Concerto en fa pour trois (ou deux) pianos, n° 7
de Wolfgang Amadeus Mozart
Contexte et genèse de l’œuvre
Wolfgang Amadeus Mozart composa ce concerto unique pour trois pianos en 1776 alors qu’il vivait dans sa ville natale de Salzbourg[1]. À l’époque, Mozart, âgé de 20 ans, était employé à Salzbourg par le prince-archevêque Hieronymus Colloredo, écrivant de la musique pour la cour et l’église. Le monde plus large était en plein Siècle des Lumières – 1776 vit même la Déclaration d’indépendance américaine – mais le quotidien de Mozart tournait autour du mécénat de l’aristocratie locale et du monde des salons européens. Dans la société de cour salzbourgeoise, les réunions musicales étaient fréquentes, et Mozart fournissait souvent des œuvres nouvelles pour de telles occasions.
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La comtesse Maria Antonia Lodron, grande figure de la noblesse salzbourgeoise (et, fait notable, la sœur même de l’archevêque Colloredo[2]), commanda ce concerto afin qu’elle et ses deux filles puissent jouer ensemble. La famille Lodron fut un important mécène des arts à Salzbourg, et la comtesse tenait l’un des salons musicaux les plus en vue de la ville[3]. En réalité, les Lodron étaient proches de la famille Mozart – ils devinrent même voisins en 1773 – et la comtesse était une amie et une alliée de Mozart (le soutenant lors de ses différends ultérieurs avec l’archevêque)[4]. Ses deux filles, Aloisia et Josepha, étaient élèves de musique des Mozart (Leopold, le père de Mozart, leur donnait des leçons)[2]. Ce nouveau concerto fut écrit expressément pour la comtesse Lodron et ses filles afin d’être joué à la maison, reflet du mélange, à l’époque, entre pratique musicale privée et mécénat aristocratique[5]. Mozart acheva la pièce en février 1776, au cours d’un élan de productivité qui le vit également composer cette année-là d’autres concertos pour piano et la Sérénade Haffner pour la noblesse salzbourgeoise[3].
La raison de la composition était donc très pratique et personnelle : offrir une œuvre agréable et élégante qu’une mère et ses filles pourraient jouer ensemble pour leur amusement et l’agrément des rencontres mondaines. Mozart adapta le concerto pour flatter sa protectrice et s’accorder aux capacités des interprètes[3]. Il fut probablement joué d’abord dans le cercle de la famille Lodron. Contrairement aux concertos plus publics que Mozart écrira plus tard à Vienne, cette pièce était destinée à un cadre de salon privé au sein de l’élite salzbourgeoise. À Salzbourg, l’atmosphère musicale était généralement marquée par le style galant et un goût raffiné – une musique destinée à charmer l’auditeur plutôt qu’à repousser les limites dramatiques. De fait, ce concerto possède un caractère gracieux et « galant », adapté à une réunion aristocratique. (Mozart composa même deux sérénades enlevées, dites « Musique nocturne des Lodron », pour les célébrations de la comtesse en 1776[2], soulignant ses liens étroits avec sa famille.)
Instrumentation et caractéristiques notables
Mozart a orchestré le concerto pour trois pianos solistes (fortepianos de l’époque) et un orchestre d’accompagnement modeste de 2 hautbois, 2 cors et cordes[6]. Cette instrumentation est inhabituelle – très peu de concertos font des claviers multiples des solistes. Ce choix reflète l’origine de l’œuvre comme musique pour un trio de pianistes. Comme il était plus aisé de rassembler trois pianos (ou clavecins) dans un palais bien équipé, Mozart put se permettre cette configuration peu commune. Il a intelligemment évité une texture lourde malgré la présence de trois claviers : l’écriture du concerto met en avant un jeu léger et clair entre les pianos, les solistes engageant de vifs dialogues (et « trialogues ») plutôt que de marteler tous en même temps[7]. En répartissant les lignes musicales entre les trois instruments, Mozart crée un son aérien et transparent et évite que la musique ne paraisse jamais trop chargée[7]. L’orchestre assure le soutien et présente des thèmes, mais il est sciemment allégé et cède souvent la place à la conversation des claviers.
