피아노 협주곡 27번 내림나장조, K.595
ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト作
작곡과 맥락
모차르트의 피아노 협주곡 27번 내림나장조 K.595는 그의 생애 마지막 해(1791)에 작곡된 최후의 피아노 협주곡이다[1]. 자필 악보에는 1791년 1월 5일로 기재되어 있으나, 지류 분석에 따르면 그중 상당 부분은 실제로 1788년 말 무렵에 쓰인 것으로 보인다[2]. 사실 모차르트는 1788년에 이 협주곡을 착수해(두 개의 악장과 피날레의 일부를 완성하고) 한동안 미뤄 두었다가, 새로운 연주 기회가 생긴 1791년 초에야 마무리한 것으로 보인다[3]. 이는 이전 피아노 협주곡 이후 거의 3년에 이르는 공백을 끝낸 것으로, 빈으로 이주한 뒤 그의 협주곡 작업에서 가장 긴 휴지기였다[4]. 1791년 초 모차르트는 최근의 재정난과 대중적 인기가 시들어가던 상황에도 불구하고 장래에 대해 낙관적이었다[5]. 그는 막 성 슈테판 대성당의 부 카펠마이스터로 임명되었고, 그 경이로운 마지막 해에 다른 작품들을 쓰느라 분주했다(다수의 춤곡, 오페라 마술피리, 클라리넷 협주곡 및 미완성 레퀴엠)[6].
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이 내림나장조 협주곡은 특정 의뢰 없이, 모차르트 자신이 연주하기 위해 쓴 것으로 보인다. 초연은 빈에서 1791년 3월 4일, 얀의 홀에서 열린 비공개 음악회에서 모차르트가 독주를 맡아 연주되었다[7]. 이 행사는 클라리넷 연주자 요제프 베어가 주최했으며, 모차르트가 피아니스트로 무대에 선 마지막 공개 연주였던 것으로 여겨진다[8][7]. 당시의 초연 보고서는 “작곡은 물론 연주에서도 모두가 모차르트의 예술을 탄복했다”고 기록했다[9]. (다른 기록에 따르면 모차르트의 제자 바르바라 플로이어가 아우어스페르크 궁에서 몇 주 앞서 초연했을 가능성도 있으나, 오늘날의 통설은 3월 4일 공연 쪽에 무게를 둔다[10].) 안타깝게도 모차르트는 그해 말 병을 얻어 1791년 12월 5일 세상을 떠났고, 이 협주곡은 일종의 음악적 작별 인사가 되었다. 작품은 1793년 아르타리아에서 유작으로 출판되었으며, 모차르트의 27곡에 이르는 피아노 협주곡 중 마지막 작품으로서 이 장르에 남긴 최종적 발언이라는 특별한 위상을 지닌다.
편성
협주곡 자필 악보(1791)의 첫 마디들로, 오케스트라 보표가 보인다. 특히 트럼펫과 팀파니 파트가 없다는 점이 두드러지며, 그 결과 오케스트라는 더 가볍고 친밀한 색채를 띤다.
이 협주곡의 편성은 비교적 소규모의 고전주의 오케스트라로, 1대의
The concerto is scored for a relatively small Classical orchestra: a single 플루트, 2대의 오보에, 2대의 바순, 2대의 B♭조 호른, 그리고 현악기, 독주 피아노 (포르테피아노)[11]. 모차르트의 다른 후기 피아노 협주곡 대부분과 달리, 27번은 의도적으로 트럼펫과 팀파니를 생략하여 보다 얇은 오케스트라 음향[11]. (사실 가장조 23번을 제외한 모차르트의 빈 후기 협주곡들은 모두 트럼펫과 팀파니를 포함하지만, K.595에는 없다[12].) 이러한 절제된 편성은 작품의 온화한 음색에 기여한다. 목관은 두드러진 역할을 맡아 종종 피아노와 선율적 대화를 주고받으며, 이는 협주곡에 특별한 온기와 색채를 더한다. 동시대 평론가들은 모차르트의 목관에 자주 의존하는 경향이 이 악보에서 “이 협주곡의 가장 두드러진 특징인 따뜻함을 더욱 북돋운다”[13]. 금관의 팡파레와 타악기의 부재 또한 작품의 실내악적이고 친밀한 성격을 강화한다. 전체적으로 이 오케스트레이션은 섬세함과 명료함으로 피아노를 뒷받침하며, 협주곡의 부드럽고 서정적인 성격에 잘 어울린다.
