Klavierkonzert Nr. 22 in Es-Dur
ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト作
Hintergrund und Entstehungskontext
Mozart komponierte sein Klavierkonzert Nr. 22 in Es-Dur, KV 482 in Wien während des Winters 1785[1][2]. Zu dieser Zeit stand Mozart in Wien auf dem Höhepunkt seiner Popularität; er hatte sich vom Dienst am Salzburger Hof befreit und blühte als unabhängiger Komponist und Interpret auf[3]. Kulturell war Wien Mitte der 1780er Jahre unter der vergleichsweise liberalen Regentschaft Kaiser Josephs II. ein lebendiges Zentrum für Musik und Ideen der Aufklärung. Öffentliche Konzerte (oder „Akademien“) waren beliebt, besonders in Zeiten wie Advent und Fastenzeit, wenn Opernaufführungen eingeschränkt waren, was Komponisten wie Mozart die Möglichkeit gab, neue Werke zu präsentieren. Die Oper galt als das angesehenste musikalische Genre der Zeit, aber Klavierkonzerte waren Mozarts „Brot-und-Butter-Geschäft“ – er schrieb sie regelmäßig und führte sie in Abonnementkonzerten für das Wiener Publikum auf[4]. Im Jahr 1785 war Mozarts Alltag ausgefüllt mit Konzerttätigkeit, dem Unterrichten von Schülern und dem Umgang in aristokratischen Kreisen von Gönnern und Freimaurer-Logenbrüdern; zudem war er ein junger Ehemann und Vater, der versuchte, einen gehobenen Lebensstil zu halten, was ihn häufig unter finanziellen Druck setzte[5].
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Bis Dezember 1785, arbeitete Mozart gleichzeitig an seiner komischen Oper Die Hochzeit des Figaro (uraufgeführt 1786), während er eine Reihe neuer Klavierkonzerte schuf[2]. Trotz seiner Opernambitionen musste Mozart für Einkünfte sorgen; er hatte keine besoldete Stelle und lebte über seine Verhältnisse, sodass er Schulden machte[5]. Um schnell Geld zu beschaffen, organisierte er in Wien eine Abonnementreihe. Tatsächlich arrangierte Mozart drei Konzerte im Advent 1785 (am 9., 16. und 23. Dezember) mit etwa 120 Abonnenten – ein beachtliches Publikum für die damalige Zeit[7]. Das Klavierkonzert Nr. 22 in Es-Dur wurde am 16. Dezember 1785 vollendet, und die Tinte auf dem Manuskript war kaum trocken, als Mozart es noch am selben Abend[8][9] selbst zur Uraufführung brachte. Die erste Aufführung fand nicht als Teil eines formellen, eigenständigen Konzerts statt, sondern zwischen den Akten eines Bühnenwerks seines Kollegen Carl Ditters von Dittersdorf[8]. Diese ungewöhnliche Uraufführungssituation – die Einfügung eines Konzerts während der Aufführung einer Oper oder eines Oratoriums eines anderen Komponisten – spiegelt die Praxis des 18. Jahrhunderts wider, verschiedene Gattungen in einem Programm zu mischen.
Mozarts neues Konzert wurde von Anfang an begeistert aufgenommen. Sein Vater Leopold Mozart berichtete stolz, dass das Publikum eine Zugabe des langsamen Andante-Satzes verlangte, und merkte an, dass die Wiederholung eines Mittelsatzes „eine etwas ungewöhnliche Erscheinung“ sei[10][11]. (Zugaben wurden häufiger für lebhafte Finalsätze verlangt; der Wunsch des Publikums, das eindringliche Andante erneut zu hören, zeigte daher, wie tief es sie berührt hatte[12].) Dieses Es-Dur-Konzert war Teil einer Trilogie großer Klavierkonzerte, die Mozart innerhalb weniger Monate schrieb, neben dem Klavierkonzert Nr. 23 in A-Dur (KV 488) und dem Klavierkonzert Nr. 24 in c-Moll (KV 491), die Anfang 1786 folgten[13][14]. Bemerkenswerterweise komponierte er alle drei, während er zugleich Die Hochzeit des Figaro vorbereitete. Mozarts Fähigkeit, gleichzeitig eine derart „erstaunliche Folge“ von Konzerten und Opernmusik hervorzubringen, zeugt davon, dass er auf dem Höhepunkt seiner schöpferischen Kräfte stand[13][15].