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Un aspect particulièrement ingénieux tient à la façon dont Mozart a adapté chacune des trois parties de piano au niveau de l’interprète visée. Les première et deuxième parties de piano (prévues pour la comtesse Lodron et sa fille aînée, Aloisia) contiennent les passages les plus difficiles et élaborés, ce qui indique qu’elles étaient toutes deux des amatrices douées. À l’inverse, la troisième partie de piano (pour la cadette, Josepha, qui n’avait que 11 ans) est plus simple et d’une portée plus limitée[8][9]. Cette approche modulable garantissait que chaque musicienne puisse briller selon ses moyens – les traits difficiles et les exigences techniques se trouvent pour l’essentiel dans les deux premiers pianos, tandis que le troisième piano tient un rôle plus d’appui, plus abordable. Pour autant, Mozart a veillé à ce que la matière reste intéressante pour la benjamine, de sorte que la troisième partie soit musicalement captivante même si elle est moins virtuose[9]. Ce type d’adaptation montre le génie pratique de Mozart lorsqu’il écrit pour des personnes précises.
Notamment, Mozart réalisa plus tard une version alternative du concerto pour deux pianos. En 1780, il réarrangea l’œuvre pour n’être jouée que par deux pianos solistes (en combinant et redistribuant les trois parties de clavier d’origine)[1]. Ce remaniement fut destiné à une exécution publique à Salzbourg où Mozart joua lui-même une partie de piano et sa sœur Maria Anna (« Nannerl ») joua l’autre. Le journal de Nannerl rapporte qu’elle et Wolfgang interprétèrent la version pour deux pianos au palais Mirabell le 3 septembre 1780[10]. L’arrangement à deux pianos est plus exigeant pour chaque pianiste (puisque le matériau est partagé entre deux au lieu de trois) et il permit à Mozart de se mettre en valeur avec sa sœur en duo. Aujourd’hui, cette version à deux pianos est souvent utilisée en concert, car elle est plus facile à monter avec seulement deux solistes (et elle demeure une variante « authentique » avalisée par Mozart)[10]. Toutefois, lorsque les circonstances le permettent, l’œuvre est aussi donnée dans sa forme originale à trois pianos, offrant le spectacle rare et réjouissant de trois pianos à queue sur scène.
Forme et caractère musical
Le concerto suit la structure typique en trois mouvements du concerto classique:
Allegro (fa majeur) – un premier mouvement lumineux et enlevé
Adagio (si♭ majeur) – un deuxième mouvement lent et expressif
Rondo: Tempo di Minuetto (fa majeur) – un finale élégant, de caractère dansant
Mouvement I : Allegro. L'ouverture Allegro est écrite en forme sonate et exhale un esprit courtois et enjoué. Il commence par une introduction orchestrale qui expose intégralement les principaux thèmes : d'abord un thème hardi, au caractère de marche, joué par l'orchestre, suivi d'une phrase de réponse plus lyrique aux violons[11]. Après cet énoncé initial, les trois pianos entrent et reprennent les mêmes thèmes, les élaborant et ornant dans un dialogue enjoué. Mozart recourt à un procédé de double exposition (typique des concertos de l'époque) : l'orchestre expose le matériau thématique, puis les solistes le répètent et le développent avec de délicats ornements[11]. L'écriture pianistique est pleine de traits de gammes et d'arpèges, présentés dans des passages élégamment coulés qui se passent entre les trois claviers. Malgré la pluralité des solistes, la texture demeure légère et limpide, les pianos se faisant souvent écho ou se répondant plutôt que de jouer tous ensemble[7]. À mi-parcours survient une brève section de développement où Mozart s'aventure dans des tonalités mineures et où le ton devient plus dramatique pendant quelques instants[12]. Ce développement est relativement bref et retenu (ce qui sied à la nature gracieuse de la pièce), après quoi la musique revient à la tonique. À la réexposition, les thèmes réapparaissent, pianos et orchestre étant désormais plus étroitement imbriqués qu'auparavant[12]. Mozart intègre les pianos solistes à la texture durant la réexposition afin qu'ils conversent avec l'orchestre plutôt que de simplement alterner les sections. Vers la fin, au lieu d'une cadence entièrement improvisée, Mozart propose une ravissante cadence écrite pour les trois solistes réunis[13]. Dans ce passage quasi-improvisatoire, les trois pianos bavardent tour à tour, avec des gammes et des trilles étincelants, avant une conclusion orchestrale vive. L'humeur générale du mouvement est lumineuse et bon enfant, jamais trop appuyée – une musique destinée à divertir un public de salon par son charme et la nouveauté de trois pianos en harmonie.