형식과 음악적 성격
이 협주곡은 모차르트 피아노 협주곡의 전통적인 빠름–느림–빠름의 3악장 구성을 따른다:
Allegro (내림나장조) – 1악장은 협주곡-소나타 형식이다. 오케스트라 제시부로 시작하여 여러 우아한 주제를 소개한다. 제1주제는 부드러운 서정적인 선율을 바이올린과 목관이 나눠 가지며, 오케스트라에 우아하고 “부유하는 듯한 서정성”을 형성한다[14]. 이어 대조적인 여러 생각들이 등장한다—어떤 주제는 새가 지저귀는 듯한 바이올린 음형을 지닌 재치 있고 장난스러운 성격이며, 또 다른 주제는 노래하듯 고요하다[15]. 주목할 점은 이 악장이 장조임에도 모차르트가 단조의 그림자를 암시한다는 것이다. 예컨대 제2주제는 딸림조의 단조(F단조), 그리고 전개부 초반에는 멀리 떨어진 단조로 잠시 나아간다[16]. 피아노는 섬세한 수식과 함께 주제를 재현하며 등장하고, 이어 오케스트라와의 대화 속에서 주제들을 발전시키고 변주한다[15][17]. 전개부는 간결하면서도 주제적으로 풍부하다. 모차르트는 동기를 분절하고 재조합하며, 대담한 전조를 (약 60마디 동안 거의 20번 조성을 바꾼다)[17][18]. 구조적 정교함에도 불구하고 악장은 차분하고 억지스럽지 않다. 독주 필치는 맑고 비교적 요구되는 기교가 적어 (특히 모차르트의 이전 협주곡들이 지닌 현란한 기교와 비교하면)[13], 이는 모차르트가 기교적 과시보다 표현적 대화에 더 중점을 두었음을 시사한다. 미묘한 재현부 다음에는 카덴차 (즉흥적인 독주 장식)이 포함된다. 초연에서는 아마도 즉흥적으로 연주했겠지만, 그는 이후 이 악장(과 피날레)을 위한 카덴차를 필사해 남겼다. 연주자에게 모차르트 자신의 장식을 전해 준, 다행스러운 유산이다[19]. 카덴차는 앞선 주제들(특히 서정적인 제2주제)을 다시 떠올리게 한 뒤, 마지막 오케스트라 투티가 부드럽게 악장을 맺는다[20]. 전체적으로 1악장은 고전적 우아함과 은근한 비애를 균형 있게 조화시키며, 그 “절제된 친밀감”과 맑은 질감은 작곡가의 개인적 고뇌를 노골적으로 드러내지 않는다[21].
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Larghetto (E♭장조) – 이 제2악장은 고요한 느린 악장으로 표기된 Larghetto, 서브도미넌트인 E♭장조에 놓여 있다. 형식은 단순한 3부(A–B–A)의 노래풍 구성이다. 피아노가 서두에서 주제를 제시하는데, 그것은 “아름다운 선율”, 부드럽고 가슴을 울리며, 이어서 오케스트라가 이를 이어받는다[22]. 이 선율은 거의 아리아에 가까운 성격으로 펼쳐지며, 종종 오페라적 칸타빌레 – 실제로 한 학자는 이 악장을 “순정한, 오페라적 미니어처리즘” 라고 부르며, 그 섬세한 표현력을 강조한다[23]. 중간부(B)에서는 새로운 우아한 선율을 도입하고 멀리 떨어진 조성으로 전조해 색채의 대비를 이룬다[24]. 전체적으로 장조의 평온함 속에서도 모차르트는 다시금 스치는 어둠을 들여보낸다. 라르게토 중간에 음악은 으뜸단조(B♭단조) 를 스치며, 한 대목에서는 구가 해결되기 전에 오케스트라가 눈에 띄는 불협화음을 제시한다[22]. 그러나 이러한 긴장 순간들은 짧고, 악장의 정서적 절절함을 더욱 깊게 할 뿐이다. 앞부분의 회귀에서는 처음의 주제가, 이제 여정을 거치며 풍성해진 모습으로 돌아온다. 전반의 분위기는 차분하고 시적인 성찰 – 평자들은 흔히 약간의 우수가 밴 만족감을 지적한다. 어느 설명대로, 이 라르게토에서는 피아노의 오른손 독주선이 반주 위에서 은은한 애수를 머금고 “날듯이 떠오르며” 흐른다[25]. 모차르트의 이 느린 악장 처리는 놀랄 만큼 친밀하고 꾸밈없는** 처리로, 선율과 화성의 순수한 아름다움이 담담히 드러나게 한다.
