두 대의 피아노를 위한 D장조 소나타, K. 448
av Wolfgang Amadeus Mozart
모차르트의 두 대의 피아노를 위한 D장조 소나타 K. 448(K⁹ 448)은 1781년 11월 빈에서 완성되었고, 11월 23일 아우어른함머(Auernhammer) 가문의 집에서 처음 연주되었다. 교육용이 아니라 두 명의 비르투오소 연주자를 위해 쓰인 이 작품은 ‘듀오’를 오케스트라 없는 협주곡에 가까운 무엇으로 바꿔 놓는다. 화려하고, 경쟁적이며—가장 빛날 때는—섬뜩할 만큼 대화적이다.
배경과 맥락
1781년 모차르트는 잘츠부르크의 유능한 ‘고용인’에 머무르지 않겠다는 결심을 안고 빈에 도착했다. 그가 바란 것은 빈에서 없어서는 안 될 음악가—작곡가이자 피아니스트, 그리고 교사—가 되는 일이었다. 빈의 음악 시장은 K. 448에 드러나는 바로 그 능력에 보상을 주었다. 단지 ‘작곡’이 아니라, 특정한 자리와 방, 악기, 그리고 사람들의 성격까지 염두에 둔 즉시 무대에 올릴 수 있는 작곡 말이다. 이런 의미에서 이 소나타는 모차르트가 아직 안정적인 인맥망을 구축해 가던 시기에, 감식가와 후원자들 앞에서 존재감을 확보하기 위해 만든 초기 빈 시절의 ‘포트폴리오’ 작품군에 속한다.
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가장 직접적인 인간적 맥락은 모차르트와 그의 제자 요제파 바르바라 아우어른함머(1758–1820)의 관계다. 그녀는 황실 궁정 관리 요한 미하엘 폰 아우어른함머의 딸이었다. 모차르트의 편지는 불편한 읽을거리일 때가 많다. 그는 그녀의 외모를 노골적으로 조롱했다가도, 연주에 대해서는 분명한 존중을 드러내는 식으로 오락가락한다. 1781년 6월, 그는 거의 매일 그 가족과 함께 식사한다고 전하면서도 악명 높은 곁가지로 “그 아가씨는 괴물”이라고 적는다. 그러면서도 그녀가 “사랑스럽게 연주한다”고 인정하되, 진정한 cantabile 스타일(노래하듯이 울리는 음색)이 부족하고 건반을 너무 “뜯어내듯” 친다고 덧붙인다 [4] [5]. 모욕은 잔인하지만, 터치에 관한 관찰은 교사의 귀가 들려주는 만큼 구체적이다.
이 결합—사회적 친밀함, 교육적 권위, 그리고 대중을 향한 음악 만들기—은 K. 448이 사적인 가정용 디베르티멘토라기보다 하나의 ‘사건’처럼 들리는 이유를 설명해 준다. 편성은 실내악이지만 수사는 공공적이다. 또렷한 유니즌, 두 피아노 사이의 오케스트라적 간격, 그리고 두 연주자가 ‘듣히는’ 것만큼이나 ‘보이는’ 존재여야 한다는 감각이 작품 전체에 배어 있다.
작곡과 헌정
Köchel Catalogue Online은 이 작품을 1781년 11월 빈으로 비정하며, 초연을 1781년 11월 23일 “Vienna, Familie Auernhammer”로 기록한다 [1]. 이처럼 구체적인 정보는 중요하다. 이 소나타를 막연한 ‘두 대의 피아노 작품’이 아니라, 인맥이 탄탄한 한 가정의 가정 음악회라는 분명한 사회적 주소를 가진 곡으로 자리매김해 주기 때문이다.
같은 시기 빈에서 쓴 모차르트의 편지들은 그가 이런 자리를 얼마나 적극적으로 기획했는지를 보여 준다. 1781년 9월 26일 아버지 레오폴트에게 보낸 편지에서 그는 프뢰일라인 폰 아우어른함머를 레퍼토리 조달이라는 실무적 맥락에서 언급한다. “프뢰일라인 폰 아우어해머와 저는 2대의 더블 협주곡을 애타게 기다리고 있습니다” [2]. 이 말은 두 가지 점에서 의미심장하다. 첫째, 모차르트와 아우어른함머가 단지 교사와 학생이 아니라—협주곡, 더 나아가 K. 448 같은 작품을 필요로 하는—듀오 파트너십을 이루고 있었음을 시사한다. 둘째, 모차르트가 이미 ‘쌍(雙) 건반’이라는 형식을 공공적 상품으로 사고하고 있었음을 암시한다.