Besetzung und Orchestrierung
Das Klavierkonzert Nr. 22 ist für ein verhältnismäßig großes klassisches Orchester gesetzt, was ihm eine reiche und vielfältige Klangpalette verleiht. Neben dem Solo Fortepiano (bei der Uraufführung war Mozart selbst der Solist) ist das Werk besetzt mit:
Holzbläser: 1 Flöte, 2 Klarinetten in B, 2 Fagotte
Blechbläser: 2 Hörner in Es, 2 Trompeten in Es
Schlagwerk: Pauken (in Es und B)
Streicher: Violinen, Bratschen, Violoncelli und Kontrabässe (normale Streicherbesetzung)[16].
Bemerkenswerterweise war dies das erste von Mozarts Klavierkonzerten, in dem Klarinetten in die Orchestrierung einbezogen wurden[17]. Tatsächlich waren Klarinetten in den 1780er Jahren noch eine relativ neue Ergänzung des Orchesters, und Mozart wollte sie schon lange wegen ihres warmen, milden Klangs einsetzen[18]. Hier ersetzt er die üblichen Oboen durch Klarinetten, was dem Ensemble einen weicheren, holzigeren Klang verleiht als der hellere Oboenton. Mozart nutzt die Klarinetten besonders in den sanften, lyrischen Episoden des Konzerts – etwa im langsamen Satz und in den zarten Abschnitten des Finales –, wo ihr „äußerst vielseitiger“ und milder Klang emotionale Tiefe verleiht[19][14]. Die Einbeziehung von Trompeten und Pauken verleiht den Ecksätzen hingegen eine festliche, majestätische Farbe und unterstreicht die mit Es-Dur verbundene Anmutung von Größe. (Diese Blechbläser und Pauken schweigen im intimen Andante-Satz, sodass seine dunklere Stimmung nicht gestört wird[16].) Mozart reagierte zudem auf die Fortschritte der Tasteninstrumente jener Zeit – das Fortepiano hatte Mitte der 1780er Jahre verbessertes Sustain und größere Dynamik –, wodurch er „singende“ Melodielinien für das Klavier, besonders in langsameren Passagen, schreiben konnte[20]. Insgesamt war die Instrumentation des Konzerts für ihre Zeit innovativ: Sie erweiterte die im Klavierkonzert verfügbaren Orchesterfarben und deutete die volleren Klangbilder an, die spätere Komponisten (wie Beethoven) erkunden sollten.
