Concierto para piano n.º 22 en mi bemol
av Wolfgang Amadeus Mozart
Antecedentes y contexto de composición
Mozart compuso su Concierto para piano n.º 22 en Mi bemol mayor, K. 482 en Viena durante el invierno de 1785[1][2]. En ese momento, Mozart estaba en la cima de su popularidad en Viena, habiéndose liberado del servicio en la corte de Salzburgo y triunfando como compositor-intérprete independiente[3]. Culturalmente, la Viena de mediados de la década de 1780 era un centro vibrante de música e ideas ilustradas bajo el reinado relativamente liberal del emperador José II. Los conciertos públicos (o “academias”) eran populares, especialmente en épocas como el Adviento y la Cuaresma, cuando las funciones de ópera se limitaban, lo que daba a compositores como Mozart la oportunidad de presentar nuevas obras. La ópera se consideraba el género musical más prestigioso del momento, pero conciertos para piano eran el «pan de cada día» de Mozart – los escribía e interpretaba con regularidad en conciertos por suscripción para el público vienés[4]. En 1785, la vida cotidiana de Mozart estaba llena de conciertos, enseñanza de alumnos y relaciones en círculos aristocráticos de mecenas y hermanos masones de su logia; también era un joven esposo y padre que trataba de mantener un estilo de vida acomodado, lo que a menudo lo ponía bajo presión financiera[5].
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Para diciembre de 1785, Mozart trabajaba simultáneamente en su ópera cómica Las bodas de Fígaro (estrenada en 1786) mientras producía una serie de nuevos conciertos para piano[2]. Pese a sus ambiciones operísticas, Mozart necesitaba asegurar ingresos; no tenía un puesto remunerado y vivía por encima de sus posibilidades, acumulando deudas[5]. Para recaudar fondos con rapidez, organizó una serie de conciertos por suscripción en Viena. De hecho, Mozart programó tres conciertos en el Adviento de 1785 (los días 9, 16 y 23 de diciembre) con alrededor de 120 abonados, un público considerable para la época[7]. El Concierto para piano n.º 22 en Mi bemol se terminó el 16 de diciembre de 1785 y apenas se había secado la tinta del manuscrito cuando el propio Mozart lo estrenó esa misma noche[8][9]. La primera interpretación no tuvo lugar como parte de un concierto formal independiente, sino entre los actos de una obra escénica de su colega Carl Ditters von Dittersdorf[8]. Este insólito marco de estreno – intercalar un concierto durante la representación de una ópera-oratorio de otro compositor – refleja la práctica del siglo XVIII de mezclar géneros en un mismo programa.
El nuevo concierto de Mozart fue recibido con entusiasmo desde el principio. Su padre Leopold Mozart informó con orgullo de que el público pidió un bis del movimiento lento Andante, señalando que tener que repetir un movimiento central era “un hecho algo inusual”[10][11]. (Los bises se solicitaban con más frecuencia para los movimientos finales animados, de modo que la insistencia del público en volver a escuchar el conmovedor Andante mostró hasta qué punto los conmovió[12].) Este concierto en Mi bemol fue parte de una trilogía de grandes conciertos para piano que Mozart escribió en el lapso de unos pocos meses, junto con el Concierto para piano n.º 23 en La mayor (K.488) y el Concierto para piano n.º 24 en Do menor (K.491), que siguieron a comienzos de 1786[13][14]. De manera asombrosa, compuso los tres mientras preparaba Las bodas de Fígaro. La capacidad de Mozart para producir una “asombrosa secuencia” de conciertos y música operística a la vez atestigua que se hallaba en la cima de su capacidad creativa[13][15].
Instrumentación y orquestación
El Concierto para piano n.º 22 está instrumentado para una orquesta clásica relativamente grande, lo que le confiere una paleta sonora rica y variada. Además del fortepiano (el propio Mozart fue el solista en el estreno), la obra está instrumentada para:
Maderas: 1 flauta, 2 clarinetes en Si♭, 2 fagotes
Metales: 2 trompas en Mi♭, 2 trompetas en Mi♭
Percusión: Timbales (en Mi♭ y Si♭)
Cuerdas: Violines, violas, violonchelos y contrabajos (sección de cuerdas estándar)[16].
