바이올린 협주곡 2번 D장조(K. 211)
von Wolfgang Amadeus Mozart
모차르트의 바이올린 협주곡 2번 D장조, K. 211은 작곡가가 열아홉 살이던 1775년 6월 14일 잘츠부르크에서 완성되었다. 같은 해에 나온 유명한 ‘동료’ 작품들에 비해 노골적으로 연극적인 성격은 덜하지만, 협주곡적 수사법을 조용히 실험하는 방식—특히 밝고 궁정적인 틀 안에서 독주자가 실내악처럼 친밀하게 “말하도록” 허용하는 모차르트의 처리—은 세심한 감상에 충분히 보답한다.
배경과 맥락
1775년의 볼프강 아마데우스 모차르트(1756–1791)는 잘츠부르크의 대주교좌(Prince-Archiepiscopal) 음악 체계에 단단히 속해 있었고, 히에로니무스 폰 콜로레도 대주교 아래에서 일하고 있었다. 도시는 안정감을 제공했다—정기적인 전례 및 궁정 업무, 유능한 오케스트라, 그리고 교양 있는 청중. 그러나 동시에 한계를 부여하기도 했다. 잘츠부르크는 모차르트가 훗날 빈에서 활용하게 될, 구독 중심의 개방적인 협주곡 문화(공공 “아카데미”와 기획자적 프로그램이 새로움과 대담한 개성을 보상하는 풍토)를 좀처럼 제공하지 못했다.
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
진정한(정본으로 인정되는) 다섯 곡의 바이올린 협주곡은 이 잘츠부르크 시기의 경력 한복판에서 의미심장한 교차로를 이룬다. 흔히 이 다섯 작품은 하나의 자족적인 “세트”로 취급되지만, 실제 흥미는 모차르트가 단 하나의 문제—이탈리아풍 독주 협주곡(젊은 비르투오소 작곡가에게 여전히 권위 있는 모델)을, 반주이자 공동체로 기능하는 궁정 오케스트라라는 지역적 연주 현실과 어떻게 화해시키는가—에 대해 얼마나 빠르게 서로 다른 해법을 시험하는지에 있다. 2번 협주곡 K. 211은 다섯 곡 가운데 가장 외향적이지 않은 작품으로 묘사되곤 한다. 바로 그 점 때문에, 이 곡은 ‘과시용’ 프로필보다는 대화의 문법에 더 관심을 두는, 모차르트의 작업 중인 음악적 사고에 유난히 가까이 다가가게 한다.
또 하나의 맥락적 변주는 ‘누구를 위해 썼는가’라는 문제다. 잘츠부르크는 곧 나폴리 출신 바이올리니스트 안토니오 브루네티(1744–1786)를 고용하게 되는데, 그는 1770년대 후반 모차르트의 바이올린 음악(특히 그의 취향에 맞춘 독립적인 대체 악장과 론도)과 긴밀히 연관된다.[3][4] 그러나 브루네티가 잘츠부르크 궁정 오케스트라에 들어온 것은 1776년이므로, K. 211의 기원은 후임자를 위한 맞춤형 위촉이 아니라, 궁정에서 주요 바이올리니스트로 활동하던 모차르트 자신의 시기에 속한다.[4]
작곡과 초연
쾨헬 온라인 목록(Internationale Stiftung Mozarteum이 지속적으로 업데이트하는 학술 목록)은 K. 211에 대해 유난히 구체적인 문서 근거를 제시한다. 장소는 잘츠부르크, 날짜는 1775년 6월 14일이며, 작품의 진정성은 확실하고 자필 악보도 현존한다.[1] 이 날짜는 단지 연대기적 의미만이 아니라 해석의 관점에서도 중요하다. K. 211은 1775년 협주곡 집중 작곡의 출발점에 해당하며, 같은 해 후반 협주곡들에서 보이는 보다 공공적이고 ‘대중을 향한’ 제스처에 앞서 있기 때문이다.
반면, 이 협주곡의 첫 연주에 대해서는 그만큼 확실하게 말하기 어렵다. 당시의 많은 잘츠부르크 기악 작품처럼, K. 211은 인쇄된 공지와 함께 기록되는 단 한 번의 ‘공식 초연’을 위해서라기보다, 궁정과 귀족 사회의 실제 음악 활동 속에서 실용적으로 쓰이도록 작곡된 것으로 보인다. 더 넓게는—모차르트가 이 협주곡들을 주로 자신을 위해 썼는지, 혹은 잘츠부르크의 다른 연주자를 위해 썼는지—라는 질문도, 협주곡에 관해 직접적으로 언급하는 1775년 서신이 남아 있지 않아 여전히 열려 있다. (흥미롭게도, 그해 현존하는 편지들은 우리가 기대하는 종류의 “초연 서사”를 제공하지 않는다.)