출판사는 창작과 훗날의 정전(正典)화 사이의 간극을 더욱 분명히 드러낸다. 같은 목록 항목은 초판을 1795년(빈, 아르타리아)으로 적고 있다 [1]. 즉 모차르트의 주변에서 K. 448은 널리 유통되는 ‘텍스트’가 되기 한참 전부터, 먼저 연주되는 대상—어느 저녁의 화제—로 존재했다.
형식과 음악적 성격
K. 448은 흔히 “화려하다”, “완벽하게 균형 잡혔다”는 찬사를 받는데, 이는 사실이지만 충분한 설명은 아니다. 더 깊은 매력은 모차르트가 두 대의 건반이라는 물리적 사실을 어떻게 활용하는가에 있다. 음색이 섞이지 않은 채 즉각적으로 모방할 수 있다는 가능성, 그리고 명료함을 잃지 않으면서도 오케스트라처럼 넓게 펼칠 수 있다는 가능성 말이다.
I. Allegro con spirito (D장조)
첫 악장은 정교하게 조율된 일치의 연구다. 두 피아노는 자주 동일한 리듬 윤곽을 발음한다. 때로는 정확한 유니즌으로, 때로는 눈부신 교창(antiphony)으로—결국 두 배의 아티큘레이션을 가진 하나의 초(超)악기처럼 들리기도 한다. 그러나 모차르트는 그 환상을 거듭 흔든다. 한 피아노는 ‘관악기’가 되고 다른 하나는 ‘현악기’가 되며, 혹은 한쪽이 수사학적 독주자로 나서는 동안 다른 한쪽이 축약된 오케스트라의 틀을 제공한다.
이 곡이 단순한 과시를 넘어서는 지점은 모차르트가 동등함 자체를 극적 전제로 만든 방식에 있다. 당시의 많은 건반 듀오는 위계를 전제했다(스승 대 제자, primo 대 secondo). 하지만 K. 448은 두 번째 피아노가 첫 번째 못지않게 또렷하고, 빠르며, 영리해야 하는 구간들을 거듭 설정한다. 반주형 음형조차 단순히 받쳐주는 데 그치지 않고, 음악적으로 설득력 있게 설계되어 있다. 연주에서 들리는 것은 협동뿐 아니라 일종의 경쟁적 우아함이다. 두 연주자가 서로의 문장을 완성해 주면서도, 한 끗 더 빛나게 말하려는 듯한.
II. Andante (G장조)
느린 악장은 종종 “단순하다”고 말해지지만, 그 단순함은 공들여 만든 표면이다. 결정적인 색채 선택은 모차르트의 절제에 있다. 그는 질감을 빽빽하게 채우기보다, 두 악기가 ‘숨 쉴’ 공간을 분명히 발음하도록 둔다. 피아니스트들이 긴 선율을 유지하고 타격적 강세를 억제할 때, 그 효과는 거의 성악적으로 들릴 수 있다.
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특히 이 악장의 친밀함은 한 피아노를 통주저음처럼 낮추는 방식으로 만들어지지 않는다. 대신 모차르트는 서정의 부담을 분배한다. 선율은 이동하고, 내성은 단지 화성적 기능을 수행하는 것이 아니라 표현을 맡으며, 두 피아노는 마치 두 성악가가 이중창을 빚어내듯 서로의 프레이징에 음영을 더한다. 바로 이 지점에서 아우어른함머에게 cantabile가 부족하다는 모차르트의 평이 음악적으로 의미심장해진다. Andante가 시험이라면, 그것은 노래하는 음색, 레가토에 대한 상상력, 그리고 ‘두 번째’ 피아노가 ‘첫 번째’만큼 의미 있게 프레이징할 수 있는 능력에 대한 시험이다.
III. Molto allegro (D장조)
피날레는 “두 대의 피아노가 한 대로는 할 수 없는 무엇을 할 수 있는가?”라는 질문에 대한 모차르트의 가장 외향적인 대답이다. 또렷하고 운동신경 좋은 아티큘레이션, 그리고 완벽히 동기화된 눈부심의 전율을 먹고 산다. 하지만 이 악장의 재치는 속도에만 있지 않고 대화에 있다. 구절들은 오페라적 재치 있는 응수처럼 순식간에 악기 사이를 오가고, 질감은 풍성한 ‘tutti’ 울림에서 공기처럼 가벼운 2성부 쓰기로 눈 깜짝할 사이에 전환된다.