Cabe señalar que este fue el primer de los conciertos para piano de Mozart en incorporar clarinetes en la orquestación[17]. De hecho, los clarinetes eran todavía una incorporación relativamente nueva a las orquestas en la década de 1780, y Mozart hacía tiempo que quería utilizarlos por su tono cálido y aterciopelado[18]. Aquí sustituye los habituales oboes por clarinetes, lo que confiere un timbre más suave y amaderado al conjunto que el sonido más brillante del oboe. Mozart explota los clarinetes especialmente en los episodios suaves y líricos del concierto – por ejemplo, en el movimiento lento y en las secciones más tiernas del final – donde su “altamente versátil” y sonoridad cálida añade profundidad emocional[19][14]. La inclusión de trompetas y timbales, por otro lado, aporta un color festivo y majestuoso a los movimientos externos, reforzando la asociación de la tonalidad de Mi bemol mayor con la grandeza. (Estos metales y percusión guardan silencio en el íntimo Andante movimiento, asegurando que su carácter más sombrío no se vea alterado[16].) Mozart también fue receptivo a los avances en los instrumentos de teclado de la época – el fortepiano de mediados de la década de 1780 tenía un sustain y un rango dinámico mejorados – lo que le permitió escribir líneas melódicas más expresivas y “cantables” para el piano, especialmente en los pasajes más lentos[20]. En conjunto, la instrumentación del concierto fue innovadora para su época, ampliando los colores orquestales disponibles en un concierto para piano y anticipando las sonoridades más plenas que compositores posteriores (como Beethoven) explorarían.
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El pianista Hannes Minnaar y la Philharmonie Zuidnederland, bajo la dirección de Kevin John Edusei, interpretan el Concierto para piano n.º 22 en Mi bemol K.482 de Mozart:
Forma y carácter musical
Como la mayoría de los conciertos de Mozart, el n.º 22 en Mi bemol tiene tres movimientos, siguiendo la estructura rápido–lento–rápido. Sin embargo, destaca como uno de los más largos conciertos de Mozart (alrededor de 35 minutos)[21] y es excepcionalmente rico en ideas musicales y contrastes. Cada movimiento tiene su propio carácter y forma:
Allegro (mi bemol mayor): El primer movimiento es una amplia sonata-allegro forma que presenta una abundancia de material temático. La orquesta abre con un tutti grandioso, que capta la atención: un enérgico tema a modo de fanfarria en mi bemol mayor, puntuado por trompetas y timbales[22]. Esta apertura contundente recibe de inmediato la respuesta de una idea más suave y lírica introducida por los vientos de madera (con los clarinetes y fagotes que, juguetones, evocan la fanfarria en un modo más amable)[23]. Mozart «nunca fue más generoso con su número de temas» que en este movimiento – la introducción orquestal presenta toda una secuencia de motivos contrastantes, de majestuoso a tierno, casi como si presentara personajes en una ópera[24][25]. Cuando el piano solista entra, lo hace con un tema completamente nuevo propio, en lugar de limitarse a hacer eco de las melodías de la orquesta[26]. Se entabla un animado diálogo entre el pianista y la orquesta, lleno de contrastes dramáticos y rápidos cambios de ánimo que se han comparado con escenas operísticas[27]. Mozart trata al piano y a la orquesta como socios iguales – por momentos en una conversación casi ingeniosa, intercambiando temas y comentarios. La sección de desarrollo se aventura por varias tonalidades lejanas, incluido un sorprendente desvío hacia si bemol menor iniciado por un pasaje de piano agitado y oscuro[28]. En un momento llamativo, el piano introduce durante el desarrollo una melodía nueva, breve pero de belleza inquietante – un oasis sereno que aparece una sola vez y ofrece un momento de respiro antes de que la música regrese hacia la reexposición[29]. A lo largo del movimiento, los vientos (especialmente los clarinetes) aportan color y entablan diálogos con el piano. Es notable que Mozart no dejó cadencias escritas para este concierto, lo que significa que durante la cadencia del solista cerca del final del movimiento los intérpretes deben aportar la suya propia (el propio Mozart habría improvisado una en la interpretación)[30]. Tras la cadencia, el movimiento concluye con una coda vivaz, que reafirma el carácter luminoso y vigoroso. En conjunto, este Allegro equilibra «grandiosamente teatral» pasajes con humor delicado e intercambio elegante, y epitomiza el estilo concertante maduro de Mozart[27].