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Mouvement II : Adagio. Le second mouvement, en si bémol majeur, est souvent considéré comme le cœur émotionnel du concerto. C'est un Adagio lent qui met en valeur le don de Mozart pour la mélodie lyrique et chantante. Le mouvement s'ouvre sur l'orchestre introduisant doucement un long thème serein d'une grande beauté[14]. Ce thème a une douceur, une qualité presque d'aria-, avec des lignes vocales soutenues qui se déploient avec grâce. Lorsque les pianos entrent, ils reprennent cette mélodie et se livrent à un jeu intime, imitant la nuance expressive d'un ensemble vocal. L'écriture de Mozart ici est d'une remarquable sensibilité et richesse, surtout compte tenu des moyens limités à disposition. Il fait un usage efficace du modeste effectif orchestral – par exemple, il ajoute à propos des touches de contrepoint aux cors et un délicat filigrane des hautbois pour approfondir la texture[14]. Les cordes jouent avec des sourdines (con sordini) tout au long de ce mouvement[15], ce qui crée une sonorité feutrée et voilée et confère à l'Adagio une atmosphère « spirituelle » particulière[15]. Ce son de cordes étouffé, combiné au doux dialogue des pianos, donne à la musique un caractère éthéré et intime , comme si nous surprenions une paisible rêverie musicale. Certains chercheurs ont même suggéré que Mozart, dans certaines phrases aiguës et douces des pianos, cherchait à imiter le timbre envoûtant de l'harmonica de verre – instrument exotique en vogue dans les cours de l'époque des Lumières (notamment auprès des dames) pour son son d'un autre monde[16]. Que telle ait été ou non son intention, l'Adagio possède bien une qualité onirique qui préfigure les mouvements lents profonds des concertos pour piano ultérieurs de Mozart[17]. (Les musicologues relèvent qu'un des thèmes de l'Adagio anticipe des idées que Mozart développera plus pleinement dans un concerto bien plus tardif, le n° 25 en ut majeur, K.503[17].) Tout au long du mouvement, les trois pianos chantent ensemble dans une harmonie gracieuse, achevant parfois les phrases musicales les uns des autres. L'ambiance est chaleureuse et introspective, avec des éclairs d'émotion poignante – une profondeur remarquable pour une pièce écrite à l'origine pour un ensemble familial amateur. Cet Adagio est considéré comme l'un des sommets des années salzbourgeoises de Mozart[15], démontrant la maîtrise grandissante du jeune compositeur pour une écriture expressive et cantabile (chantante) au clavier.
Mouvement III : Rondo (Tempo di Minuetto). Le finale est un rondo mené au tempo d'un menuet, cette danse policée du XVIIIe siècle. Ce mouvement revient au fa majeur et rétablit une atmosphère légère et élégante. Le thème de rondo est une mélodie noble et courtoise qui porte bel et bien le balancement gracieux du menuet[18]. Comme il sied à une pièce écrite pour le salon d'une comtesse, la musique évoque d'abord l'atmosphère raffinée d'une danse aristocratique. Ce sont les trois pianos qui ouvrent le rondo – les solistes présentent le thème joyeux avant que l'orchestre ne les rejoigne[19]. Au fil du mouvement, Mozart nous régale d'une série de couplets entre chaque réapparition du thème principal. Chaque couplet a son caractère propre : l'un peut être vif et enjoué, un autre plus dramatique ou orageux, et un autre encore peut-être pastoral et doux[18]. Une section adopte même, l'espace d'un instant, un ton légèrement pompeux ou « prétentieux », comme une parodie spirituelle des styles trop grandiloquents[18] – Mozart insuffle une dose d'humour au milieu des phrases gracieuses. Malgré ces intermèdes contrastés, la musique ne perd jamais longtemps sa tenue policée ; le thème de rondo élégant revient sans cesse, tel un hôte gracieux. Un trait divertissant veut qu'avant chaque retour du thème principal, Mozart confie à un soliste une courte cadence – essentiellement une minuscule floriture d'entrée[18]. Ces mini-cadences permettent à un piano à la fois de briller brièvement par un trait ou un arpège à l'allure improvisée, comme si chacun des trois interprètes avait son moment sous les projecteurs avant qu'ils ne se retrouvent. C'est une touche charmante qui met en valeur l'esprit convivial du concerto, en soulignant la coopération plutôt que la compétition entre les pianistes.