여기서 모차르트는 청중 심리에 대한 작곡가적 본능도 보여 준다. 살롱 연주에서 비르투오시티는 방 안 어디서든 ‘읽혀야’ 한다. 피날레의 리듬적 일치와 갑작스러운 교환은 그 가독성을 거의 시각적인 것으로 만든다. 사람들은 듣는 만큼이나, 그 맞물림을 ‘보게’ 된다.
수용과 유산
K. 448의 유산은 두 개의 평행한 궤도로 전개되어 왔다. 하나는 음악적(두 대의 피아노 레퍼토리의 초석으로서)이고, 다른 하나는 음악 밖의(현대의 ‘모차르트 효과’ 담론에서 하나의 아이콘으로서) 궤도다.
음악적 측면에서 이 작품이 오래 살아남는 이유는 부분적으로 실용적이다. 프로그램을 떠받칠 만큼 길고, 무대 위에 두 악기를 올려둘 만큼 화려하며, 연주자 개성이 드러날 만큼 투명하다. 또한 두 대의 피아노를 위한 진술로서 유난히 “완결된” 작품이기도 하다. Köchel Catalogue는 Fugue in C minor K. 426과 더불어, 이것이 오케스트라 반주 없이 두 대의 피아노를 위해 완성된 모차르트의 거의 유일한 작품 가운데 하나라고 지적한다 [1]. 따라서 이 소나타는 현대의 프로그램 구성에서, 협주곡이라는 외부 장치를 빌리지 않고도 두 대의 피아노가 대규모 고전적 논리를 끝까지 지탱할 수 있음을 보여 주는 일종의 증거처럼 기능한다.
음악 밖의 측면에서 K. 448은 과학사에서 가장 유명한 “모차르트 10분”이 되었다. 1993년 Frances H. Rauscher, Gordon L. Shaw, Catherine N. Ky의 Nature 논문은 이 소나타를 청취 자극으로 사용해, 모차르트에 노출된 뒤 공간 추론 과제에서 단기적 향상이 나타났다고 보고했다 [3]. 이후의 재현 논쟁과 대중적 과장에 대해 무엇을 생각하든, 역사적 사실 자체는 인상적이다. 1781년 특정 가정의 살롱 음악회를 위해 쓰인 빈의 घरेल showpiece가, 2세기 뒤 인지심리학과 신경과학에서 표준화된 실험 대상으로 변모한 것이다.
이 아이러니는 오히려 음악적 청취를 더 날카롭게 만들 수도 있다. 연구자들이 K. 448로 반복해서 돌아오는 이유는, 이 곡이 고전주의적 복잡성의 특정한 유형을 잘 구현하기 때문일지도 모른다. 높은 주기적 규칙성(명확한 악구, 균형 잡힌 문장)과 끊임없는 국지적 놀라움(빠른 주고받기, 빽빽한 패시지워크, 생기 있는 전조의 회전)이 결합된 형태 말이다. 순수하게 음악적으로 보자면, 이것이야말로 모차르트의 특기—구속이 아니라 쾌감처럼 느껴지는 질서—이며, K. 448은 그 가장 명징한 시연 가운데 하나다.
요컨대 이 소나타의 위대함은 단지 “화려하다”는 데 있지 않다. 그것은 사회적으로도 물리적으로도 영리한 음악이다. 특정한 관계를 위해 작곡되었고, 빈 특유의 청취 방식에 맞춰 정교하게 조율되었으며, 하나의 음악적 정신을 공유하는 두 명의 독립된 연주자라는 환원 불가능한 사실 위에 세워져 있다.
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[1] Köchel Catalogue Online (Internationale Stiftung Mozarteum): dating, first performance (23 Nov 1781, Auernhammer family), publications (first print 1795), and work overview for K. 448.
[2] Digital Mozart Edition (DME): Mozart letter to Leopold Mozart, Vienna, 26 September 1781 (mentions Fräulein von Auernhammer and waiting for “2 double concertos”).
[3] Rauscher, Shaw & Ky (1993), Nature: ‘Music and spatial task performance’—the original ‘Mozart effect’ paper using K. 448 as stimulus.
[4] Wikipedia: Josepha Barbara Auernhammer—biographical overview including Mozart’s June 1781 remarks on her playing and ‘cantabile’ style.
[5] Otto Jahn, *Life of Mozart* (Project Gutenberg): English text including Mozart’s June 1781 description of dining at the Auernhammers’ and his ambivalent remarks about Josepha’s playing.