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Der Pianist Hannes Minnaar und die Philharmonie Zuidnederland unter der Leitung von Kevin John Edusei spielen Mozarts Klavierkonzert Nr. 22 in Es-Dur, KV 482:
Form und musikalischer Charakter
Wie die meisten von Mozarts Konzerten hat die Nr. 22 in Es-Dur drei Sätze und folgt der schnell–langsam–schnell-Struktur. Sie ragt jedoch als eines von Mozarts längsten Konzerten (rund 35 Minuten)[21] und ist außergewöhnlich reich an musikalischen Einfällen und Kontrasten. Jeder Satz besitzt seinen eigenen Charakter und seine eigene Form:
Allegro (Es-Dur): Der erste Satz ist eine weit ausgreifende Sonatenhauptsatzform , die eine Fülle thematischen Materials vorstellt. Das Orchester eröffnet mit einem großen, Aufmerksamkeit erregenden Tutti: einem energischen fanfarenartigen Thema in Es-Dur, von Trompeten und Pauken akzentuiert[22]. Dieser kraftvolle Auftakt wird sofort von einer weicheren, lyrischeren Idee beantwortet, die von den Holzbläsern eingeführt wird (wobei Klarinetten und Fagotte die Fanfare spielerisch in milderer Gestalt nachzeichnen)[23]. Mozart „war nie freigebiger mit der Anzahl seiner Themen“ als in diesem Satz – die orchestrale Einleitung präsentiert eine ganze Folge kontrastierender Motive, von majestätisch bis zart, fast so, als würden Figuren in einer Oper vorgestellt[24][25]. Wenn das Soloklavier einsetzt, dann mit einem völlig neuen eigenen Thema, anstatt lediglich die Melodien des Orchesters nachzuzeichnen[26]. Es entspinnt sich ein lebhafter Dialog zwischen Pianist und Orchester, voller dramatischer Kontraste und rascher Stimmungswechsel, die mit Opernszenen verglichen worden sind[27]. Mozart behandelt Klavier und Orchester als gleichberechtigte Partner – bisweilen in fast geistreichem Gespräch, in dem sie Themen und Kommentare austauschen. Die Durchführung wagt Ausflüge in mehrere entlegene Tonarten, darunter einen überraschenden Abstecher nach b-Moll , eingeleitet von einer aufgewühlten, dunklen Klavierpassage[28]. In einem markanten Moment stellt das Klavier in der Durchführung eine kurze, doch eindringlich schöne neue Melodie vor – eine ruhige Oase, die nur einmal erscheint und einen Moment der Atempause gewährt, bevor die Musik wieder auf die Reprise zusteuert[29]. Im gesamten Satz färben die Bläser (vor allem die Klarinetten) den Klang und treten mit dem Klavier in Dialog. Bemerkenswert ist, dass Mozart keine schriftlichen Kadenzen für dieses Konzert hinterlassen hat, was bedeutet, dass bei der Solokadenz gegen Ende des Satzes die Ausführenden ihre eigene beisteuern müssen (Mozart hätte eine solche in der Aufführung improvisiert)[30]. Nach der Kadenz schließt der Satz mit einer schwungvollen Coda, die die helle, energische Stimmung bekräftigt. Insgesamt balanciert dieses Allegro „großtheatralische“ Passagen mit leisem Humor und elegantem Zusammenspiel und ist damit ein Inbegriff von Mozarts reifem Konzertstil[27].
Andante (c-Moll): Der zweite Satz wechselt in die unerwartete Tonart c-Moll, was einen dramatischen emotionalen Kontrast schafft. Er ist in der Form von Thema und Variationen, allerdings mit einigen kreativen Abweichungen von der strengen Variationsform[31]. Die Tonlage ist hier düster, introspektiv und von reicher Ausdruckskraft – so sehr, dass zeitgenössische Hörer ihn als zutiefst bewegend empfanden. Mozart reservierte c-Moll (eine „dunkle“, leidenschaftliche Tonart für ihn) für einige seiner emotionalsten Werke, und dieses Andante ist ein Paradebeispiel[32]. Es beginnt mit den gedämpften Streichern allein, die in langsamem 3/8-Takt ein ernstes, seufzendes Hauptthema vorstellen[33]. Dann setzt das Klavier ein, verziert und variiert das Thema leicht und fügt dem melancholischen Gesang seine eigene Stimme hinzu[34]. Es folgt eine Reihe einfallsreicher Variationen und Episoden: Orchester und Solist entwickeln das Thema abwechselnd weiter, verstärken bisweilen seinen melancholischen Ernst, und bieten zu anderen Zeiten Momente des Trostes oder der Aufhellung[32]. In einer Variation versucht ein Duett für Flöte und Fagott in Dur, die Stimmung zu erhellen, und stellt eine sanfte neue Melodie vor, als wolle es Hoffnung spenden[35][36]. Das Klavier antwortet mit einer weiteren sehnsuchtsvollen Variation des Hauptthemas und deutet an, dass sich die Traurigkeit nicht leicht vertreiben lässt[37]. Es kommt zu Dialogen zwischen Klavier und Bläsern – so werfen die Holzbläser an einer Stelle eine zarte Dur-Idee ein, die das Klavier behutsam überwindet, indem es zum klagenden Mollthema zurückkehrt[38]. Dieses Hin und Her zwischen Dunkel und Licht verleiht dem Satz eine tief berührende Qualität. In der Coda schließen sich die Holzbläser schließlich dem Klavier im Einvernehmen, und gemeinsam führen sie den Satz zu einem leisen, ergreifenden Schluss[39]. Die Hörer der Zeit waren von der Ausdruckstiefe des Andante beeindruckt – wie bereits erwähnt, war es so innig, dass das Publikum bei der Uraufführung eine Wiederholung verlangte[40]. Moderne Kommentatoren hören sogar Vorahnungen von Beethoven in der emotionalen Intensität dieses Satzes und im Gebrauch von c-Moll (eine Tonart, die Beethoven berühmt für dramatische Wirkungen einsetzen sollte)[35]. In Mozarts Œuvre ragt dieses Andante als Verkörperung seines lyrischen Pathos, indem es das Orchester (wobei die Klarinetten einen sanften Schimmer beisteuern) als „Ausdrucksmittel“ einsetzt, um die intimen Monologe des Klaviers zu stützen[35].
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Allegro (Es-Dur), mit einem Andantino cantabile Episode: Der Finalsatz ist ein freudiges Rondo das das Konzert zu einer überschwänglichen, festlichen Stimmung zurückführt. Sein Hauptthema ist eine helle, tänzerische Melodie im 6/8-Takt, die oft als jagdlichen oder volksliedartigen Charakter beschrieben wird (Es-Dur wurde häufig für Musik verwendet, die Hörner und Freilichtszenen evoziert – daher der „Jagdhorn“-Stil)[41]. Dieses lebhafte Thema – mit seinen beschwingten Rhythmen und rustikalem Charme – kehrt regelmäßig wieder, getrennt durch kontrastierende Episoden in klassischer Rondo-Manier[42]. Mozart verleiht dem Rondo jedoch Überraschungen und raffinierten Feinheiten. Nachdem das anfänglich springende Thema vorgestellt ist, kommt die Musik kurz zum Stillstand und wechselt zu einer völlig neuen Idee: Die Streicher beginnen eine leise, pulsierende Begleitung, darüber führt das Klavier eine zarte, lyrische Melodie ein, bezeichnet andantino cantabile (in einem langsameren, gesanglichen Tempo)[43]. Dieses anmutige Intermezzo mitten im schnellen Rondo wirkt wie eine Opernarie, die zart in einem lebhaften Tanz aufblüht – und in der Tat hören Kommentatoren Anklänge an Mozarts Die Hochzeit des Figaro in diesem süßen, kantablen Abschnitt[44]. Bald erscheint ein drittes Thema: eine breit lyrisch fließende Melodie die dem Geschehen einen weiteren Charakter hinzufügt[45]. Trotz dieser Abschweifungen kehrt das heitere Hauptthema stets zurück und hält das Rondo auf Kurs. In der Mitte des Finales schreibt Mozart sogar eine kurze Kadenz: Die Musik stürzt in eine kurze dramatische Pause, die dem Solisten eine Ausschmückung erlaubt, die unerwartet in ein langsames, traumhaftes Andante cantabile überleitet[46]. Hier glänzen die Holzbläser, besonders die Klarinetten, mit einem „arienhaften“ Dialog neben dem Klavier und rufen für einen Moment die zarte Empfindung des zweiten Satzes in Erinnerung[47]. Doch Mozarts spielerischer Geist sorgt dafür, dass die Stimmung nicht lange ernst bleibt – eine weitere kurze Kadenz des Klaviers führt die Musik im Nu zurück zum fröhlichen Hauptthema[48]. Während das Rondo dem Ziel entgegenschießt, setzt Mozart noch eine letzte geistreiche Pointe: Gerade wenn der Hörer die Schlusstakte erwartet, hält die Musik inne, und das Klavier erinnert verschmitzt noch einmal an die frühere zarte Melodie (eine freundliche Erinnerung an diesen schönen Moment)[49]. Erst dann bricht das Orchester herein und beschließt das Stück mit einem mitreißenden Schluss. Dieser kluge Scherz eines falschen Endes entlockt oft ein Lächeln; es ist Mozarts Art zu sagen, dass er keinen der musikalischen Fäden vergessen hat. Die Mischung des Finales aus „leicht und freudig“er Atmosphäre mit einem innigen Mittelteil zeigt Mozarts feines Gleichgewicht zwischen populärer Anziehungskraft und Kunstfertigkeit[47].