그럼에도 간접 증거는 그럴듯한 연주 맥락을 뒷받침한다. 모차르트는 잘츠부르크에서, 그리고 이후 순회 중에도 자신의 바이올린 협주곡을 연주했으며, 모차르테움의 목록은 잘츠부르크 협주곡 환경에 대한 일반 설명에서 이 점을 언급한다.[1] 또한 작품의 설계 자체가, 독주자가 프레이징과 아티큘레이션으로 표현을 만들어낼 수 있는 숙련자임을 전제한다. 화려함이 요구되기는 하지만, 그것이 ‘화려함 자체’를 위한 경우는 드물다.
이러한 불확실성에서 파생되는 해석 논쟁 가운데 하나는 수사적 태도에 관한 것이다. K. 211을 공동체적 직조 안에 독주자가 스며든 정중한 “궁정 협주곡”으로 연주해야 하는가, 아니면 이미 빈(비엔나)적 자기 제시의 행위로 연주해야 하는가? 최근 수십 년의 시대악기적 연주는 대체로 전자 쪽으로 기울어 왔다—가벼운 질감, 번뜩이는 아티큘레이션, 그리고 관악과 현악이 반주 “기계”가 아니라 동등한 대화 상대라는 감각. 이러한 독법은 협주곡의 편성과, 실내악처럼 투명해지는 빈번한 순간들과도 잘 들어맞는다.
편성
모차르트의 관현악법은 절제되어 있으면서도 요점을 찌른다—잘츠부르크의 자원에 걸맞게 경제적이되, 관악이 배경이 아니라 ‘등장인물’로 들리도록 허용될 때 인상적인 색채를 낼 수 있다.
- 목관: 오보에 2대(ob1, ob2)
- 금관: 호른 2대(cor1, cor2)
- 현악: 바이올린 독주(vl-solo), 제1·제2바이올린(vl1, vl2), 비올라(vla1, vla2), 첼로 & 콘트라베이스(vlc+b)
이 정확한 악기 목록(첼로+bass를 따로 표기하고 비올라 파트를 분할한 표기 포함)은 K. 211의 쾨헬 온라인 목록에 제시되어 있다.[1] 연주에서 관악 파트는 ‘교향적’ 무게로 자신을 과시하는 일이 드물기 때문에 쉽게 과소평가되기 쉽다. 그러나 오보에가 종지의 수사학을 선명하게 만드는 능력, 호른이 의례적 넓이를 더하는 역량은, 이 협주곡이 궁정적 품위와 독주의 서정성 사이에서 균형을 바꾸어 가는 데 필수적이다.
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
형식과 음악적 성격
모차르트는 빠름-느림-빠름이라는 표준 3악장 협주곡 구성을 따르지만, K. 211은 독주자가 어떻게 등장하고, 설득하고, 마침내 청자의 귀를 “얻는지”를 좌우하는 작지만 의미 있는 선택들로 가득하다.
I. Allegro moderato (D장조)
1악장은 협주곡적 ‘예법’에 대한 연구처럼 들린다. 모차르트는 관현악 서주를 비르투오소 과시를 위한 단순한 서문으로 취급하지 않고, 진정한 장면 설정으로 만든다. 명료하게 분절된 밝은 D장조의 공적 공간이 펼쳐지고, 그 안으로 독주자가 들어오는데—같은 주제 세계를 공유하면서도 어딘가 사적으로 굴절된 목소리로 등장한다.
주목할 만한 구조적 특징 하나—분석 문헌에서 언급되며 현대의 참고 논의에도 반영되는—는, 모차르트가 이 협주곡과 이후의 D장조 및 A장조 협주곡들에서 주요 형식적 분기점(특히 독주 제시부 뒤와 재현부에서)에 작은 관현악 “코데타”를 덧붙여 마무리하는 습관이다. 이 세부는 작품의 극적 속도감을 미묘하게 바꾼다.[2] 실제 연주에서는, 독주자가 형식을 일방적으로 지배하는 것이 아니라, ‘덜한’ 협주곡이라면 독주에 밀려 사라졌을 순간에 오케스트라가 마지막 말을 허락받는 셈이다.
해석의 관점에서 이 악장의 과제는 비례감이다. 많은 패시지워크는 바이올린에서 자연스럽게 손에 익어 쉽게 처리할 수 있지만, 더 중요한 질문은 장거리의 통사(문장 구조)를 어떻게 투사하느냐이다—시퀀스가 어디로 향하는지, 종지를 어떻게 준비하는지, 어떤 장식이 선을 흐리는 치장이 아니라 선율을 명료하게 하는지. 연주자와 지휘자에게 K. 211은 그래서, 비르투오시티가 구두점(프레이징과 종지 처리)과 분리될 수 없는 “모차르트 협주곡 스타일”의 이른 시험대로 기능한다.
II. Andante (G장조)
G장조의 느린 악장은 aria senza parole(말 없는 아리아)처럼 느껴진다. 독주 바이올린이 조용히 지속하는 관현악의 바탕 위에서 노래하고, 관악은 노골적인 논평이라기보다 부드러운 음영을 더한다.[2] 정서의 세계는 비극적이기보다 내향적이다—선언의 음악이 아니라 설득의 음악이다.
