주에서 단순한 알베르티 베이스 패턴과 화성을 즉흥으로 채워 넣었을 가능성이 크며, 이는 건반 연주자로서의 역량을 보여 준다. (협주곡이 1794년 처음 출판되었을 때, 편집자 요한 안드레가 인쇄본에서 누락된 왼손 파트를 보완해 넣었다[21].) 또한 모차르트의 자필에는 2·3악장의 템포 지시가 없으며(“Larghetto”와 “Allegretto” 표기는 후대에 다른 사람이 추가한 것으로 전해진다)[22]. 이런 특이점들은 모차르트가 K.537을 주로 자신의 연주를 위해 준비하며, 실연에서의 즉흥성을 바탕으로 세부를 실시간으로 완성했음을 시사한다. 그 결과 ‘대관식’ 협주곡은 모차르트의 작품 가운데 독주 파트의 상당 부분이 연주자의 보완(삽입)에 맡겨진 유일한 협주곡이라는 점에서 독보적이다[20].

양식적으로 이 협주곡은 모차르트의 다른 후기 빈 시절 협주곡들과는 다소 거리를 둔다. 더 가볍고 궁정적인 성격을 띠며, 몇몇 초기 걸작에서 보이는 교향적 통합 발전보다 선율의 매력과 독주자의 기교적 광채를 우선한다. 일부 분석가들은 K.537이 엄격한 화성적 긴장에 덜 의존하고, 대신 악장의 형상을 만드는 데 ‘선율의 연쇄(melodic succession)’에 더 기대고 있다고 보며, 기교를 그 자체의 목적처럼 전면에 내세운다는 이유로 이를 “proto-Romantic”이라 부르기도 했다[23]. 다시 말해 모차르트는 여기서, 고전주의적 틀 안에서이긴 하지만, 19세기 낭만주의 협주곡의 미학을 예고하듯 독주자를 눈부시고 거의 ‘쇼피스’에 가까운 방식으로 부각한다.

수용 및 유산

당대의 반응: 모차르트 시대에 D장조 ‘대관식’ 협주곡은 매우 호평을 받았다. 빈과 제국의 청중은 그 아름다움, 우아한 galant 양식, 그리고 부담 없는 화려함을 즐겼다[17]. 축제적인 분위기와 명료하고 호감 가는 주제는 즉각적으로 받아들여졌으며, 모차르트의 다른 협주곡들에 비해 강렬하거나 복잡하지 않다는 점이 오히려 더 넓은 대중에게 매력적으로 작용했다. 모차르트 자신도(앞서 언급했듯 드레스덴과 프랑크푸르트에서) 이 작품을 권위 있는 자리에서 연주할 기회를 찾았는데, 이는 청중을 사로잡는 데 신뢰할 만한 ‘쇼피스’로 여겼음을 보여 준다.

비평적 평가와 인기: 시간이 지나면서 이 협주곡의 평판은 변화를 겪었다. 19세기 동안 K.537은 실제로 모차르트의 가장 유명한 피아노 협주곡 가운데 하나로, 자주 연주되며 관객의 사랑을 받았다. 1935년에도 음악학자 프리드리히 블루메는 이를 모차르트의 모든 협주곡 중 “가장 잘 알려지고 가장 자주 연주되는” 작품이라고 부를 수 있었다[24]. 그러나 20세기 비평가들은 더 양가적인 태도를 보였다. 많은 학자와 애호가들은 ‘대관식’을 모차르트의 초기 빈 협주곡 12곡(제14–25번)이나 마지막 협주곡(제27번)보다 한 단계 낮게 평가하며, K.537이 더 단순하고 덜 심오한 음악 구조를 가졌다고 비판했다[25]. 관현악법은 비교적 단순하고(목관이 대체로 현악을 중복), 반복도 상당하여, 어떤 이들은 이를 화려하지만 얕다고 일축하기도 했다. 저명한 모차르트 전기 작가 알프레트 아인슈타인은 예컨대 이 협주곡의 손쉬운 매력은 높이 샀지만, “매우 모차르트적”이고 “화려하고 상냥”함에도 불구하고 “모차르트의 전부는커녕 그 절반조차 표현하지 못한다”고 느꼈다. 이는 이 작품이 모차르트 최고의 작곡들이 지닌 깊이와 혁신을 충분히 보여 주지 못한다는 뜻이다[26]. 아인슈타인의 표현을 빌리면, “이 작품에서 모차르트는 자기 자신을 모방했다”[26]는 것인데, 이는 과감한 새 영감이라기보다 익숙한 공식의 재가공이라는 뉘앙스를 담는다.

반면 현대의 연주자와 연구자들은 ‘대관식’ 협주곡의 재평가를 촉구해 왔다. 오늘날 모차르트 전문가들 사이에서도 시각은 엇갈린다. 어떤 이들은 이를 1780년대 전성기에 비해 퇴행적이거나 구식으로 보지만, 다른 이들은 이 협주곡이 나름의 방식으로 혁신적이라고 주장한다[27]. 그들은 피아노 기교의 범람, 형식 실험, 그리고 느긋하고 확장된 선율 사용 같은 새로운 특징을 근거로, 모차르트가 낭만주의 협주곡 어법을 예감하듯 새로운 방향을 탐색하고 있었다고 본다[28]. 최근 수십 년 동안 이 작품은 모차르트 레퍼토리에서 지속적으로 사랑받는 핵심 레퍼토리로 남아 있다[29]. 프로그램과 음반에서 꾸준히 다뤄지며, 많은 피아니스트가 그 가치를 옹호해 왔다. 특히 저명한 모차르트 해석자 우치다 미츠코는(지휘자 콜린 데이비스의 견해를 되풀이하며) K.537을 “과소평가된 걸작”으로 묘사했는데, 이는 반짝이는 겉모습이 첫인상보다 더 큰 미묘함을 숨기고 있을지 모른다는 뜻이다[30]. 실제로 과거의 비판에도 불구하고 ‘대관식’ 협주곡은 오늘날의 청중과 연주자 모두를 계속해서 매료시키고 있다. 눈부신 매력과 의례적 장엄함을 겸비한 작품으로서, 모차르트 협주곡들 가운데 여전히 특별한 자리를 차지한다.

출처: