교향곡 17번 G장조(K. 129)
av Wolfgang Amadeus Mozart
모차르트의 교향곡 17번 G장조 K. 129은 작곡가가 열여섯 살이던 1772년 5월에 완성한 잘츠부르크 시기의 소품 규모 작품이다. 이후의 ‘번호가 매겨진’ 교향곡들에 가려 자주 조명되진 않지만, 이 곡에는 젊은 모차르트가 유려한 이탈리아풍 교향곡 어법을 다듬어 가는 모습이 또렷하다. 발 빠르고, 관현악 색채에 민감하며, 작은 동기에서 큰 호흡을 자신 있게 빚어내는 감각이 이미 드러난다.[1]
배경과 맥락
1772년 봄, 볼프강 아마데우스 모차르트(1756–1791)는 이탈리아 여행들 사이의 시기에 잘츠부르크로 돌아와, 대주교-후작의 궁정이 꾸려 가는 음악 생활을 위해 작품을 썼다. 이 시기의 교향곡은 대체로 간결한 3악장 구조(빠름–느림–빠름)를 취하며, 출판이나 국제적 유통을 염두에 두기보다 궁정에서 사용할 수 있는 관현악단으로 실제 연주하기에 알맞도록 만들어졌다.[3]
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K. 129는 1772년 5월에 집중적으로 쓰인 잘츠부르크 교향곡들(K. 128–130) 가운데 하나로, 이때 모차르트의 관현악 작법은 특히 절제되고 단단하다. 짜임새는 군더더기 없이 가볍고, 음악적 전개는 윤곽이 선명한 주제들에 의해 이끌리며, 관악 파트는 완전히 독립된 대위적 진행이라기보다 색채와 구획을 찍어 주는 역할로 쓰이는 경우가 많다.[1] 이런 음악에서 ‘작다’는 말은 결코 대충 만들었다는 뜻이 아니다. 제한된 수단으로 추진력과 대비를 만들어 내는 법을 모차르트가 얼마나 빠르게 체득했는지를 보여 주기 때문에, 이 곡은 귀 기울여 들을수록 보상을 준다. 이러한 능력은 훗날 1780년대의 교향곡들에서 더욱 크게 꽃핀다.
작곡과 초연
이 교향곡은 대체로 1772년 5월, 잘츠부르크에서 완성된 것으로 여겨지며, 그달 모차르트가 완성한 세 편의 교향곡 가운데 두 번째 작품으로 흔히 소개된다.[1][3] (일부 소재는 더 이른 시기에 나왔을 가능성도 있는데, 이는 모차르트가—18세기 작곡가들이 흔히 그랬듯—상황에 따라 아이디어를 재사용하고 고쳐 쓰기도 했음을 상기시킨다.[1])
초기 잘츠부르크 교향곡들 가운데 상당수와 마찬가지로, K. 129 역시 확실한 초연 기록이 남아 있지 않다. 궁정용으로 기획되어, ‘초연’이라는 단일한 공개 행사(19세기적 의미에서)보다는 필요에 따라 잘츠부르크의 앙상블이 관현악 음악을 요구하는 다양한 자리—아카데미 형식의 연주회, 축하 행사, 혹은 연극의 간주—에서 연주되었을 가능성이 크다.[3]
편성
모차르트는 K. 129를 1770년대 초 잘츠부르크에서 표준적으로 쓰이던 관현악 편성으로 작곡했다.[1]
- 목관: 오보에 2
- 금관: 호른 2
- 현악: 바이올린 I & II, 비올라, 첼로, 콘트라베이스
관악의 쓰임은 당대 양식의 전형을 따른다. 오보에는 종종 상성부 현악을 받쳐 선명함을 더하고, 호른은 화성적 무게와 야외적인 울림을 보탠다. K. 129가 특히 매력적인 이유는, 모차르트가 관현악의 ‘조명’을 얼마나 능숙하게 바꾸는지에 있다. 전 합주 음향과 더 투명한 현악 질감 사이를 오가며, 특히 느린 악장에서 그 대비가 두드러진다.[1]