이 악장을 그저 일반적인 “느린 악장의 아름다움” 이상으로 만드는 것은 훈련된 절제다. 선율은 넉넉하지만 방종하지 않으며, 독주자가 머무를 때에는 화성과 악구 구조가 정말로 그 머묾을 요청하기 때문에 그래야 한다. 역사적으로도 바로 이 지점에서 연주 전통이 갈라져 왔다. 20세기 중반의 녹음들은 흔히 폭넓은 cantabile과 지속적인 비브라토를 선호한 반면, 최근의 접근은 말하듯 분명한 아티큘레이션을 목표로 하며, 비브라토를 장식으로 사용하고 화성 리듬이 소리의 형성을 이끌도록 두기도 한다.
III. Rondeau: Allegro (D장조)
피날레는 D장조로 돌아오며, 기교적 운동성보다 재치에 가까운 론도를 제시한다. 되풀이되는 리프레인은 예의 바른 춤의 경쾌함을 지니지만, 모차르트는 사회적 “가면”을 끊임없이 바꾼다. 에피소드들은 소박함을 슬쩍 유혹하듯 드러냈다가, 곧 세련됨을 다시 주장한다. 독주선은 대화하듯 편안함과 짧고 빠른 과시의 폭발 사이를 오간다.
여기서도, 모차르트의 잘츠부르크 협주곡들에서 흔히 그렇듯 관악은 선택적 색채로만 취급되기 쉽다. 하지만 오보에와 호른에 독주자와 동등한 리듬적 의지를 부여해—그저 받쳐주기보다 독주의 아티큘레이션과 맞물리게—연주하면, 악장의 코미디는 훨씬 더 날카로워진다. 이 론도의 유희는 타이밍에 달려 있다. 템포뿐 아니라, 종지의 미시적 타이밍, 되돌아옴의 탄력, 그리고 오케스트라가 독주의 다음 등장을 위해 어떻게 “무대”를 준비하는지에 달려 있다.
수용과 유산
K. 211의 명성은 오랫동안 더 연극적으로 분명한 3번(Straßburg)과 5번(Turkish)의 그늘에 가려 있었다. 그러나 2번 협주곡은 현대 레퍼토리에서 꾸준히 위상을 얻어 왔는데, 그 장점이 구조적이고 수사학적이기 때문이다. 즉, 모차르트가 독주자와 앙상블 사이에 권위를 어떻게 배분하는지를 따라가는 청자에게 더 큰 보상을 준다.
그 유산을 특히 밝혀주는 두 가지 측면이 있다.
첫째, 작품의 텍스트 안정성과 확실한 귀속은 이 곡이 연주 관행의 실험실로 기능하는 데 도움을 주었다. 자필 악보가 보존되어 있고 정본으로 단단히 받아들여지기 때문에, 연주자들은 모차르트 주변의 다른 바이올린 협주곡 귀속 문제처럼 진정성 논쟁에 발목 잡히기보다, 스타일—보잉, 아티큘레이션, 템포 관계, 카덴차 선택—의 문제에 집중할 수 있다.[1]
둘째, K. 211은 음반과 공연 프로그램에서 의미심장한 지표가 되었다. “훅”을 위해 선택되는 곡이 아니라, 어떤 연주자의 모차르트를 드러내는 곡으로 선택되는 작품인 것이다. 바이올리니스트들이 진정한 실내악적 감각으로—오케스트라가 말하도록 허용하고, 절정만큼이나 전환을 섬세하게 다듬으며—이 곡을 연주할 때, 협주곡은 후기 걸작들의 ‘이른 형제’가 아니라 고전적 웅변의 독립적인 에세이처럼 들릴 수 있다.
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
이미 모차르트의 더 유명한 바이올린 협주곡들을 알고 있는 청자에게 K. 211은 다른 종류의 만족을 제공한다. 처음부터 눈부시게 압도하는 협주곡이 아니라, 비례감과 대화, 그리고 언뜻 단순해 보이지만 가까이 다가갈수록 고도로 공들여졌음이 드러나는 우아함을 통해 설득하는 협주곡이다.
Noten
Noten für 바이올린 협주곡 2번 D장조(K. 211) herunterladen und ausdrucken von Virtual Sheet Music®.
[1] Köchel Catalogue Online (Internationale Stiftung Mozarteum): KV 211 entry with dating (Salzburg, 14 June 1775) and instrumentation.
[2] Wikipedia: overview of Violin Concerto No. 2 in D major, K. 211 (movements, scoring, and formal notes).
[3] Wikipedia: Adagio in E major for Violin and Orchestra, K. 261 (context about replacement movement written for Antonio Brunetti).
[4] Wikipedia: Antonio Brunetti biography (Salzburg court violinist associated with Mozart’s later violin works).