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Mozart réserve une petite surprise pour la toute fin du finale. En clin d’œil enjoué au public, il écrit une « coda‑piège » – une fausse fin – où la musique semble s’achever prématurément, donnant aux auditeurs l’illusion que la pièce est terminée[20]. Après cette plaisanterie légère, le concerto se conclut enfin par la véritable coda, qui fait revenir une dernière fois le thème de rondo et s’achève sur une note distinguée et optimiste[20]. Cet humour musical tout en douceur est typique de Mozart, qui aimait marier l’élégance à l’esprit. Dans l’ensemble, le finale est courtois et enjoué, plein de rythmes dansants et de bonne humeur. Il clôt le concerto dans une humeur d’aisance joyeuse, parfaitement adaptée à une œuvre destinée à enchanter un public de salon plutôt qu’à submerger une salle de concert.
Réception et postérité
Le Concerto no 7 en fa majeur de Mozart est longtemps resté une certaine rareté et demeura peu connu dans les décennies qui suivirent sa composition. Écrit pour un cadre privé, il ne fut ni publié ni souvent joué du vivant de Mozart en dehors du cercle de la famille Lodron. Il fallut d’ailleurs plus d’un siècle pour que l’œuvre atteigne certains publics – par exemple, sa création britannique n’eut lieu qu’en 1907, lorsqu’elle fut enfin donnée aux London Proms (avec Sir Henry Wood parmi les solistes)[21]. Tout au long du XIXe siècle, les concertos de Mozart pour plusieurs pianos furent éclipsés par ses œuvres ultérieures, plus dramatiques, pour piano seul. La pièce fut parfois mentionnée par les spécialistes, mais souvent avec condescendance. Le musicologue influent Alfred Einstein, dans sa biographie classique de 1945 consacrée à Mozart, n’accorda au Concerto no 7 qu’une mention rapide, le qualifiant de « purement galante » bagatelle ne méritant pas un examen détaillé[22]. De fait, nombre de critiques d’autrefois considéraient ce concerto comme l’un des ouvrages les plus légers et les moins importants de Mozart – une agréable pièce de salon, mais sans commune mesure avec les grands concertos pour piano qu’il écrirait plus tard à Vienne. De tels jugements reflètent en partie l’origine de l’œuvre (comme un divertissement de bon aloi pour des amateurs) et son ambition modeste au regard des compositions plus mûres de Mozart.
Malgré ces premières appréciations tièdes, le Concerto « Lodron » a gagné l’estime qu’il mérite pour ce qu’il est : un délicieux exemple du style de la période salzbourgeoise de Mozart, foisonnant de mélodies gracieuses et d’un savoir‑faire ingénieux. Les interprètes et auditeurs d’aujourd’hui le jugent en général avec plus de bienveillance. S’il est vrai que K.242 n’a pas la profondeur dramatique des concertos ultérieurs de Mozart, il offre d’autres plaisirs – le son unique de trois pianos en conversation, l’élégance de sa forme, et un aperçu de la vie de Mozart en tant que compositeur de métier au service de sa communauté. Aux XXe et XXIe siècles, le concerto a été périodiquement défendu en concert et au disque, souvent comme une charmante curiosité au programme. Il est particulièrement prisé dans des contextes où plusieurs pianistes partagent la scène, tels que les festivals ou les concerts de conservatoire. Des duos et trios de piano réputés (y compris des familles de pianistes) ont pris plaisir à l’interpréter. Pour des raisons pratiques, la version pour deux pianos qu’a arrangée Mozart est fréquemment utilisée aujourd’hui[1] – non seulement parce que coordonner deux pianos est plus aisé que trois, mais aussi parce que le réarrangement de 1780 par Mozart répartit efficacement la matière musicale pour deux virtuoses. Cela dit, certains ensembles proposent la version originale au format à trois pianos, permettant au public d’entendre l’œuvre exactement telle que Mozart l’avait conçue pour la famille Lodron. Entendre trois pianos à queue jouer Mozart de concert peut être un spectacle et une sonorité saisissants, qui soulignent la place unique de ce concerto dans le répertoire.
