바이올린, 비올라와 관현악을 위한 신포니아 콘체르탄테 E♭장조, K. 364 (1779)
by Wolfgang Amadeus Mozart
모차르트의 바이올린, 비올라와 관현악을 위한 E♭장조 Sinfonia Concertante(K. 364)는 1779년 잘츠부르크에서 작곡되었다. 당시 23세의 작곡가는 형성기의 만하임–파리 여행을 거치며 자신의 양식을 다시 가다듬는 중이었다. 이 작품은 교향곡적 무게와 실내악 같은 친밀감을 절묘하게 균형 잡는 동시에, 비올라에 대한 강렬한 선언이기도 하다. 특이한 scordatura 조율을 통해 비올라를 말 그대로, 그리고 비유적으로도 ‘끌어올려’ 전면에 세운다.
배경과 맥락
모차르트는 1777–78년의 혹독했던 만하임–파리 순회 이후 1779년 1월 잘츠부르크로 돌아왔다. 그는 만하임식 오케스트라 훈련, 크레센도, ‘현대적’ 수사 같은 양식적 자극을 안고 귀향했지만, 동시에 잘츠부르크가 제공할 수 없는 것이 무엇인지도 선명히 깨달았다. 그것은 대중적이고 국제적인 음악 시장이었다. 대주교 히에로니무스 콜로레도의 궁정은 전례적이고 기능적인 음악을 요구했다. 궁정 오르가니스트 임명은 안정감을 주었으나, 동시에 전망을 제한하는 울타리이기도 했다.
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
교향곡과 협주곡의 혼종인 sinfonia concertante는 특히 파리에서 크게 발전한 장르로, 모차르트가 당대의 유행이자 사교적이며 공적 무대를 향한 음악으로 접했던 형식이다. 단 한 명의 독주자를 정점으로 세우는 엄격한 위계 없이도 기교를 과시할 수 있었고, 여러 주인공이 무대를 공유하는 ‘대화’의 이상을 북돋웠다. 잘츠부르크에서 이런 장르는 상류 궁정의 오락으로 전용될 수 있었지만, 모차르트의 손에서는 더 탐색적이고, 두 목소리를 거의 오페라적으로 성격화하는 무엇이 된다.
최근 연구는 ‘파리 장르가 잘츠부르크로 수입되었다’는 지나치게 정돈된 서사를 넘어, 유럽 전역의 영향과 지역적 현실이 얽힌 그물망을 보여준다. 모차르트는 프랑스와 독일의 여러 모델을 알고 있었고, 잘츠부르크 궁정 악단 역시 단순한 배경 오락을 넘어서는 야심을 실현할 연주자들을 갖추고 있었다.[1]
작곡과 초연
이 작품은 일반적으로 잘츠부르크에서 1779년 여름 또는 초가을에 쓰인 것으로 본다.[2] 모차르트의 다른 많은 작품과 달리, 명확한 위촉자, 행사, 혹은 문서로 확인되는 초연 기록이 서신과 궁정 기록 어디에도 남아 있지 않다. 따라서 현대의 목록 정리나 프로그램 노트 전통은 단 하나의 ‘초연 이야기’가 아니라 정황 증거를 바탕으로 맥락을 재구성해 왔다.[3]
이 공백은 연주 신화도 낳았다. 특히 초기 연주에서 모차르트가 “아마 비올라를 연주했을 것”이라는 반복되는 주장이다. 비올라 파트가 유난히 두드러지고 연주 보람도 큰 만큼 매력적인 상상이지만, 문서적 근거는 빈약하다. 모차르트가 앙상블에서 비올라 연주를 사랑했고, 여기에서 비올라를 매우 관용적이면서도 독주적으로 썼다는 점은 말할 수 있다. 그러나 K. 364에서 그가 독주자로 등장했음을 확인해 주는 날짜가 찍힌 편지는 제시할 수 없다.[3] 훨씬 확실히 입증되는 것은 작곡 의도다. 즉 바이올린과 비올라를 수사적으로 동등한 위치에 놓고, 비올라의 소리가 확실히 전달되도록 만드는 것이다.
편성
모차르트는 트럼펫과 팀파니를 배제한, 고전주의적 절제의 편성으로 이 곡을 썼다. 그럼에도 오케스트라 비올라의 분할과 목관의 정교한 블렌딩을 통해 유난히 풍성한 중음역을 만들어 낸다.