Allegro (B♭장조) – 피날레는 B♭장조의 쾌활하면서도 느긋한 Allegro로, 론도와 소나타의 요소를 결합한다. 그 주제는 우아한 민요풍의 선율 로, 모차르트가 자신의 독일 가곡 가운데 하나에서 실제로 차용한 것이다, “Sehnsucht nach dem Frühlinge” (봄에, K.596)[26]. 이는 악장에 따뜻하고 거의 향수 어린 분위기를 부여한다. 모차르트는 자신의 목록에서 그 ‘봄에’를 이 협주곡 바로 다음에 기입했는데, 이는 1791년 초에 두 작품을 연달아 썼음을 시사한다. 론도 주제의 가사(“사랑스러운 5월이여, 오라…”)는 그가 이 곡을 쓰던 당시 품었던 희망 어린 시선을 암시한다[27]. 이 악장은 후렴처럼 반복되는 주제와 대조적 에피소드가 교대로 나타나며 전개된다. 어느 에피소드에서는 보다 활기찬 발상을 제시하고 잠깐 단조로 빗나가며, 밝음이 돌아오기 전에 약간의 극적 긴장을 더한다. 피날레 전반의 분위기는 내내 유쾌하고 만족스럽다, 모차르트의 초기 협주곡들에서 보이는 폭풍 같은 종결부나 현란한 비르투오소적 과시는 없다. 최종 재현과 코다 직전에 짧은 카덴차(모차르트가 자필 버전을 남겼다)가 나타난다[28][19]. 이 카덴차는 제1악장의 그것과 마찬가지로 규모가 작고, 기교적 과시보다는 선율적 서정성에 초점을 맞춘다. 이어 협주곡은 온화한 작별의 정서 속에서 조용하고 유쾌하게 끝맺는다. 주목할 점은, 모차르트가 악장들 사이의 미묘한 순환적 통합 을 이루었다는 것이다. 라르게토의 주제가 피날레 속에서 잠깐(제2주제로서) 재현된다[29], 이는 당대에는 이례적인, 앞선 감각의 연결을 만들어낸다. 이러한 주제 회상과 ‘봄에’ 선율의 재사용이 이 협주곡에 응집력 있는 서사성을 부여한다.
양식적으로 K.595는 1780년대 중반 모차르트가 쓴 장대하고 비르투오소적인 협주곡들과 구별된다. 눈부신 현란함 대신, 이 작품은 “성숙한 평온” 과 단순미를 풍기며, 이를 두고 어떤 이들은 “무르익은” 또는 “마음을 울리는 절제”[21]. 피아노는 노골적인 외향성보다는 사색성을 보이며 오케스트라와 밀도 높게 어우러진다. 그러나 그 온화한 표면 아래에는 부인할 수 없는 정서의 깊이가 흐른다. 19~20세기의 일부 평론가들(가장 유명하게는 커스버트 거들스톤)은 이 협주곡을 가을빛의 슬픔으로 물들었다고 해석했다 – “체념과 향수가 협주곡 전체 위에 슬픔의 베일을 드리우고… 저녁빛을 드리워 한 생의 끝을 알린다”[30]. 이러한 시적 해석은 이것이 모차르트의 마지막 협주곡이라는 사실에서 비롯되었을 공산이 크지만, 작품에 깔린 잔잔한 정서의 저류를 부각한다. 실제로 이 곡의 평온한 아름다움은 아련한 내향성을 품고 있다. 그러나 많은 분석가들은 음악 그 자체에 지나친 비극성을 읽어내는 데 주의를 당부한다. 이 협주곡의 형식적 균형과 선율적 우아함 은 “작곡가에게 닥쳐올 운명을 음악적으로 실질적으로 암시하지 않는” 만족의 분위기를 자아낸다[31]. 로스앤젤레스 필하모닉의 해설이 지적하듯, 모차르트는 자신의 비할 데 없는 피아노 협주곡 문학을 영웅주의도, 자기연민도 없이—그저 미소로 닫는 듯 보이며, 그 미소의 가장자리에는 “슬픈 체념” 이 어려 있다[23]. 요컨대, 피아노 협주곡 27번은 절제된 서정미와 깊은 종결감 으로 특징지어지며, 흔히 가을빛의, 내밀한, 그리고 아련한 작품으로 묘사된다. 웅대한 고별이라기보다 온화한 이별을 건넨다.