In diesem Konzert treten Mozarts stilistische Merkmale der späten Wiener Zeit deutlich hervor: ein opernhaftes Dialoggefühl zwischen Solist und Ensemble, raffinierte Holzbläserbehandlung, plötzliche Wechsel zwischen Dur und Moll zu Ausdruckszwecken und die nahtlose Verbindung melodischer Eleganz mit technischer Virtuosität. Mit rund 35 Minuten Dauer ist der Umfang und die Größe des Werks bemerkenswert[21], doch die Musik verliert nie die Klarheit und Anmut, die den klassischen Stil kennzeichnen. Mozart passte den Klaviersatz auch seinem eigenen virtuosen, aber geschmackvollen Spiel an – zeitgenössische Berichte (etwa die Erinnerungen des irischen Tenors Michael Kelly) loben Mozarts „flinke Finger, großartige Ausführung und die Inspiration“ seiner Improvisationen am Klavier[50]. In der Tat verlangt der Solopart in diesem Konzert sowohl funkelnde Beweglichkeit als auch ausdrucksvolle Nuancierung und macht es zu einem der anspruchsvolleren Mozart-Konzerte für den Interpreten (Bravourpassagen gibt es reichlich, doch müssen sie mit mozartscher Eleganz statt mit bombastischer Effekthascherei ausgeführt werden[26]).
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Rezeption und Nachwirkung
Bei seiner Uraufführung und zu Mozarts Lebzeiten stand das Klavierkonzert Nr. 22 in hohem Ansehen, auch wenn es nicht sofort zum berühmtesten seiner Konzerte wurde. Wie erwähnt, war seine Uraufführung 1785 ein Erfolg – die Tatsache, dass das Publikum eine Wiederholung des Andante verlangte, zeugt von seiner starken Wirkung[40]. Mozart selbst spielte das Konzert mehrfach. Erhaltene Aufzeichnungen deuten darauf hin, dass er es mindestens dreimal: zweimal Ende 1785 (einschließlich der informellen Premiere im Rahmen von Dittersdorfs Programm) und erneut bei einem seiner Subskriptionskonzerte Anfang 1786 während der Fastenzeit[51]. Sein Vater Leopold prahlte in Briefen mit der Aufnahme des Konzerts, und man kann sich Mozarts Zufriedenheit über die warme Aufnahme des Werks in Wiens konkurrierender Musikszene gut vorstellen.