- 독주: 바이올린; 비올라(scordatura)
- 목관: 오보에 2
- 금관: 호른 2
- 현: 바이올린 I & II, 비올라(종종 분할), 첼로, 더블베이스
이 간결한 편성은 현대의 주요 참고 자료에서도 일관되게 전승된다.[4][5]
비올라의 scordatura (그리고 왜 중요한가)
가장 많이 논의되는 기술적 특징은 모차르트가 독주 비올라를 반음 높게 조율하라고 지시한 (scordatura) 점이다. 이는 두 가지를 동시에 이룬다. 하나는 악기의 음색을 밝게 만드는 것(현 장력 증가로 인한 더 큰 광채)이고, 다른 하나는 실제로는 E♭장조로 울리면서도 독주 비올라 파트를 D장조인 것처럼 기보할 수 있게 하는 것이다. 즉, 들리는 조성과 기보가 어긋나는 이 ‘이조 악기’처럼 취급하는 셈이다.[4][6]
연주 관행은 여전히 갈린다. 많은 현대 비올리스트는 색채적·역사적 논리에 따라 scordatura를 존중한다. 반면 다른 이들은, 특히 현대 악기와 큰 홀에서 음정 안정과 블렌딩을 위해 표준 조율을 선호한다. 어느 쪽을 택하든 드라마투르기가 달라진다. scordatura를 쓰면, 비올라는 음색적 ‘날’을 악보 자체에 내장한 진정한 공동 주인공이 된다. 이를 쓰지 않으면, 적극적으로 균형을 관리하지 않는 한 바이올린의 자연스러운 광채가 우위를 점하기 쉽다.
형식과 음악적 성격
K. 364는 3악장으로 이루어져 있지만, 표현의 궤적은 거의 4막처럼 느껴진다. 첫 악장의 공적 화려함, 비범한 중량감을 지닌 내향적 Andante, 그리고 그 이전의 기억과 기지를 화해시켜야 하는 피날레가 그것이다.
- I. *Allegro maestoso* (E♭장조)
- II. *Andante* (c단조)
- III. *Presto* (E♭장조)[6]
I. Allegro maestoso — 교향곡적 수사, 실내악적 친밀감
서두의 관현악 tutti는 즉각 ‘교향곡적’ 야심을 선언한다. 넓은 제스처, 의례적인 maestoso 성격, 그리고 치밀하게 통제된 오케스트라의 응답이 그렇다. 그러나 독주자들이 들어오면 모차르트는 단순한 ‘이중 협주곡’의 병렬적 기교 과시에 기대지 않는다. 대신 관계를 무대 위에 올린다.
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
이 악장을 듣는 유용한 방식 하나는, 협주곡 작법의 두 이상 사이에서 벌어지는 협상으로 보는 것이다.
1. 리토르넬로적 사고(구조를 떠받치는 반복적 오케스트라 기둥), 그리고 2. 소나타-알레그로 형식(제시–발전–재현) 특유의 전진하는 화성 드라마.
모차르트의 천재성은 바이올린과 비올라가 이 둘 모두에 참여하도록 만든 데 있다. 때로는 오케스트라에 맞선 ‘독주자’로, 때로는 교향적 논증의 ‘내부’에서—악구를 완성하고, 서로의 생각을 이어 마치며, 오케스트라 텍스처 안에서 한 쌍으로 움직인다. 프로그램 노트들은 종종 점음표 리듬과 오케스트라 크레센도의 수사에서 만하임의 지문을 지적해 왔다. 그러나 이런 제스처는 단순한 양식적 기념품이 아니라, 잘츠부르크라는 환경에서 공적 발화를 만들어 내는 모차르트의 방식 일부다.[7]
비올라의 작법은—특히 scordatura의 도움을 받을 때—단지 더 크게 들리기만 하는 것이 아니다. 그것은 평소보다 더 높고, 더 바이올린에 인접한 위치로 올라선다. 모차르트는 비올라를 자주 노래하는 음역에 두어, 악기가 ‘앞으로 걸어 나오는 내성’처럼 들리게 만든다. 그 효과는 거의 성악적이며, 그래서 이 작품이 실제 오페라 선율을 차용하지 않으면서도 오페라적이라고 불리는 이유 중 하나다.
II. Andante — 작품의 심장
c단조의 Andante는 콘체르탄테 장르에 때로 따라붙는 ‘가벼운 오락’이라는 고정관념을 가장 강하게 거스르는 악장이다. 이는 잘츠부르크 시기의 모차르트가 남긴 가장 지속적인 느린 악장 비극 가운데 하나이며, 그 힘은 절제에서 나온다. 일정한 보폭, 길게 호흡하는 악구, 그리고 끊임없이 드리운 화성적 그늘.