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Du point de vue de la postérité, le Concerto no 7 est une pièce historique fascinante. Elle éclaire les relations de Mozart avec ses mécènes et son art d’adapter la musique à des interprètes précis. Le style galant gracieux du concerto offre aussi un contraste avec l’orientation plus complexe sur le plan émotionnel que prendrait bientôt la musique de Mozart. Peu de temps après avoir écrit cette pièce, Mozart passa à des ouvrages d’une plus grande profondeur – ainsi, en moins d’un an, il composa le révolutionnaire Concerto pour piano no 9 en mi bémol (« Jeunehomme »), qui éclipse de loin le concerto à trois pianos par son ampleur et sa renommée. Ainsi, K.242 apparaît comme une œuvre de transition : charmante, intime et enracinée dans la tradition courtoise du XVIIIe siècle.
Pourtant, les traits mêmes qui ont autrefois conduit les critiques à le sous‑estimer – sa politesse, sa brièveté et l’absence de virtuosité ostentatoire – sont aussi ce qui le rend agréable à ses propres conditions. Les auditeurs d’aujourd’hui sont souvent sensibles à la chaleur et à l’élégance, ainsi qu’au simple plaisir que Mozart semble prendre à écrire pour trois claviers. Le lent mouvement d’Adagio, en particulier, a été salué pour sa beauté lyrique et est parfois donné isolément comme un petit bijou des débuts de Mozart. En somme, si le Concerto no 7 en fa majeur n’est peut‑être pas le concerto de Mozart le plus souvent joué, il n’en demeure pas moins une œuvre intéressante et charmante. Il éclaire les années salzbourgeoises de Mozart et le type de musique qui animait les salons de la noblesse autrichienne. Comme l’a justement écrit un commentateur, on ne pouvait jamais s’attendre à ce qu’il se conforme entièrement aux exigences de la bonne société – même dans cette pièce policée écrite pour une comtesse, il a trouvé des moyens d’y insuffler inventivité et humour, depuis le jeu sophistiqué des pianos jusqu’au final « piège » plein d’esprit[20]. Il en résulte un concerto qui, une fois redécouvert, continue de ravir le public comme les pianistes par son alliage de grâce courtoise et d’étincelle mozartienne.
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Sources
Historical and musical details drawn from program notes and scholarly references on Mozart’s Piano Concerto No. 7 in F, K.242 “Lodron”[2][5][8][22][20], including insights on its composition for the Lodron family, its structure and style, and its later performance history.
[1][6][17][21] Piano Concerto No. 7 (Mozart) - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._7_(Mozart)
[2] Mozart: Divertimenti K247 & 334 - CDA67386 - Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Hyperion Records - MP3 and Lossless downloads
https://www.hyperion-records.co.uk/dc.asp?dc=D_CDA67386
[3][11][12][14][19][20][22] Concerto for Three Pianos, K. 242, Wolfgang Amadeus Mozart
https://www.laphil.com/musicdb/pieces/1358/concerto-for-three-pianos-k-242
[4][5][9][10] Mozart Concerto for Three (or Two) Pianos No. 7 in F K242 (Edition for
[7][8][13][15][16][18] Concerto for three pianos and orchestra in F major, K242 (Mozart) - from CDA68367 - Hyperion Records - MP3 and Lossless downloads