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수용과 유산
1791년 초연 당시, 모차르트의 마지막 피아노 협주곡은 현장에 있던 이들로부터 호평을 받았다고 전해진다. 앞서 언급했듯, 청중은 초연에서 작품 자체와 모차르트의 피아니즘 모두를 찬탄했다[9]. 그러나 모차르트 사후 수십 년 동안 이 협주곡은 그가 이전에 쓴 몇몇 협주곡만큼의 명성을 곧바로 얻지는 못했다. 19세기에는 연주 빈도가 더 낮았으며 D단조나 C장조 협주곡처럼 더 화려한 작품들에 비해 그랬다. K.595에서의 모차르트의 말년 양식—지극히 미묘하고 절제된—은 보다 노골적으로 극적인 협주곡을 선호하던 19세기 취향과는 맞지 않았을지 모른다. 음악학자 사이먼 키프에 따르면, 19세기에는 ‘대관식’ 협주곡(26번)도 27번도 모차르트의 가장 인기 있는 기악 작품 반열에 들지 못했으며, 20세기에 들어서야 27번이 마땅히 받아야 할 학문적 찬사를 받기 시작했다[32]. 실제로 오랫동안 이 협주곡은 모차르트의 초기 빈 시절 협주곡들에 비해 상대적으로 적은 주목을 받았다[33].
그러나 시간이 흐르면서 연주자들과 평론가들은 피아노 협주곡 27번의 고유한 면모를 귀하게 여기게 되었다. 그 온화한 서정성과 내성적인 정조는 모차르트 만년의 천재성을 상징하는 특징으로 찬사받아 왔다. 기들스턴 같은 초기 논평가들은 그 안에서 모차르트의 말년을 예감하게 하는 징후를 보았지만[30], 후대의 저자들은 음악의 평온함과 노골적인 암울함의 부재를 강조하여 그 관점을 균형 있게 보완했다[21]. 이러한 해석의 대화는 오히려 이 협주곡의 유산을 풍요롭게 했다: 이 작품은 애틋한 고별처럼도, 혹은 그저 모차르트의 순수한, 고전적 세련미. 현대의 프로그램 노트는 이 작품의 가을빛 매력과 “승화된” 고요를 자주 강조하며, 다른 만년의 모차르트 걸작들(예를 들어 클라리넷 협주곡 또는 레퀴엠의 몇몇 대목)는 이 세상 밖의 평온을 전한다. 더 나아가 학자들은 모차르트가 마지막 두 협주곡에서 피아노 협주곡이라는 형식을 은근히 새롭게 만들고 있었다고 지적해 왔다. 악장 간 주제의 통합과 K.595에서의 간결한 관현악법은, 19세기의 문턱에서 모차르트가 새로운, 미래지향적 발상을 탐색하고 있음을 보여 준다[34].
20세기 들어 이 협주곡의 명성은 꾸준히 높아졌다. 특히 피아니스트이자 학자들, 그리고 역사적 연주 관행에 입각한 연주자들이 그 미묘한 뉘앙스를 재발견하면서 모차르트 협주곡 정전의 핵심으로 자리 잡았다. 20세기 중반에는 일류 피아니스트들이 이를 프로그램에 올리고 녹음하여, 작품의 실내악적 성격을 자주 부각했다. 오늘날 K.595는 절제와 서정의 걸작. 으로 여겨진다. 비록 이를테면 “엘비라 마디간” 협주곡(21번)의 즉각 흥얼거릴 만한 유명세나 20번의 폭풍우 같은 드라마는 덜할지라도, 많은 이들은 27번을 이 장르에서 모차르트 작업의 깊이 있는 종결로 간주한다. 이 작품의 유산은 모차르트의 마지막 협주곡이라는 사실이 주는 아릿함과도 맞물려 있어 – 이 점은 음악사에서 그것에 특별하되 다소 씁쓸한 위치를 부여한다. 나아가 후대 작곡가들과의 연관성을 지적하는 시각도 있다. 예컨대 요하네스 브람스(자신의 피아노 협주곡 2번이 마지막이었던)는 모차르트의 27번을 높이 평가했다고 전해지며, 한 분석가는 브람스 협주곡의 관현악 편성에서 이에 대한 암시를 포착했다고 본다[35]. 이러한 연결이 의도적이든 아니든, 위대한 작곡가가 이별을 고하는 방식을 두고 세대의 음악가들에게 성찰을 불러일으킨 작품이 모차르트의 마지막 협주곡임은 분명하다.