Andante (do menor): El segundo movimiento se desplaza a la inesperada tonalidad de do menor, lo que aporta un contraste emocional dramático. Está concebido en forma de tema con variaciones, aunque con algunas desviaciones creativas respecto de una forma de variaciones estricta[31]. El tono aquí es sombrío, introspectivo y ricamente expresivo – tanto, que los oyentes contemporáneos lo encontraron profundamente conmovedor. Mozart reservaba el do menor (una «oscura», tonalidad apasionada para él) para algunas de sus músicas más emotivas, y este Andante es un ejemplo paradigmático[32]. Se abre con las cuerdas con sordina en solitario presentando un tema principal grave y suspirante en un compás de 3/8[33]. Entra entonces el piano, elaborando ese tema con ornamentación y ligeras variaciones, y añade su propia voz al canto melancólico[34]. Lo que sigue es una serie de ingeniosas variaciones y episodios: la orquesta y el solista se turnan para desarrollar el tema, a veces intensificando su seriedad melancólica, y otras ofreciendo momentos de consuelo o luminosidad[32]. En una variación, un dúo para flauta y fagot en tonalidad mayor intenta aligerar el ánimo, introduciendo una nueva melodía suave como si ofreciera esperanza[35][36]. El piano responde con otra variación anhelante del tema principal, sugiriendo que la tristeza no puede disiparse fácilmente[37]. Se dan diálogos entre el piano y los vientos – por ejemplo, en un momento las maderas interrumpen con una idea en modo mayor, tierna, que el piano supera suavemente al volver al tema menor plañidero[38]. Esta pugna entre la oscuridad y la luz confiere al movimiento una profundamente conmovedora cualidad. En la coda, las maderas acaban uniéndose al piano de acuerdo, y juntos conducen el movimiento a un cierre tranquilo y conmovedor[39]. Los oyentes de la época quedaron impresionados por la hondura expresiva del Andante – como se señaló antes, fue tan sentido que el público exigió que se repitiera en el estreno[40]. Los comentaristas modernos incluso oyen anticipaciones de Beethoven en la intensidad emocional de este movimiento y en el uso del do menor (una tonalidad que Beethoven emplearía célebremente para el drama)[35]. En la obra de Mozart, este Andante destaca como encarnación de su patetismo lírico, utilizando la orquesta (con los clarinetes aportando un resplandor suave) como una «herramienta expresiva» para sostener los soliloquios íntimos del piano[35].
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Allegro (mi bemol mayor), con un Andantino cantabile episodio: El final es un alegre rondó que devuelve el concierto a un ánimo exuberante, festivo . Su tema principal es una melodía luminosa y danzable en compás de 6/8, a menudo descrita como de cinegético o carácter popular (mi bemol mayor se empleaba habitualmente para música que evocaba trompas y escenas al aire libre; de ahí el estilo de “trompa de caza”)[41]. Este vivaz tema –con sus ritmos animados y su encanto rústico– regresa periódicamente, separado por episodios contrastantes al modo clásico del rondó[42]. Mozart, sin embargo, infunde el rondó de sorpresas y toques sofisticados. Tras exponerse el tema inicial, de brío saltarín, la música se detiene brevemente y pasa a una idea completamente nueva: las cuerdas inician un acompañamiento suave y palpitante, y sobre él el piano presenta una melodía delicada y lírica marcada andantino cantabile (a un tempo más lento y cantable)[43]. Este interludio grácil en medio del rápido rondó se siente como un aria operística que florece con ternura dentro de una danza animada – y, de hecho, los comentaristas oyen ecos de Las bodas de Fígaro en esta dulce sección cantabile[44]. Pronto aparece un tercer tema: una melodía amplia, lírica y fluida que aporta otro carácter más al conjunto[45]. A pesar de estos desvíos, el alegre tema principal siempre regresa para mantener el rondó en curso. En mitad del final, Mozart incluso escribe una breve cadencia: la música cae en una breve pausa dramática que permite al solista un floreo que conduce inesperadamente a un lento, de aire soñador, Andante cantabile pasaje[46]. Aquí las maderas, en especial los clarinetes, brillan con un diálogo “a modo de aria” junto al piano, recordando fugazmente el tierno sentimiento del segundo movimiento[47]. Pero el espíritu juguetón de Mozart hace que el ánimo no permanezca serio por mucho tiempo – otra rápida cadencia del piano lleva la música de vuelta al alegre tema principal[48]. Cuando el rondó se precipita hacia el final, Mozart introduce un último toque ingenioso: justo cuando el oyente espera los compases finales, la música se detiene y el piano recuerda con picardía una vez más la delicada melodía anterior (un amable recordatorio de aquel hermoso momento)[49]. Solo entonces irrumpe la orquesta para concluir la pieza con un final vibrante. Esta ingeniosa broma de falsa conclusión suele provocar sonrisas; es la manera de Mozart de decir que no ha olvidado ninguno de los hilos musicales. La mezcla del movimiento final de “ligero y gozoso” ambiente con una sección central sentida pone de relieve el hábil equilibrio de Mozart entre el atractivo popular y el arte[47].