In den Jahrzehnten nach Mozarts Tod (1791) wurde das Es-Dur-Konzert – wie viele von Mozarts Klavierwerken – von der anschwellenden Welle der romantischen Repertoires etwas überschattet. Im 19. Jahrhundert wurden Mozarts Konzerte nicht so häufig programmiert wie die Beethovens oder die virtuosen Konzerte späterer Komponisten, und die Nr. 22 erklang seltener als einige von Mozarts unmittelbar populäreren Konzerten (etwa das dramatische d-Moll-Konzert Nr. 20, KV 466, oder das elegante C-Dur Nr. 21, KV 467). Musikwissenschaftler haben festgestellt, dass die Nr. 22 „nie ganz so beliebt war wie ihre unmittelbaren Nachbarn“, vielleicht weil die Nrn. 21 und 23 mehr Berühmtheit erlangten; sie fügen jedoch sogleich hinzu, dass sie wunderbare Musik enthält, die jeder in Mozarts Schaffen ebenbürtig ist[52]. In der Tat war das Es-Dur-Konzert „zu Unrecht überschattet“ von seinen Schwesterwerken lange Zeit[11]. Ein Teil der Gründe dürfte praktischer Natur gewesen sein: Die Einbeziehung von Klarinetten (im 19. Jahrhundert noch nicht in jedem Orchester Standard) machte das Werk schwerer programmierbar, bis Orchester allgemein über Klarinettisten verfügten. Bei einigen Aufführungen im frühen 19. Jahrhundert veröffentlichten Herausgeber sogar Fassungen von Mozarts späten Konzerten, in denen die Klarinettenstimmen für Oboe eingerichtet waren, um Theater ohne Klarinetten zu berücksichtigen. Gegen Ende des 19. und zu Beginn des 20. Jahrhunderts erlebten Mozarts Konzerte jedoch eine Wiederbelebung im Konzertrepertoire, und die Nr. 22 wurde von Pianisten und Publikum erneut als heiteres und substanzielles Werk geschätzt.
Im 20. Jahrhundert wurde die Wirkungsgeschichte dieses Konzerts als Teil des Kernrepertoires der Mozart-Konzerte gefestigt. Es wurde von bedeutenden Pianisten und Dirigenten auf der Bühne und auf Tonträgern maßgeblich gefördert. So wählte der legendäre Pianist Sviatoslav Richter Mozarts Es-Dur-Konzert Nr. 22 für einen vielbeachteten Auftritt in den 1960er Jahren beim Aldeburgh Festival, mit dem Komponisten Benjamin Britten am Pult – ein Ereignis, das bemerkenswert ist, weil Britten selbst eine eigene Folge von Kadenzen für das Konzert[53]. Brittens einfallsreiche (wenn auch stilistisch wagemutige) Kadenzen und Richters meisterhaftes Spiel trugen dazu bei, die Brillanz des Konzerts ins Rampenlicht zu rücken. Viele andere hochgelobte Pianisten – von Daniel Barenboim und Mitsuko Uchida bis zu modernen Interpretinnen und Interpreten wie Angela Hewitt – haben K.482 aufgeführt und eingespielt, häufig in Kombination mit dem c-Moll-Konzert K.491, um den Kontrast zwischen Mozarts Es-Dur-„edel und elegant“ Stil und seiner stürmischeren Tonsprache in Moll[54]. Kritiker loben die Nr. 22 häufig für ihre farbenreiche Holzbläserführung und den besonderen Reiz, den die Klarinetten beisteuern[55].