형식과 음악적 성격
K. 129는 이탈리아풍 3악장 설계를 따르지만, 그 익숙한 틀 안에서 모차르트는 생생한 제스처와 의외로 개성적인 윤곽을 확보한다.
I. Allegro
첫 악장은 초기 고전주의적 추진력을 보여 주는 한 편의 논설처럼 들린다. 에너지가 넘치고 리듬은 탄력적이며, 즉각적인 효과를 겨냥해 빚어졌다. 특히 눈에 띄는 요소는 만하임 크레셴도(Mannheim crescendo)의 활용이다. 이는 전설적인 만하임 관현악단과 연관된, 다이내믹과 질감을 단계적으로 부풀리는 기법인데, 여기서는 과시적 효과라기보다 긴 프레이즈를 형성하고 도착점을 고조시키는 수단으로 기능한다.[1] 모차르트가 흥분을 ‘배치’하는 법을 배워 가는 모습이 들린다. 주제를 제시하고 되풀이하는 데 그치지 않고, 현과 관의 재빠른 주고받음, 그리고 미묘한 리듬적 재결합을 통해 표면을 끊임없이 움직이게 만든다.
II. Andante (C장조)
Andante는 딸림딸림조인 C장조(하위딸림조)로 옮겨 가며, 이는 18세기에서 더 부드럽고 밝게 빛나는 대비를 만드는 전형적 전략이다. 모차르트는 여기에 독주 바이올린 선율을 전면에 내세워 악장의 성격을 한층 또렷하게 구분한다. 바이올린 수석이 앞으로 나서도록 초대하는 듯한 이 질감은 거의 협주곡을 연상시킬 정도다.[1] 그 결과 이 교향곡의 중심은 친밀한 표정으로 형성된다. 수사적 태도는 공적이고 외향적인 제스처에서, 절제된 반주 위로 노래하는 선율로 옮겨 간다.
III. Allegro
피날레는 G장조와 경쾌한 빠르기를 되찾으며, 또렷한 아티큘레이션과 운동감 있는 마무리를 지향한다. 초기 모차르트의 피날레에서 재치는 노골적인 농담보다 타이밍에서 나오는 경우가 많다. 갑작스러운 음역 변화, 재빠른 종지적 회전, 그리고 어떤 프레이즈가 기대보다 한 박자 이르게 또는 늦게 ‘스스로에게 대답하는’ 듯한 방식이 그렇다. K. 129는 이러한 절약의 미학을 잘 보여 준다. 이 음악은 머뭇거리며 머무르지 않는다—그럼에도 (혹은 바로 그렇기 때문에) 공예적 완성도는 오히려 그 ‘지체하지 않음’에 정확히 놓여 있다.
수용과 유산
교향곡 17번은 모차르트의 교향곡 가운데 가장 자주 연주되는 작품은 아니다. 이는 부분적으로, 이 곡이 방대한 초기 잘츠부르크 관현악 작품군에 속하며 후대 청중이 한때 이를 수습기 작품으로 취급하곤 했기 때문이다. 그러나 현대의 연주 및 녹음 문화는 이 교향곡들을 양식 형성의 기록이자, 그 자체로도 매력적인 공연 오프닝 레퍼토리로 점점 더 높이 평가해 왔다.[3]
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그렇다면 K. 129를 더 가까이 들어야 할 이유는 무엇일까? 첫째, 열여섯 살의 모차르트가 실제 연주자들을 염두에 두고 얼마나 능숙하고 전문적으로 썼는지 포착한다. 편성은 자연스럽고, 전개는 날렵하며, 대비는 분명하게 무대 위에 놓인다. 둘째, 겉보기엔 ‘표준적인’ 3악장 설계가 어떻게 개성을 낳을 수 있는지 보여 준다. 특히 1악장의 다이내믹 조형(만하임에서 영감을 받은 크레셴도)과 2악장의 독주 바이올린 칸타빌레가 그렇다.[1]
1772년 5월의 동반 작품들(K. 128과 K. 130)과 나란히 들어 보면, K. 129는 젊은 작곡가의 교향곡적 목소리가 얼마나 빠르게 응집되어 가는지 그 지도를 그려 준다. 아직 마지막 3부작(K. 543, 550, 551)의 장대한 건축가는 아니지만, 이미 놀라울 만큼 정확한 음악적 극작가로서, 열두어 분 남짓한 시간을 완결된—잘 들려준—이야기처럼 느끼게 만드는 능력을 보여 준다.[1]
Noter
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[1] Wikipedia: overview, dating (May 1772), scoring, movements, and notable features (Mannheim crescendo; solo violin in slow movement).
[2] IMSLP PDF score (public-domain edition): reference for the work and its three-movement layout.
[3] IMSLP work page: composition date (1772, May), movements, instrumentation, and publication information.