A lo largo de este concierto, los rasgos estilísticos del último período vienés se muestran en todo su esplendor: un sentido operístico del diálogo entre solista y conjunto, una escritura refinada para vientos, cambios súbitos entre mayor y menor con efecto expresivo, y la fusión sin fisuras de la elegancia melódica con la virtuosidad técnica. Con unos 35 minutos de duración, destacan la envergadura y la grandeza de la obra[21], y, sin embargo, la música nunca pierde la claridad y la gracia propias del estilo clásico. Mozart también adaptó la escritura pianística a su propia manera de tocar, virtuosa pero de buen gusto – los testimonios de la época (como el recuerdo del tenor irlandés Michael Kelly) elogian “los dedos veloces, la gran ejecución y la inspiración” de sus improvisaciones al teclado[50]. En efecto, en este concierto la parte solista exige tanto una agilidad chispeante como un matiz expresivo, lo que la convierte en uno de los conciertos de Mozart más desafiantes para el intérprete (abundan los pasajes de bravura, pero deben ejecutarse con elegancia mozartiana y no con una fanfarronería ostentosa[26]).
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Recepción y legado
En su debut y durante la vida de Mozart, el Concierto para piano n.º 22 gozó de gran estima, aunque no se convirtiera de inmediato en el más famoso de sus conciertos. Como se señaló, su estreno en 1785 fue un éxito – el hecho de que el público pidiera repetir el Andante da fe de su fuerte impacto[40]. El propio Mozart interpretó el concierto en múltiples ocasiones. Los registros conservados indican que lo tocó al menos tres veces: dos a finales de 1785 (incluido el estreno informal durante el programa de Dittersdorf) y otra en uno de sus conciertos por suscripción a comienzos de 1786, durante la Cuaresma[51]. Su padre, Leopold, alardeó de la acogida del concierto en sus cartas, y cabe imaginar la satisfacción de Mozart ante la cálida bienvenida que recibió la obra en la competitiva escena musical vienesa.
En las décadas posteriores a la muerte de Mozart (1791), el Concierto en mi bemol —como muchas de las obras pianísticas de Mozart— quedó algo ensombrecido por el auge del romántico repertorio. Durante el siglo XIX, los conciertos de Mozart no se programaban tan a menudo como los de Beethoven o los conciertos de virtuosismo de compositores posteriores, y el n.º 22 se interpretaba con menos frecuencia que algunos de los conciertos de Mozart de popularidad más inmediata (como el dramático Concierto en re menor n.º 20, K. 466, o el elegante n.º 21 en do mayor, K. 467). Los musicólogos han señalado que el n.º 22 “nunca ha sido tan popular como sus vecinos más cercanos,” quizá porque los n.os 21 y 23 alcanzaron mayor fama; aun así, se apresuran a añadir que contiene música maravillosa a la altura de cualquiera en la producción de Mozart[52]. En efecto, el Concierto en mi bemol estuvo “inmerecidamente ensombrecido” por sus hermanos durante un tiempo[11]. Parte de la razón pudo ser práctica: la inclusión de clarinetes (aún no estándar en todas las orquestas a lo largo del siglo XIX) hacía que la obra no fuera tan fácil de programar hasta que las orquestas contaran universalmente con clarinetistas. En algunas interpretaciones de principios del siglo XIX, los editores incluso publicaron versiones de los conciertos tardíos de Mozart con las partes de clarinete adaptadas para oboe, para acomodar a los teatros sin clarinetes. Sin embargo, a finales del siglo XIX y principios del XX, los conciertos de Mozart vivieron un renacimiento en el repertorio de sala, y el n.º 22 empezó a ser nuevamente apreciado por pianistas y público como una obra afable y de sustancia.
En el siglo XX, el legado de este concierto quedó consolidado como parte del núcleo del repertorio de conciertos de Mozart. Ha sido defendido por grandes pianistas y directores tanto en el escenario como en grabaciones. Por ejemplo, el legendario pianista Sviatoslav Richter eligió el Concierto en Mi bemol n.º 22 de Mozart para una célebre interpretación en la década de 1960 en el Festival de Aldeburgh con el compositor Benjamin Britten como director – un acontecimiento notable porque el propio Britten compuso un conjunto especial de cadencias para el concierto[53]. Las cadencias imaginativas de Britten (aunque estilísticamente atrevidas), y la interpretación magistral de Richter, ayudaron a destacar el brillo del concierto. Muchos otros pianistas aclamados, desde Daniel Barenboim y Mitsuko Uchida hasta intérpretes actuales como Angela Hewitt, han interpretado y grabado el K. 482, a menudo emparejándolo con el Concierto en do menor K. 491 para mostrar el contraste entre el “noble y elegante” estilo de Mozart en Mi bemol frente a su voz más tormentosa en tonalidad menor[54]. Los críticos suelen elogiar el n.º 22 por su colorida escritura para maderas y el encanto singular que aportan los clarinetes[55].