중요한 점은 모차르트가 두 독주자를 서로 바꿔 끼울 수 있는 비탄의 화자로 취급하지 않는다는 것이다. 바이올린이 종종 더 즉각적으로 빛나는 선율을 지니는 반면, 비올라는 더 어둡고 알갱이진 따뜻함으로 응답한다. 특히 모차르트가 비올라에 표현적인 아포자투라(기댄 불협이 계단적으로 해소되는 것)를 기대게 할 때, 그 소리는 한숨처럼 들리며 결정적이다. 한편 오케스트라는 단지 반주하지 않는다. 그것은 절제되고 거의 합창 같은 무게로 독주자들을 둘러싸며, 이 악장을 ‘오블리가토가 딸린 아리아’라기보다 공동의 애도 속에 박힌 대화처럼 느끼게 한다.
해석적으로 지휘자와 독주자들은 여기에서 실제 논쟁을 마주한다. 거의 정지에 가까운 템포로(느림과 지속을 통해 비탄을 극대화할 것인가), 아니면 선율이 끊김 없는 위로의 서사로 말하도록 해 주는 내적 박을 유지할 것인가? 시대악기적 연주는 흔히 수사적 아티큘레이션과 투명성을 강조한다. 현대 악기 연주는 때로 이 악장의 ‘낭만주의적으로 보이는’ 장대한 호흡을 전면화한다. 어느 쪽도 가능하지만, 각각은 서로 다른 정서 세계를 전제한다.
III. Presto — 기억을 품은 찬란함
피날레 Presto는 론도에 가까운 에너지의 폭발이지만, 단순한 배출구는 아니다. 후렴은 밝고 거의 운동선수처럼 경쾌하며, 독주자들은 사교적 오락으로의 복귀처럼 들릴 정도로 능숙하게 소재를 주고받는다. 그러나 이 악장은 반복해서 화성을 어둡게 하고 텍스처를 두텁게 만드는 에피소드로 샛길을 낸다. Andante가 판을 바꾸어 놓았음을 잠깐씩 상기시키는 대목들이다.
이 악장이 그토록 만족스러운 이유는 모차르트가 역할 교대를 지배하기 때문이다. 때로는 바이올린이 이끌고 비올라가 장식하지만, 또 다른 때에는 비올라가 선율의 부담을 지고 바이올린이 그 주변을 번쩍이며 돈다. 이 유동적 위계가 진정한 ‘콘체르탄테’ 발상이다. 같은 일을 하는 두 독주자가 아니라, 관계가 형식이 되어 버리는 두 성격이다.
수용과 유산
K. 364의 명성은 선율 발명만이 아니라, 비올라를 다시 상상한 방식에 있다. 현악 합주의 화성 채움으로 취급되기 일쑤였던 시대에, 모차르트는 비올라를 말하는 인물로 만든다. 더 나아가, 들리게 하기 위해 악기의 조율 자체를 바꾼다.[4][5]
이 작품의 장기적 영향은 직접적인 모방작을 양산했다기보다 하나의 길을 열었다는 데 있다. 이후 작곡가들은 교향곡적 사고 속에서 ‘콘체르탄테’ 관계를 상상할 수 있게 되었고, 비올리스트들은 K. 364를—작은 바이올린인 척하지 않고도—기교와 정서적 중량을 감당할 수 있다는 정전적 증거로 제시할 수 있었다.
연주사에서 K. 364는 오늘날까지도 살아 있는 질문들의 기준점이 되기도 했다.
- 균형과 투사: 모차르트의 고전적 비례를 왜곡하지 않으면서 비올라를 완전히 동등하게 유지하는 법.
As an Amazon Associate we earn from qualifying purchases.
- 조율 선택: scordatura를 사용할지, 그리고 그것이 음색과 음정에 미치는 영향.
- 규모: 실내 오케스트라의 명료함 대 현대 교향악단 현악군의 더 넓은 울림.
이들은 부차적인 기술 문제가 아니다. 작품의 의미 자체에 속한다. 모차르트는 중심 주제가 목소리의 평등인 작품을 썼고, 모든 연주는 그 평등을 소리로 어떻게 실현할지 결정해야 한다.
Sheet Music
Download and print sheet music for 바이올린, 비올라와 관현악을 위한 신포니아 콘체르탄테 E♭장조, K. 364 (1779) from Virtual Sheet Music®.
[1] Cambridge Core (Journal of the Royal Musical Association): scholarship on the symphonie concertante genre and Mozart’s K. 364 in European context
[2] German Wikipedia: dating commonly given as summer/early autumn 1779 in Salzburg
[3] Remenyi House of Music: notes the lack of documentary evidence for origin/occasion or a performance; suggests Salzburg summer/early autumn 1779
[4] Boston Symphony Orchestra program note (Jan Swafford): scoring and the viola scordatura convention
[5] IMSLP work page: instrumentation and scordatura description for the solo viola part
[6] Wikipedia: movements, scoring summary, and explanation of the viola part written in D major with scordatura
[7] Boston Baroque program note: Mannheim influence and stylistic features (dotted rhythms, crescendos)