해석과 음반
그 섬세한 성격 때문에, 모차르트의 피아노 협주곡 27번은 화려한 기교 과시보다 섬세함과 명료함을 중시하는 피아니스트의 협주곡으로 자주 인식된다. 모차르트 자신이 초연자로서 1791년 연주로 작품의 길조의 출발을 알렸다. 모차르트 사후에는 제자들, 이어 19세기 피아니스트들에 의해 간헐적으로 연주되었지만, 20세기에 모차르트 부흥이 본격화되면서 비로소 표준 레퍼토리에 편입되었다. 1930~40년대에 들어 아르투어 슈나벨 는 모차르트의 협주곡을 앞장서 옹호했다; 실제로 슈나벨은 1939년 로스앤젤레스 필하모닉의 K.595 첫 연주에서 협연을 맡았다[36]. 그 이후로 사실상 모든 저명한 모차르트 연주자들이 이 곡에 도전해 왔다. 다음과 같은 연주자들의 손에서 특히 찬사를 받았다: 클라라 하스킬, 릴리 크라우스, 빌헬름 켐프, 그리고 발터 기제킹 등 20세기 중엽의 연주자들로, 모두 이 작품의 우아함을 부각시켰다. 이후 위대한 모차르트 해석자들인 다니엘 바렌보임, 알프레드 브렌델, 머레이 페라이어, 우치다 미츠코, 마리아 주앙 피레스, 리처드 구드, 안드라스 시프 (그 외 다수) 역시 주목할 만한 연주와 녹음을 남겼다.
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서로 다른 해석적 접근은 이 협주곡의 여러 면을 비춘다. 몇몇 피아니스트는 포르테피아노 (현대 피아노의 18세기 전신)로 이 작품의 본래 음향 세계를 되살리기도 한다; 예컨대 맬컴 빌슨과 로버트 레빈은 시대 악기로 녹음하여 그 친밀한 스케일을 부각했다. 현대 피아노로는 연주자들이 종종 실내 오케스트라 반주를 택해 조직의 투명성을 유지한다. 실제로 이 작품의 친밀함은 더 작은 편성에서 피아노와 관악기의 상호작용을 섬세하게 드러내기에 적합하다. 한 최신 평론가는 “친밀한” 27번이 “더 높은 수준의 앙상블 결속을 보여 준다” 라고 실내 오케스트라 편성에서 평했으며[37], 그리고 마리아 주앙 피레스 와 클라우디오 아바도 (그리고 선발된 오케스트라 모차르트)의 녹음을 통일된 음향과 표현의 뉘앙스가 이상적으로 어우러진 모범으로 추천했다[38]. 일반적으로 현대의 지휘자와 피아니스트들은 이 협주곡에서 프레이징의 명료함, 탄력 있는 템포, 대화하듯한 프레이징을 지향하여, 그 온화한 서정이 자연스럽게 펼쳐지도록 한다.
K.595의 뛰어난 녹음들이 그 통찰 때문에 자주 거론된다. 예를 들어 아바도와 함께한 마리아 주앙 피레스의 버전은 따뜻함과 친밀감으로 찬사를 받으며, 알프레드 브렌델의 녹음들(특히 찰스 매케라스 경과의 후기 녹음)은 모차르트 양식에 대한 깊은 이해로 존중받는다. 그리고 전설적 피아니스트 에밀 길렐스 는 아름다운 음색으로 회자되는 명반을 남겼다. 비평가들의 설문은 자주 리처드 구드와 피레스의 해석을, 브렌델과 더불어, 기준점으로 꼽는다[39]. 그 밖의 뛰어난 연주로는 머레이 페라이어(잉글리시 체임버 오케스트라와), 다니엘 바렌보임(전곡을 두 차례 녹음), 우치다 미츠코(제프리 테이트가 지휘한 잉글리시 체임버 오케스트라와) 등이 있다. 각 피아니스트는 서로 다른 색조를 드러낸다. 이를테면 우치다는 수정처럼 맑은 섬세함을 강조하는 반면, 브렌델은 다소 더 견고한 프레이징을 들려준다. 그럼에도 모두 이 협주곡이 요구하는 절제와 서정적 집중을 잃지 않는다.