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Hoy, el Concierto para piano n.º 22 en Mi bemol es reconocido como una de las obras maestras del periodo tardío de Mozart, y ofrece una síntesis perfecta de atractivo melódico, sofisticación estructural y rica sonoridad orquestal. Puede que no tenga un sobrenombre célebre ni una referencia en la cultura popular (a diferencia del Adagio “Elvira Madigan” del n.º 21), pero los entendidos lo tienen en gran estima por su profundidad y elegancia. El público y los músicos de hoy aprecian la “maravillosa música, especialmente el movimiento lento central,” que sigue teniendo el poder de tocar los corazones de los oyentes como en tiempos de Mozart[56]. Su primer movimiento, con su profusión de temas y su majestuosa y festiva tonalidad de Mi bemol, y su final jubiloso, lleno de sorpresas, siguen igualmente deleitando. El concierto figura con regularidad en las salas de conciertos de todo el mundo y sigue siendo un clásico imprescindible de la literatura concertante para piano – un testimonio del genio de Mozart para crear música que trasciende su época.
En resumen, el Concierto para piano n.º 22 en Mi bemol mayor, K. 482, de Mozart, se erige como un retrato fidedigno del mundo del compositor en 1785 y una joya musical que ha sobrevivido al contexto vienés del siglo XVIII que lo vio nacer. Su trasfondo está entrelazado con la vida de Mozart como músico emprendedor en una floreciente capital cultural; su composición muestra su capacidad para innovar (mediante nuevos instrumentos y formas) bajo presión temporal; su música combina la forma clásica con el lirismo operístico y una audacia creativa; y su legado muestra cómo una obra puede ser en un principio producto de su tiempo y, con el tiempo, alcanzar un estatus intemporal. Mozart escribió este concierto con el propósito inmediato de agradar a su público y afianzar su reputación (y sus finanzas) en Viena, pero al hacerlo también regaló al mundo una pieza que continúa “dando placer sin fin” – cumpliendo el ideal mismo del arte mozartiano de tender puentes entre el intelecto y la emoción a lo largo de los siglos[24][35].
Fuentes:
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Program notes by Rhode Island Philharmonic and Hong Kong Philharmonic[57][20][10]
Houston Symphony and Henle Verlag essays on Mozart’s Piano Concerto No. 22[58][14]
Mozart’s letters and biography (cited in Mozart: New Documents/Jahn)[7][59]
Wikipedia entry on Piano Concerto No. 22 in E-flat, K.482[17][21]
Angela Hewitt’s liner notes (Hyperion Records) and BBC Music Magazine review[24][53], describing the work’s musical features and later performances.
[1][16][17][21][31] Piano Concerto No. 22 (Mozart) - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._22_(Mozart)
[2][4][34][36][37][38][39][42][43][45][46][48][49][50][51][55][58] Something Rare: Mozart's Piano Concerto No. 22 in E-flat major, K. 482
https://houstonsymphony.org/mozart-k482/
[3][10][12][19][20][22][23][27][32][33][40][44][47][52][56] MOZART | Piano Concerto no. 22 | HK Phil
https://www.hkphil.org/watch-and-listen/all-performances/mozart-piano-concerto-no-22
[5][7][9][15][18][24][26][28][29][54] Mozart: Piano Concertos Nos 22 & 24 - CDA68049 - Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Hyperion Records - MP3 and Lossless downloads
https://www.hyperion-records.co.uk/dc.asp?dc=D_CDA68049
[6] File:Mozart - Piano Concerto No. 22 - Opening Page of the Autograph Manuscript.jpg - Wikimedia Commons
[8][13][25][30][35][41][57]THE STORY BEHIND: Mozart's Piano Concerto No.22
https://www.riphil.org/blog/the-story-behind-mozart-s-piano-concerto-no-22
[11][14] Piano Concerto no. 22 E flat major K. 482 | HN1240 | HN 1240
https://www.henle.de/Piano-Concerto-no.-22-E-flat-major-K.-482/HN-1240
[53] Mozart: Piano Concerto No. 22 in E flat, K482; Sinfonia Concertante in E flat for violin & viola, K364 - Classical Music
https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/mozart-295
[59]7 April 1786