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Heute gilt das Klavierkonzert Nr. 22 in Es-Dur als eines von Mozarts Meisterwerken der späten Schaffensperiode und bietet eine perfekte Synthese aus melodischer Anziehungskraft, struktureller Raffinesse und reicher orchestraler Klangfülle. Es trägt zwar keinen verbreiteten Beinamen oder Popkultur-Verweis (anders als das „Elvira-Madigan“-Adagio der Nr. 21), doch Kenner schätzen es wegen seiner Tiefe und Eleganz. Heutige Hörer und Musiker würdigen die „wunderbare Musik, besonders den zentralen langsamen Satz,“ die noch immer die Kraft besitzt, die Herzen der Hörer zu berühren – wie schon zu Mozarts Zeiten[56]. Sein Kopfsatz mit seinem Reichtum an Themen und feierlicher Es-Dur-Majestät sowie sein freudiges, von Überraschungen gespicktes Finale begeistern weiterhin. Das Konzert ist regelmäßig in Konzertsälen auf der ganzen Welt zu hören und bleibt ein fester Bestandteil der Klavierkonzertliteratur – ein Zeugnis für Mozarts Genie, Musik zu schaffen, die ihre Epoche überdauert.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Mozarts Klavierkonzert Nr. 22 in Es-Dur, K. 482, als ein zeitgetreues Porträt der Welt des Komponisten im Jahr 1785 und als ein musikalisches Juwel das den wienerischen Kontext des 18. Jahrhunderts, dem es entstammt, überdauert hat. Sein Hintergrund ist eng mit Mozarts Leben als unternehmerischer Musiker in einer florierenden Kulturmetropole verflochten; seine Entstehung zeigt seine Fähigkeit, unter Zeitdruck zu innovieren (durch neue Instrumente und Formen); seine Musik verbindet klassische Form mit opernhaftem Lyrismus und kühner Kreativität; und seine Wirkungsgeschichte zeigt, wie ein Werk zunächst ein Produkt seiner Zeit sein kann und schließlich doch zeitlose Geltung erlangt. Mozart schrieb dieses Konzert mit dem unmittelbaren Ziel, sein Publikum zu erfreuen und seinen Ruf (und seine Finanzen) in Wien zu sichern; zugleich schenkte er der Welt damit ein Stück, das weiterhin „ohne Ende Freude bereitet“ – und damit das Ideal der mozartschen Kunst erfüllt, Verstand und Gefühl über die Jahrhunderte hinweg zu verbinden[24][35].
Quellen:
Program notes by Rhode Island Philharmonic and Hong Kong Philharmonic[57][20][10]
Houston Symphony and Henle Verlag essays on Mozart’s Piano Concerto No. 22[58][14]
Mozart’s letters and biography (cited in Mozart: New Documents/Jahn)[7][59]
Wikipedia entry on Piano Concerto No. 22 in E-flat, K.482[17][21]
Angela Hewitt’s liner notes (Hyperion Records) and BBC Music Magazine review[24][53], describing the work’s musical features and later performances.
[1][16][17][21][31] Piano Concerto No. 22 (Mozart) - Wikipedia
https://en.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._22_(Mozart)
[2][4][34][36][37][38][39][42][43][45][46][48][49][50][51][55][58] Something Rare: Mozart's Piano Concerto No. 22 in E-flat major, K. 482
https://houstonsymphony.org/mozart-k482/
[3][10][12][19][20][22][23][27][32][33][40][44][47][52][56] MOZART | Piano Concerto no. 22 | HK Phil
https://www.hkphil.org/watch-and-listen/all-performances/mozart-piano-concerto-no-22
[5][7][9][15][18][24][26][28][29][54] Mozart: Piano Concertos Nos 22 & 24 - CDA68049 - Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Hyperion Records - MP3 and Lossless downloads
https://www.hyperion-records.co.uk/dc.asp?dc=D_CDA68049
[6] File:Mozart - Piano Concerto No. 22 - Opening Page of the Autograph Manuscript.jpg - Wikimedia Commons
[8][13][25][30][35][41][57]THE STORY BEHIND: Mozart's Piano Concerto No.22
https://www.riphil.org/blog/the-story-behind-mozart-s-piano-concerto-no-22
[11][14] Piano Concerto no. 22 E flat major K. 482 | HN1240 | HN 1240
https://www.henle.de/Piano-Concerto-no.-22-E-flat-major-K.-482/HN-1240
[53] Mozart: Piano Concerto No. 22 in E flat, K482; Sinfonia Concertante in E flat for violin & viola, K364 - Classical Music
https://www.classical-music.com/reviews/orchestral/mozart-295
[59]7 April 1786