또한 이 협주곡에서는 모차르트 자신의 카덴차가 진정성과 작품 양식에의 적합성 때문에 흔히 사용된다는 점도 주목할 만하다[19]. 그러나 후대의 몇몇 음악가들은 대체 카덴차를 쓰기도 했다. 작곡가이자 피아니스트인 요한 네포무크 훔멜 (모차르트의 제자)는 27번을 위한 카덴차를 남겼고, 거장 카를 라인케 도 19세기에 이를 썼다. 이러한 카덴차들도 가끔 연주되지만, 오늘날 연주자들은 대체로 모차르트의 오리지널을 선호하거나 시대 양식에 맞게 즉흥으로 연주한다.
연주에서는 내림나장조 협주곡이 흔히 “가을빛” 작품으로, 리사이틀이나 콘서트 프로그램을 사색적인 분위기로 마무리하는 것으로 평가된다. 그 고요한 종결 악구는 들끓는 피날레처럼 폭발적인 박수로 객석을 뒤흔들지는 않는다; 대신 관객들은 종종 그 “절제된 아름다움”과 이것이 모차르트의 마지막 피아노 협주곡이라는 애틋한 자각에 사로잡힌다. 한 평론가가 적확하게 요약했듯, 27번은 “서정성, 기교, 감정의 깊이를 아우르는 숭고한 작품… 평온한 도입부가 섬세한 우수에서 승리의 환희에 이르는 여정의 분위기를 설정한다”, 그래서 모차르트의 유산에 바치는 더없이 알맞은 헌사[40]. 오늘날 이 협주곡은 화려한 기교 과시보다 음악적 시성을 중시하는 피아니스트들이 특히 아끼는 작품으로 자리한다. 최고의 해석자들은 모차르트의 “원숙한 단순성” – 마지막 해에 그가 건반 위에서 더없이 명료하고 우아하게 말했음을 뜻하는 감각을 전한다. 피아노 협주곡 27번은 “부드러운 작별”, 그러나 깊고도 유려한 웅변을 지닌 채, 모차르트의 비범한 피아노 협주곡 연작을 초월적인 평정과 미묘한 정서적 공명을 지닌 작품으로 매듭짓는다.
출처:
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Mozart’s autograph manuscript and historical notes[41][42]; scholarly commentary by Simon Keefe[32]; program notes by Orrin Howard (LA Phil)[13][23]; Houston Symphony blog by Calvin Dotsey[3][43]; Interlude article by Georg Predota[7][31]; Cuthbert Girdlestone, Mozart and His Piano Concertos (quoted in LA Phil notes)[30]; Anne Queffélec album review (Tal Agam, The Classic Review)[37][39]; and other referenced musicological sources.
[1][2][8][10][11][12][16][19][26][29][34] Piano Concerto No. 27 (Mozart) - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._27_(Mozart)
[3][15][17][20][22][24][43] Mozart's Last Solo: The Piano Concerto No. 27 in B-flat Major, K. 595
https://houstonsymphony.org/mozart-piano-concerto-27/
[4][5][13][14][21][23][30][36] Piano Concerto No. 27, K. 595, Wolfgang Amadeus Mozart
https://www.laphil.com/musicdb/pieces/2767/piano-concerto-no-27-k-595
[6][7][9][18][25][27][31][35][40] Piano Concerto No. 27: Mozart's Final Piano Concerto
https://interlude.hk/on-this-day-4-march-mozart-piano-concerto-no-27-k-595-was-premiered/
[28][37][38][39] Review: Mozart - Piano Concertos No. 20&27 - Anne Queffélec
https://theclassicreview.com/album-reviews/review-mozart-piano-concertos-no-20-27-anne-queffelec/
[32][33] A Complementary Pair: Stylistic Experimentation in Mozart's Final Piano Concertos, No. 26 in D, K. 537 (the ‘Coronation’), and No. 27 in Bb, K. 595 (Chapter 3) - Mozart's Viennese Instrumental Music
[41][42] File:Mozart, Piano Concerto No.27 in Bb Major, K595, autograph manuscript (f.1r).jpg - Wikimedia Commons